THE EVIL

„YOU did all that?“

The Evil ~ USA 1978
Directed By: Gus Trikonis

Der Psychiater C.J. Arnold (Richard Crenna) hat den ehrgeizigen Plan, ein noch aus Bürgerkriegszzeiten stammendes, leerstehendes Landhaus, das er erworben hat, in ein Therapiezentrum für Suchtkranke umzufunktionieren. Bei der anstehenden Renovierung unterstützen ihn an einem ersten Wochende seine Frau Caroline (Joanna Pettet), ein paar Freunde und Stammpatienten. Das Haus jedoch birgt ein schreckliches Geheimnis: Sein einstiger Erbauer Emilio Vargas (Galen Thomson), der Caroline immer wieder als Geist erscheint, hat den Bau zu dem einen Zwecke errichtet, ein unter ihm befindliches Höllentor zu sichern und vor der Außenwelt zu verbergen. Im Keller befindet sich jene ominös versiegelte Falltür, unter der es heftig rumort. Als der strenge Rationalist C.J. die Luke öffnet, entweicht erwartungsgemäß das höllische Böse und knöpft sich einen nach dem anderen der unversehens im Hause gefangenen Besucher vor…

Für einen Film, der sich großspurig ankündigend selbst „The Evil“ tituliert, gibt Gus Trikonis‘ kleiner Teufelshausschocker ein eher possierliches Unterfangen ab. Was zunächst keine besondere Rolle spielt: Die Prämisse ist diesmal etwas fabulierfreudiger als in populäreren Repräsentanten des Subgenres, es geht nämlich weder um eine Gruppe unverdrossener Parapsychologen, die ausziehen, das wahre Fürchten zu lernen, noch um ein unbedarftes Ehepaar nebst optionaler Familie, dem bald das durch die Neuankömmlinge herausgeförderte Böse tüchtig die Wände erzittern lässt. Stattdessen haben wir einen erklärten Atheisten mitsamt achtköpfigem Anhang (auch ein Hund ist dabei, der als erster zum Bessenen wird). Hinreichend Futter und Gelegenheit also für die bereits in den Startlöchern befindlichen, infernalischen Kräfte, ihr schwefelsaures Wirken zu demonstrieren und sich, nach hermetischer Verriegelung aller Wege aus dem Bau hinaus, einen nach dem anderen der hilflosen Probanden auf illustre Weise vorzuknöpfen. Es slashert also auch ein bisschen, eine Methodik, die anno 78 im Genre des haunted house noch nicht wirklich großflächig etabliert und somit recht neu war. Die nicht immer als HerrInnen ihrer Sinne wild und unorganisiert durch die Räume rennenden Leute zerlegt es dann auch auf teils hübsche Art und Weise, was der ansonsten nicht immer zugkräftigen Dramaturgie einige willkommene Wachmacherschläge auf den Hinterkopf versetzt.
Der immer sehr seriös wirkende Richard Crenna bürgt dann auch dafür, dass es niemals allzu albern wird, bis zum Schluss, der mir auch mit gebührendem Abstand nicht ganz in den Kopf hineinwill und von dem ich nicht recht weiß, ob er vielleicht einer der bizarrsten Fälle von vorsätzlicher Selbstdemontage der gesamten Filmgeschichte darstellt: Unterhalb des Hauses begegnet C.J. Arnold nämlich niemand Geringerem als Satan persönlich. Dieser sitzt in Gestalt des wohlbeleibten Victor Buono lustig feixend und ganz in Weiß (aber ohne Blumenstrauß) auf einem Thron und konfrontiert den Mann des Geistes mit seinem steten Glaubensverzicht. Dieser obskure Aufzug erschien mir weder bedrohlich noch sonstwie unheimlich, sondern eben nur eines: grotesk. Ob Gus Trikonis mit jenem Antifinale nun seinen Sinn für Situationskomik unter Beweis stellen, Genremechanismen aushebeln oder seinem Publikum schlicht einen Tritt in den Arsch versetzen wollte, weiß ich nicht – ich für meinen Teil nehme es einfach, wie es sich wohl am Besten nimmt: mit Humor.

6/10

THE HATE U GIVE

„How many more of us do you have to kill before you get it?“

The Hate U Give ~ USA 2018
Directed By: George Tillman Jr.

Starr Carter (Amandla Sternberg), eine sechzehnjährige, afroamerikanische Schülerin, lebt im von dunkelhäutigen Bürgern bevölkerten Vorort Garden Heights, geht wie ihr älterer Bruder (Lamar Johnson) jedoch auf die vornehmlich von Weißen frequentierte Privatschule Williamson Prep. im benachbarten Stadtteil. Seit früher Jugend ist Starr gewohnt, zwei Identitäten zu leben – die im Rahmen ihrer „ethnischen Zugehörigkeit“ mit ihren ebenfalls farbigen Freundinnen und ihrer Familie sowie die als gesellschaftlich etablierte Musterschülerin mitsamt weißem boyfriend (K.J. Apa) und bester weißer Freundin (Sabrina Carpenter), die im Rahmen ihrer behüteten bourgeoisen Verhältnisse schwarzes Kulturgut von Hip-Hop-Musik über teure Nikes zu adaptieren pflegen. Als eines Abends nach einer Party Starrs Sandkastenfreund Khalil (Algee Smith) im Zuge einer vermeintlich routinemäßigen Verkehrskontrolle von einem sich bedroht fühlenden, weißen Officer (Drew Starkey) erschossen wird, ändern sich Starrs Sicht der Dinge und ihr ganzes Leben Schlag auf Schlag: Erstmals begreift sie zur Gänze, dass der Kampf um die Gleichberechtigung aller Hautfarben noch längst nicht ausgefochten ist, dass impliziter Alltagsrassismus vor niemanden Halt macht und dass das Selbstbild vieler Afroamerikaner durch die unaufhörliche Bevormundung der WASP-Klasse bewusst beklagenswert gehalten wird.

