CLEOPATRA

„Caesar! Beware of the ides of March!“

Cleopatra ~ USA 1934
Directed By: Cecil B. DeMille

48 v.u.Z.: Nachdem die ägyptische Königin Cleopatra (Claudette Colbert) einer tödlichen Intrige ihres Bruders Ptolemäus und dessen Statthalters Pothinos (Leonard Mudie) entgehen kann, führt sie sich auf höchst ungewöhnliche Weise bei dem römischen Imperator Julius Caesar (Warren William) ein. Aus der sich alsbald ergebenden Liaison wird jedoch nicht mehr, da Caesar von den ihn ohnehin scharf beäugenden Republikverteidigern im Senat ermordet wird. Die am Boden zerstörte Cleopatra kehrt nach Ägypten zurück, auf Rache sinnend. Diese will sie an der Person des ihr eilends nachgesandten Feldherrn und Eroberers Marc Anton (Henry Wilcoxon), der sie zur Kapitualation zwingen soll, vollstrecken. Doch abermals schlägt Cupido zu und Marc Anton verfällt der schönen Königin vom Nil. Den sich nun entfesselnden Aufstand gegen Rom überleben die beiden Liebenden nicht

Der Hays-Code war noch nicht in seiner ganzen Ausprägung durchgestartet und die PCA erst seit wenigen Monaten spruchreif, da schickten die Paramount und ihr Kraftakteur Cecil B. DeMille ihre prestigträchtige „Cleopatra“ auf globalen Siegeszug (Deutschland sollte erst 19 Jahre später in den Genuss der hiesigen Premiere kommen). Hier vereinigen sich natürlich camp und pulp, dass es eine Lust ist; DeMille kocht ein delikates Monumentalsüppchen, in dem die exorbitante Verschwendungssucht des Filmemachers, ausstatterischer Pomp, historische Ungenauigkeiten und Mutmaßungen sowie scheinbar federleicht vulgarisierte Arrangements shakespearescher Verse eine rundum dekadente Konsoldierung eingehen, die man innerhalb der noch jungen Tonfilmära als Blaupause für den Antik- und Bibelfilm aus Hollywood der drei kommenden Jahrzehnte wähnen oder werten darf. Mit Joseph L. Mankiewicz‘ irrsinniger 62er-Version desselben Stoffs, der sich teilweise auch als Remake bezeichnen ließe, erreichte just diese Filmgattung dann ja wiederum ihre obszöne Klimax, was die Figur der legendären Königin Cleopatra VII gleichfalls gewissermaßen zu einer goldenen Klammer, zu einem spektakulären Dreh- und Angelpunkt jener maßlosen Ausprägung hollywoodscher Megalomanie macht.
Gegenüber Mankiewicz ist DeMilles „Cleopatra“ noch geradezu brav, domestiziert und charmant, man vergleiche nur die jeweilige Darstellung des pompösen Einzugs der ägyptischen Königin in Rom, der in der 34er-Version schon ziemlich toll daherkommt, den ohnehin bereits überlauenen Zuschauer 28 Jahre später jedoch geradewegs in ein fiebrig dräuendes Wachkoma versetzen sollte. Größtes Plus in DeMilles Film ist wahrscheinlich die tolle Claudette Colbert in der