„The Hate U Give“, das hat mich George Tillman jr.s Film gelehrt, ist Teil eines Akronyms, das auf eine kurzlebige Hip-Hop-Band um Tupac Shakur namens Thug Life zurückgeht. Deren Buchstaben ausformuliert bedeuten nämlich „The Hate U Give Little Infanfts Fucks Everybody“, was sich als allgemeingültiges Statement nicht über das wechselseitige Verhältnis von Schwarz und Weiß in den USA, sondern auch hinsichtlich der oftmals prekären Verhältnisse, unter denen junge Afroamerikaner in den Ghettos aufzuwachsen haben, lesen lässt. Für einen sich aufgeklärt wähnenden, ausdrücklich links vom Teller befindlichen Zentraleuropäer ist oftmals nicht nachvollziehbar, was sich da Tag für Tag im Land der Freiheit abspielt. Von (tödlicher) Polizeigewalt gegen Farbige, also just jener weiterhin autoritätsflankierte Missstand, an deren mit jedem weiteren diesbezüglichen Ereignis unfassbarer werdenden Unfassbarkeit sich die Story des auf einem Roman von Angie Thomas basierenden „The Hate U Give“ entzündet, bekommt man ja hier und da immer wieder etwas mit, und schiebt es dann kopfschüttelnd, in Anbetracht der regionalen Entfernung vielleicht doch allzu achselzuckend beiseite. Die Rechtfertigungen der Exekutive sind dann im Regelfall ebenso kleinlaut wie abwiegelnd und, letzten Endes, wohl auch bar jeder wirklich nachhaltigen Konsequenz.
„The Hate U Give“ zeigt das an seinem dramatischen Höhepunkt ganz vortrefflich: Ein nächtens fahrender Wagen mit zwei jungen, schwarzen Menschen wird von einem überforderten Schichtpolizisten angehalten, der insgeheim hinter jedem Gesicht dunkelhäutiger Personen einen potentiell verdächtigen Kriminellen vermutet. Der scheinbar willkürlich um Identifikation gebetene, junge Fahrer fühlt sich zurecht schikaniert und reagiert flapsig, womit er, ohne darüber nachzudenken, sein Leben gefährdet. Den weißen Bullen nämlich macht das respektlose Verhalten seiner uniformierten Person gegenüber noch aggressiver und, umso verhängnisvoller, noch nervöser. Was dann aus der Distanz für eine Schusswaffe gehalten wird, entpuppt sich im Nachhinein als Haarbürste. Doch da liegt der Fahrer bereits tot auf der Straße, erschossen von dem inkompetenten, übereifrigen, vielleicht rassistischen Polizisten, der, eine verhängnisvolle Schrecksekunde lang, Angst, Allmacht und Pflichtbewusstsein durcheinandergeworfen hat. Für das fassungslose Mädchen auf dem Beifahrersitz beginnt ein mittelschwerer Albtraum, der fortgesetzte Rekapitulationen des Ereignisses, den Verlust der vermeintlich besten Freundin, die Bedrohung der Familie und der eigenen Person und die Wut angesichts der sich aus der Verantwortung windenden Staatsmacht beinhaltet. Immerhin, am Ende steht eine am Schrecklichen gewachsene, starke junge, mündige und vor allem: selbstbewusste Frau, die ihre Lebenslektionen leider auf eine denkbar böse Weise zu erlernen hatte. So weit die inhaltliche Ebene.
Dann ist da noch der Film selbst, der seine eminente Botschaft leider auf vergleichsweise biederem Oberstufenniveau, quasi im abgesicherten Modus, verhandelt. Natürlich ist „The Hate U Give“ thematisch aller Ehren wert und richtig und wichtig, aber er ist zugleich auch sehr routiniert und unkomplex inszeniert, vermutlich, um vor allem eine juvenile Zielgruppe anzusprechen. Er wird dann vermutlich auch ganz gewiss irgendwann seinen Weg in die Bibliotheken aller Sozialkundelehrer dieser Welt finden und in den nächsten Jahren auf diversen Schulcurricula der Sekundarstufe I einen festen Platz bekleiden. Das ist auch ganz gewiss in Ordnung so, doch: aufregend im Sinne eines nachhaltigen Filmerlebnisses – das ist was anderes.

7/10

DEN SKYLDIGE

Zitat entfällt.

Den Skyldige (The Guilty) ~ DK 2018
Directed By: Gustav Möller

Der Kopenhagener Streifenpolizist Asger Holm (Jakob Cedergren) muss aus disziplinarischen Gründen Spätschicht im Callcenter der Notrufzentrale schieben. Als sich zwischen den üblichen Anrufen Betrunkener, geprellter Freier und Junkys aus einem fahrenden Wagen eine Frau namens Iben (Jessica Dinnage) meldet, die offenbar gewaltsam von ihrem Mann Michael (Johan Olsen) entführt wurde, erwacht unverzüglich Asgers Gerechtigkeitssinn. Er muss Iben um jeden Preis helfen, trotz seiner zur Passivität verdammten Lage. Als sich dann auch noch die sich alleine in Ibens Wohnung befindliche kleine Tochter des Paars, Mathilde (Katinka Evers-Jahnsen) meldet, spitzt sich der emotionale Druck auf Asger noch weiter zu…

Spannend ist Gustav Möllers ausschließlich in der polizeilichen Telefonzentrale und in Echtzeit spielende Film ja fraglos. Seine Methode, durch die rigorose Verdichtung von Zeit, Raum und Personal ein besonders hohes Maß an Intensität beim Publikum zu forcieren, geht somit auch weitgehend auf. Der a priori und wohl unweigerlich im Raume stehende Kritikpunkt, bei soviel Reduktion hätte man ja auch ebensogut ein Hörspiel aus dem Plot fertigen können, greift zudem größenteils nicht, weil „Den Skyldige“ einen Großteil seines suggestiven Potentials aus dem mimischen Spiel des Schauspielers Jakob Cedergren bezieht. Dessen nicht eben einfache Aufgabe als permanent im Bild befindliche und dazu meist in Close-ups zu sehende, einzig angebotene Identifikationsfigur für den Rezipienten, bewältigt Cedergren allerdings mit bewundernswertem Nuancenreichtum. Der Polizist Asger Holm, soviel wird bereits nach wenigen Minuten klar, ist nämlich alles – nur gewiss kein Sympathieträger. Ganz im Gegenteil markiert Holm einen Bullen, wie man ihm lieber nicht begegnen möchte: gelackt, arrogant, herrisch, selbstgerecht und seine Berufsräson bis ins Letzte ausnutzend. Warum Asger, obwohl er eigentlich mit seinem Partner Rashid (Omar Shargawi) Streife fährt, hier zu nachtspäter Stunde im Callcenter hockt, erfährt man zwar erst gegen Ende, dass der Grund allerdings kein angenehmer sein dürfte, lässt sich alsbald mutmaßen angesichts Asgers reaktionärer Art, die Dinge handzuhaben. Jakob Cedergren obliegt also die nicht eben einfache Aufgabe, seine Figur trotz gnadenloser Zentrierung und trotz seines unangenehm reaktionären Wesens der Zuschauerschaft an die Seite zu stellen und seine Beweggründe, vorzugehen, wie er eben vorgeht, durchweg nachvollziehbar wirken zu lassen. Freilich wartet dann am Ende der unvermeidliche twist, der Asgers Wahrnehmung ebenso wie die unsere auf den Kopf stellt und „Den Skyldige“ schließlich noch zu einer ganz treffenden Meditation über Entscheidungsbefugnisse und emotionale Verlässlichkeit in Krisensituationen überformt. Hätte das Script dann noch den Mut aufgebracht, Asgers aufgrund vorschneller Impulsivität ja durchweg falsches Vorgehen durch ein weniger glückliches Ende zu quittieren und den Mann so (wie seinerzeit etwa Sean Connery in „The Offence“) endgültig von der Klippe zu stoßen, Möllers Film wäre möglicherweise denkwürdig geworden. So bleibt im Gegenzug Asger Holms Option auf Erlösung und ein solides Stück skandinavischen Genrekinos.

7/10

BOAR

„They’re all dead!“

Boar ~ AUS 2017
Directed By: Chris Sun

Ein gewaltiger Keiler, der auf alles los geht, was sich bewegt, macht den australischen Outback unsicher. Selbst die härtesten Typen scheitern an ihm. Es bedarf erst dreier tapferer Frauen (Simone Buchanan, Christie Lee-Britten, Melissa Tkautz), um das Riesenvieh in die Schranken zu weisen.

Von räudigen Schweinen und reanimierter Ozploitation: Gern hätte ich frohgemut verkündet, dies sei der bessere „The Meg“ – leider ist er es nicht.
„Boar“, der vierte Film des australischen Horrorauteurs Chris Sun, bildet erwartungsgemäß eine kleine Hommage an Russell Mulcahys 35 Jahre alten „Razorback“, freilich ohne dessen visuelle Kraft und delirierende Atmosphäre und stattdessen offenkundig konzipiert als lustiges event movie für Splatterfans und Festivals. Als solches funktioniert „Boar“ dann auch leidlich, krankt zugleich jedoch ebenso nachhaltig daran, dass er seine titelgebende Naturgewalt als veritables Schrecknis zu veräußern versäumt und sich stattdessen mit einem Status als derbe Komödie zufrieden gibt. Anders als Mulcahy, der seinem SUV-formatigen Borstentier seinerzeit noch den schmutzigen, mystifizierten Hauch eines präapokalyptischen Endzeitboten zu verleihen wusste, lässt Sun den Eber einfach ungebremst von links nach rechts und umgekehrt durchs Bild preschen und den Leuten, die das Pech haben, sich in seiner Nähe aufzuhalten, die Köpfe abbeißen. Als Fanvehikel indes ist „Boar“ zumindest mäßig sinnstiftend: John Jarratt aus dem „Wolf Creek“-Franchise lässt sich blicken, es gibt ein Wiedersehen mit Roger Ward und Steve Bisley (mit letzterem freilich nur ein sehr kurzes in Cameo-Form) und auch der massige Aussie-Wrestler Nathan Jones stellt seine beeindruckende Physis zur Schau – Genre-Veteran Bill Moseley nicht zu vergessen. Dass sie alle jedoch unwesentlich mehr als Staffage sind und Sun letzten Endes kaum etwas wirklich Sinnstiftendes mit ihnen anzufangen weiß, stimmt nicht eben milde. Immerhin, was viele ihm zugute halten, will auch ich nicht außer Acht lassen: Dass Sun weitgehend auf CGI verzichtet und das Wildschwein zumindest in Halbtotalen und Nahaufnahmen als animatronisches Untier präsentiert, weiß zu gefallen, ebenso wie die hervorhebenswerte Tatsache, dass er seine alten, zauseligen Buschveteranen um Jarratt und Ward ihre Dialoge mutmaßlich zumindest teilweise in derbstem Kaugummidialekt improvisieren ließ. Der kontinentalen Atmosphäre ist dies durchaus zuträglich und ein Grund mehr, die deutsche Synchronfassung zu meiden wie der Teufel das Weihwasser, denn diese entpuppte sich bereits nach einer Minute als gänzlich fürchterlich und unbrauchbar und könnte „Boar“ zumindest diesbezüglich weitaus ungenießbarer machen, als er es schlussendlich verdient.

4/10

THE BALLAD OF BUSTER SCRUGGS

„How high can a bird count anyway?“

The Ballad Of Buster Scruggs ~ USA 2018
Directed By: Ethan Coen/Joel Coen

Sechs frontier tales berichten von den manchmal widersprüchlichen Lebenswendungen und Weisen, die der alte Westen für seine Teilhaber bereithielt:
Der Poker spielend, fein herausgeputzte, singende und stets gut aufgelegte Gunman Buster Scruggs (Tim Blake Nelson) wird mit jedem fertig – bis eines schönen Tages ein Besserer (Willie Watson) seine Pfade kreuzt und ihn zum Engel macht;
Einem Nachwuchsgangster (James Franco) kommt immer wieder der Zufall dabei zur Hilfe, dem dräuenden Sensenmann zu entweichen, bis er irgendwann unschuldig, aber dafür umso gelassener aufgeknöpft wird;
Ein abgewetzter, alter fahrender Schausteller (Liam Neeson) stellt allabendlich einen jungen Mann (Harry Melling) ohne Gliedmaßen aus und lässt ihn Bibelweisen und Verse englischer Dichter von Shakespeare bis Shelley aufsagen, bis er, in Erwartung besserer Einnahmen, seinen alten durch einen neuen, vielversprechenderen „Star“ austauscht: Ein zählendes Huhn;
Ein alter Prospektor (Tom Waits) findet ein unentdecktes, idyllisches Gebirgstal nebst Goldader und verteidigt seinen wertvollen Fund tapfer und zäh gegen einen brutalen Strolch (Sam Dillon);
Eine alleinstehende, junge und mittellose Dame (Zoe Kazan) lernt auf einem Siedlertreck nach Oregon den Treckführer (Bill Heck) kennen, der ihr einen unerwarteten Heiratsantrag macht. Während schon das familiäre Glück auf sie wartet, meint das Schicksal es jedoch anders mit ihr;
Fünf höchst unterschiedliche Reisende (Tyne Daly, Saul Rubinek, Chelcie Ross, Brendan Gleeson, Jonjo O’Neill) fahren, einige Grundsatzdiskussionen führend und mit einer Leiche auf dem Dach in einer Postkutsche durch die Abenddämmerung Richtung Fort Morgan, Colorado, wo sie schließlich in einem finsteren Hotel absteigen, derweil der Kutscher umdreht und ihr Gepäck wieder mitnimmt.

Eine – veritable – Sensation: „The Ballad Of Buster Scruggs“, ein ebenso lyrischer wie quertreiberischer Post-Postwestern und einer der wenigen Episodenfilme der Gattung (spontan fallen mir ansonsten lediglich das Cinerama-Vorzeigestück „How The West Was Won“ und Sam Pillburys noch etwas seltsamerer TV-Anthologie „Into The Badlands“ ein) ist nicht nur das veritable Meisterwerk der Coens, mit dem zumindest ich nicht mehr gerechnet hätte, sondern stellt den letzten mir noch fehlenden Beweis da, dass die welt- und zukunftsoffene Cinephilie mit von Netflix produzierten Filmen rechnen muss – unabhängig eben auch davon, welches Bildschirmformat sie nun letzten Endes ausfüllen. Ähnliche Hochgefühle hatte ich vor nicht allzu langer Zeit bereits angesichts Saulniers „Hold The Dark“, doch die Coen-Brüder liefern nochmals hochpromillierter ab. Umso schöner war meine beflügelnd-stimulierende, kleine Reise durch die sechs recht unterschiedlich gefassten, aber doch allesamt um das wesenhaft morbide Allthema „Tod“ kreisenden, eine wie die andere wunderbaren Vignetten (von denen sich eine, die mit Tom Waits, sogar auf Jack London beruft), weil ich mir von „The Ballad Of Buster Scruggs“ wenig bis gar nichts erwartet hatte.
Mit den Coens ist es bei mir so: Ihr (vierteiliges) Frühwerk bis einschließlich 1991 halte ich für ausnahmslos epochal, makellos und tief prägend für alles Weitere, dann erfolgen erste, immerhin noch völlig respektable Durchwüchse, aber auch weiterhin Bravouröses bis hin zu einer sich gemächlich ankündigen Talsohle nebst brutalem Tiefpunkt, nach dem es eigentlich nur mehr wieder aufwärts gehen konnte, über eine insgesamt ordentliche Dekade mit mal ordentlichen, mal guten, in jedem Falle aber zumindest stets interessanten Filmen. Eine andauernde qualitative Hochfrequenz erreichen die ja nun mal nicht jünger werdenden Herren vermutlich nicht mehr, so lange jedoch noch alle paar Jahre frequentiert ein formvollendetes Panoptikum wie dieses den einstmaligen Enthusiasten zu befrieden daherschwebt, ist mir aller Rest lieb.
Die Coens rekultivieren in „The Ballad Of Buster Scruggs“ ihre alten Stärken, indem sie es wie eben schon lang nicht mehr schaffen, Form und Inhalt zu gleichberechtigten Prallelen zu erheben, zutiefst abgründig zu sein ohne je zynisch zu werden, inmitten aller bärbeißigen Gewalttätigkeit immer wieder stille, berückende Momente der Poesie und aufrichtigen Philanthropie einzulassen und für den Helden oder die Heldin jedes Segments echte, schöpferische Liebe aufzubringen. Dass dabei nicht selten verquere Gestalten den Weg des Zuschauers kreuzen, kennt man, weiß man. Sehr liebevoll entwickelt findet sich außerdem die fein ziselierte Dialogsprache, die, wie schon in „True Grit“, überaus pittoresk und höchst berückend mit dem barocken Timbre der Vergangenheit kokettiert.
Endlich einmal wieder ein aktuelles Werk, das mich restlos begeistern konnte – dass es ausgerechnet bei Netflix debütierte, dafür kann ich nichts; dass die Namen der Coens darüberstehen, freut mich indes umso mehr. So oder so.

10/10

FRANKFURT KAISERSTRASSE

„Unter Freiheit hab‘ ich mir was anderes vorgestellt.“

Frankfurt Kaiserstraße ~ BRD 1981
Directed By: Roger Fritz

Um seinem dörflichen Provinzmief zu entgehen, haut das junge Paar Rolf (Dave Balko) und Susanne (Michaela Karger) ab in Richtung Großstadt, Destination Frankfurt. Während Rolf sowieso zum Bund muss und in Höchst kaserniert wird, kommt Susanne bei ihrem Onkel Ossi (Kurt Raab), Florist, schwul und Transvestit, unter. Onkel Ossi wohnt mit seinem Lebensgefährten Tonino (Gene Reed) an der Kaiserstraße, wo das Rotlichtmilieu schönste Blüten treibt. Die beiden Zuhälter Johnny Klewer (Hanno Pöschl) und Aldo (Michael Lewy) tragen hier ihre Revierstreitigkeiten aus, aus den Schatten gelenkt freilich von den großen Fischen aus dem hochhausgesäumten Bankenviertel.
Rolf hat täglich mit den disziplinatorischen Unertragbarkeiten beim Kommiss zu kämpfen, während Susanne kleine Kellnerinnenjobs annimmt. Als Rolf in all seinem Frust mit der Wirtin Molly (Nicole Dörfler) fremdgeht und Susanne davon Wind bekommt, ist fast Schluss und, schlimmer noch, droht Susanne in die öligen Fänge Johnny Klewers zu geraten…

Ganze elf Jahre nach seinem ziemlich umerfenden „Mädchen mit Gewalt“ bildete „Frankfurt Kaiserstraße“, von Karl Spiehs‘ Lisa-Film produziert, Roger Fritz‘ bis dato letzte Kinoregie – für den eigenwilligen Regisseur ein recht ungewöhnliches Engagement. Wie bei der Lisa üblich hatte man keinerlei Scheu, die beiden tragenden Rollen mit zwei unausgebildeten Laien zu besetzen und den Film dann später in München nachsynchronisieren zu lassen. Dave Balko, ein hübscher junger Mann, der der Berliner NDW-Combo Tempo als Sänger vorstand, später Logopäde wurde und heute in zweiter Ehe im Harz lebt, spielte 1981 noch die Hauptrolle in Carl Schenkels ungleich besserem „Kalt wie Eis“ und war dann auch schon wieder von der Bildfläche verschwunden. Der Aufrichtigkeit muss man lassen, dass die Schauspielerei Balkos Metier ganz offensichtlich nicht war; seine stoische, überfordert wirkende Mimik passte zwar zu der anonymisierten Atmosphäre jener beiden Frühachtziger-Großstadtporträts, gab jedoch ansonsten nicht viel her. Gleiches gilt für die wohlgeformte Michaela Karger, ebenfalls eine Lisa-„Entdeckung“, deren sonstige Meriten wohl noch eine Fotostrecke im Playboy vorschützen. Interessanter gestaltet sich da schon der Blick in die Nebenrollen, die mit Kurt Raab und Revue-Choreograph Gene Reed als schwulem Pärchen, Roy-Black-Lookalike Hanno Pöschl als Zuhälter samt Wiener Schmier, Verzeihung, Schmäh oder Martin Semmelrogges just vom „Boot“ kommenden, jüngeren Bruder Joachim Bernhard ein wenig schillernd besetzt sind. Fritz‘ zurückhaltender Inszenierung kann man nichts Schlechtes nachsagen; das wie üblich heftigst vor sich hin kolportierende, garantiert kein Milieuklischee auslassende Drehbuch indes ist Lisa-typisches Zweckmittel: Nicht selten, wenn Kalli Spiehs sich mühte, Ernsthaftigkeit und/oder Sozialkritik walten zu lassen, wurde es haarsträubend. Davor ist auch „Frankfurt Kaiserstraße“ nicht gefeit. Vor allem die letzten Minuten der buchstäblichen Auflösung, in denen die überfahrene Susanne als unfreiwillige Mordzeugin beinahe selbst ermordet wird, die Kiezkarten kurzerhand neu gemischt werden und sich eine Versöhnung der Liebenden allein dadurch ergibt, dass ad hoc ihre (natürlich stets gern gesehenen) Brüste ausgepackt und betatscht werden (was sie mittels hysterischen Kicherns honoriert), haben es in sich. Das Leben, es liefert unablässig seine Lektionen, komme, was da wolle. Lisa-Filme tun das auch.

6/10

MIENTRAS DUERMES

Zitat entfällt.

Mientras Duermes (Sleep Tight) ~ E 2011
Directed By: Jaume Balagueró

César (Luis Tosar) ist Hauswart in einem Mehrfamilienhaus in Barcelona. Seine Mutter (Margarita Roset) liegt, unfähig, sich zu artikulieren, in einem Krankenhaus. Sie weiß, dass mit César Manches nicht stimmt, zumal er ihr  regelmäßig von sich berichtet. César ist einsam, hat keine Freunde und kompensiert seine Isolation damit, die Bewohner „seines Hauses“ zu manipulieren. Am Schlimmsten trifft es die junge Journalistin Clara (Marta Etura): César hat es sich zur Angewohnheit gemacht, sich allabendlich unter ihrem Bett zu verstecken, sie nach dem Einschlafen per Narkotikum zu betäuben und dann unbemerkt neben ihr zu nächtigen. Parallel dazu schreibt er Clara erniedrigende Briefe und SMS. Eigentlich sucht César jedoch keine Liebe oder Zuneigung. Eigentlich möchte er nur eins: Dass Clara nie wieder lächelt…

Privatsphärenphobiker obacht: Jaume Balaguerós trefflich sarkastische, schwarze Komödie steht ganz in der Tradition von Polanskis Mietshaus-Trilogie oder von Schlesingers „Pacific Heights“, wobei diesmal keine MieterIn, sondern der Hauswart unwägbare innere Abgründe vorweist. Auch verrückte Hausmeister pflegen eine kleine, aber beständige Genretradition, der Luis Tosars César einen besonders bösartigen, schillernden Vertreter hinzusetzt. Der Akteur entwirft das geschlossene Bild eines waschechten Psychopathen, dessen boshafte Natur sowohl verhindert, dass er enge zwischenmenschliche Kontakte pflegen kann, als auch, dass er längerfristig eine Arbeitsstelle behält. César ist ein Berufsnomade in Barcelona, der immer wieder aneckt und dann woanders neu anfangen muss. Doch geht auch sein solipsistisches Dasein nicht spurlos an ihm vorbei; allabendlich steht er auf dem Dachfirst, um sich herunterzustürzen. Doch seine diabolische Kreativität und manchmal auch das Schicksal selbst verhindern jedesmal aufs Neue den erlösenden Sprung. Man weiß nicht, was César zuvor schon alles angestellt hat; seine durchtriebenen Einmischungen in die Lebensläufe der Hausbewohner und Mitangestellten lassen allerdings hinreichend spekulieren. Ganz wunderbar finde ich, wie einserseits zentral und andererseits lapidar Balagueró Césars Charakteristik entwirft. Wenn der so schwer gestörte Mann tatsächlich einmal die Contenance einbüßt, dann garantiert allein und lediglich unter Beobachtung des Zuschauers. Auch, wenn sein kriminelles Potenzial noch weit davon entfernt ist, das Prädikat „genial“ auferlegt zu bekommen, so wahrt er selbst in der Gegenwart seiner Verdächtiger und Ankläger stets augenscheinliche Ruhe und Gelassenheit, mit zwei Ausnahmen: Einem kleinen Mädchen (Iris Almeida), das ihm mit Erpressereien zusetzt, demonstriert er nachhaltig, was wirkliche Bösartigkeit ist und einem Angreifer (Alberto San Juan), der sein Treiben durchschaut hat, muss er im offenen Zweikampf beikommen. Ein – recht gemeiner – Verdienst des hervorragend ausgearbeiteten Scripts liegt dann in der seltenen Chuzpe, den so bösen Antihelden auch im Epilog noch ein letztes Mal reüssieren zu lassen.
Als galliges Porträt einer zutiefst vulnerablen, von allseitigem Misstrauen und Paranoia geprägten, modernen Gesellschaft gehört „Mientras Duermes“ zum Besten, was ich in jüngster Zeit zu sehen bekommen habe. Klasse!

9/10

WHAT KEEPS YOU ALIVE

„Nature, not nurture!“

What Keeps You Alive ~ CAN 2018
Directed By: Colin Minihan

Die frisch miteinander verheirateten Ehefrauen Jules (Brittany Allen) und Jackie (Hannah Emily Anderson) begeben sich für ein entspanntes Wochenende in das alte, abgelegen im Wald befindliche Haus von Jackies Eltern. Kaum dass Jules die regionale Wohlfühlatmosphäre zu genießen beginnt, warten ein paar unerfreuliche Überraschungen auf sie: Von der zufällig auftauchenden Nachbarin Sarah (Martha MacIsaac) erfährt Jules, dass Jackie tatsächlich Megan heißt. Bald darauf beginnt die wohlvertraut Geglaubte, noch ganz andere Schattenseiten zu offenbaren, die für Jules in einen tödlichen Spießrutenlauf münden.

Dafür, dass ein vielversprechender Formalist nicht zwangsläufig auch einen vollendeten Geschichtenerzähler abgibt, nimmt sich „What Keeps You Alive“, die jüngste Soloarbeit des jungen Kanadiers Colin Minihan, einer Hälfte der „Vicious Brothers“, aus. Nicht genug damit, dass er ein im Grunde sattsam bekanntes Szenario nebst nicht minder sattsam bekannten Exterieur als Ausgangspunkt für seine crashed-marriage-story wählt, lässt er die sich vormalig sorgsam und sukzessiv aufgebaute Spannung in einem Showdown voller Faux-pas‘ entladen, die man sich mit Mühe und Not gerade noch schönreden kann. Die stützende Musikauswahl zwischen Beethoven und Silverchair, sorgfältig geordnet nach den personae der beiden Antagonistinnen, wirkt zudem immer wieder überreizt. Das einzige wirkliche „Novum“ dieser Spätvariation des erst kürzlich noch geschauten „A Kiss Before Dying“ von Gerd Oswald besteht darin, anstelle eines heterosexuellen ein lesbisches Ehepaar ins Zentrum der eskalierenden Ereignisse zu rücken und sich beharken zu lassen, wobei der haltlos pathologische Gestus der sich bald als Serientäterin entpuppenden, irren Megan/Jackie sich auf eine recht liderlich vorgetragene Psychoanalysis stützen muss. Hier wäre mancherlei Nachholbedarf vonnöten gewesen, ebenso wie darin, die fragwürdigen Entscheidungen Jules‘ gegen Ende, die, obwohl eigentlich bereits in Sicherheit, ein aussichtsloses Duell gegen ihre Neunemesis bevorzugt. Todessehnsucht aus enttäuschter Liebe womöglich? Das wäre angesichts ihrer sonstigen toughness dann doch etwas weit hergeholt. Auch an Coralie Forgeats „Revenge“ hat mich „What Keeps You Alive“ erinnert, wobei dessen Mut zum grellen Hyperrealismus Minihans Film ebenso entbehrt wie seine feministische Aggressivität. Nun, bei allem Geunke soll nicht verhehlt werden, dass „What Keeps You Alive“ als Zwei-Personen-Thriller vor ruraler Waldkulisse (mit See) zumindest die meisten dramaturgischen Erfordernisse mitbringt und sein Süppchen oberflächlich abgeschmeckt ordentlich kocht. Ein etwas intensiveres Eintauchen könnte jedoch das eine oder andere lose Ende zu Tage fördern…

6/10

OVERLORD

„Welcome to France, boys.“

Overlord (Operation: Overlord) ~ USA 2018
Directed By: Julius Avery

Am 5. Juni 1944, dem Vorabend des D-Day respektive der „Operation Overlord“, soll eine kleine Schar alliierter Fallschirmjäger den Sonderauftrag ausführen, einen deutschen Störsender auszuschalten, der sich in der Kirche eines kleinen Provinzdorfs in der Normandie befindet. Nachdem bereits die nächtliche Landung einige Opfer gekostet hat, gelingt es vier überlebenden Soldaten, Corporal Ford (Wyatt Russell) und den Privates Boyce (Jovan Adepo), Tibbet (John Magaro), Chase (Iain De Castecker) und Dawson (Jacob Anderson), Kontakt zu der jungen Französin Chloe (Mathilde Ollivier) aufzunehmen, die die Männer in ihrem Haus versteckt. Doch in dem Dörfchen und insbesondere der Kirche geht es nicht mit rechten Dingen zu, wie Boyce, dem es gelingt, in das Tunnelsystem unterhalb des Gotteshauses zu gelangen, bald herausfindet: Der Nazi-Wissenschaftler Schmidt (Erich Redman) ist dort auf eine teerartige Substanz im Erdreich gestoßen, die, mittlerweile diversen unfreiwilligen Versuchspersonen injiziert, Schmidts Probanden zu ebenso wahnsinnigen wie superstarken Zombies mutieren lässt. Boyce und die anderen haben bald alle Hände voll zu tun, die SS und ihre Nazimonster aufzuhalten…

Aus J.J. Abrams‘ „Bad Robot“-Manufaktur stammt dieser gelungene Ansatz, dem Naziploitation-Genre abermals neues Leben einzuhauchen. Hitler, dem Nationalsozialismus und dem Dritten Reich wurde in der Trivialkultur im Grunde bereits seit den Tagen ihrer kläglichen Existenz (man denke nur an das ikonische Cover der ersten „Captain America“- Ausgabe von Timely Comics im März 1941, das den patriotisch gewandeten Superhelden zeigt, wie er dem Führer persönlich einen kräftigen Kinnhaken verabreicht und dessen lustvolle Realitätsverzerrung auch „Overlord“ präserviert)  immer wieder versucht, durch popkulturelle Überhöhungen beizukommen. Dies geschah in mal mehr, mal weniger akzeptabler Form, wobei häufig mad scientists und Okkultismus eine bedeutsame Rolle bei den phantastischer geprägten Exkursen der Gattung spielten. So erinnert „Overlord“ nicht von ungefähr an den erst sechs Jahre alten „Frankenstein’s Army“, in dem niemand Geringerer als der Enkel Dr. Frankensteins Monstersoldaten für die darbende Wehrmacht der letzten Kriegstage erschafft. Ganz so inhaltlich grotesk nimmt sich Julius Averys Film zwar nicht aus, seine Fabulierfreude entpuppt sich aber als dennoch ansteckend, zumal es im Zusammenhang mit den entseelten Kreaturen auch zu mancherlei deftigen Aufzügen kommt.
Das Ganze ist bei allem geschmäcklerischen Wagemut (der freilich wiederum gar nichts ist im Vergleich zu den italienischen Kloppern aus den Siebzigern von Sergio Garrone, Bruno Mattei oder Mario Caiano) zudem überaus sauber und enthusiastisch gefertigt, so dass es bei einer gekonnt aufgerichteten Spannungskurve allenthalben für diverse kinetische, actionreiche Sequenzen reicht. Wenn Nazis plattgemacht werden, dann ist das ja sowieso immer was Schönes und Avery hat seine diesbezüglichen Lektionen ausgiebig gelernt.

8/10

BOHEMIAN RHAPSODY

„We’re all legends.“

Bohemian Rhapsody ~ UK/USA 2018
Directed By: Bryan Singer

London, 1970. Als Farrokh Bulsara (Rami Malek), 23-jähriger Sohn parsischer Einwanderer, das Rocktrio Smile in einem Club sieht, ist sein illustres Schicksal besiegelt: Gitarrist Brian May (Gwilym Lee) und Drummer Roger Taylor (Ben Hardy) nehmen kurz darauf Farrokhs Bewerbung zum neuen Sänger an. Komplettiert durch Bassman John Deacon (Joseph Mazzello) nennt sich die Combo fortan Queen, ergattert einen Plattenvertrag bei EMI und erlebt eine beispiellose Erfolgskarriere, wobei das exzessive Privatleben des homosexuellen, sich mittlerweile Freddie Mercury nennenden Frontmanns deutlich von den vergleichsweise biederen, aber eben auch vom kreativen Wahnsinn gemiedenen Lebensentwürfen der verbleibenden drei Bandviertel unterscheidet. Nach einer kleinen Krise nebst Arbei an einem Soloalbum versöhnt sich Freddie wieder mit Brian, Roger und John und akzeptiert Bob Geldofs Einladung, im Juli 85 beim Live Aid in Wembley aufzutreten. Ihr kleiner 20-Minuten-Gig wird legendär.

Etwas verwunderlich erschien mir der meinerseits unerwartet gigantische Erfolg dieser sehr bieder gehaltenenen, erahnbar routinierten Rockstar-Bio dann zunächst ja doch. Bereits kurz darauf jedoch auch wieder nicht, denn wahrscheinlich ist es eben genau das: Durch seine Kantenlosigkeit und garantiert unanstrengende Konsumierbarkeit macht Bryan Singers „Bohemian Rhapsody“ es seinem Pulikum stets leicht und hübsch und amorph. Nun, im Grunde passt der oberflächlichenglänzende, vor allzu unwägbaren Untiefen sichere Film genau zu dem Image, das Queen zeit ihrer Bandhistorie in der Öffentlichkeit pflegten – mit ebenso radio- wie stadiontauglichem Powerpop/Hardrock-Mix wussten sie als Single- wie als Albumband zu überzeugen, mal hymnisch, mal Prog, mal Disco, zwischen genialisch und albern, von allem ein bisschen und doch nichts ganz durchgängig, kann man ihnen eins nicht absprechen: Eine in dieser Form rare, charakteristische Unverkennbarkeit, die zu bestimmt 75 Prozent Freddie Mercurys Persona zu verdanken ist. Ohne den gockelhaften Geck nebst seinem gewaltigen Timbre und seiner unvergleichlichen Bühnenpräsenz hätten Queen ihren nunmehr bekleideten Status gewiss niemals erreicht. Da Bulsara/Mercury zugleich ein immens komplexer Mensch mit diversen, tragischen Schattenseiten und Unwägbarkeiten war, verwundert demnach die lange Wartezeit bis zu einem biographischen Spielfilm. Nun also ist er da, und vielfach optimierungsbedürftig dazu. „Bohemian Rhapsody“ hetzt relativ atemlos durch 15 Jahre Queen- und Mercury-Geschichte, schneidet an, wirft Häppchen ins Publikum und bleibt dabei betont kommensurabel. Er ist durchaus elegant inszeniert, bemüht sich, Denunzationen auszusparen und dabei einen Status als unterhaltsames Anschauungsmaterial für den Musikunterricht in der Sekundarstufe ja nicht aufs Spiel zu setzen. Kurzum: Er geht vollkommen auf Nummer Sicher. Die erfolgreichsten Singles inklusive kurzer Entstehungsgeschichte (im Falle des Titelstücks freilich etwas ausführlicher) werden hastig angespielt; auf authentische Chronologie indes pfeift man mehr denn einmal. Das bestes Beispiel dafür dürfte Freddies Kenntnis um seine HIV-Erkrankung sein und der Zeitpunkt, wann er seine Bandgenossen darüber informierte. Wichtige Bezugspersonen und Lebensstationen werden (bewusst?) umgangen, darunter vor allem seine Münchener Jahre, Barbara Valentin oder Winnie Kirchberger. Das wohl überzeugendste Häkchen des Films auf der Habenseite, nämlich die ja ohnehin überall groß gefeaturte, tatsächlich ungeheure physiognomische Ähnlichkeit der Queen-Darsteller mit ihren realen Vorbildern, wetzt diese Scharten nur unzureichend aus. Gegen wesentlich tiefschürfendere, atmosphärischere Band-/Musiker-Biopics wie Oliver Stones „The Doors“, Anton Corbijns „Control“ oder aus jüngerer Zeit „Love & Mercy“ von Bill Pohlad und F. Gary Grays „Straight Outta Compton“, die, jede für sich, das Allermeiste im Griff haben, kann „Bohemian Rhapsody“ jedenfalls nicht anstinken.
Für den Queen-Liebhaber markiert insbesondere diese Tatsache ein nicht immer glücklich umrahmtes Ereignis verpasster Möglichkeiten. Was bleibt, ist die Musik. Die ist glücklicherweise unzerstörbar.

5/10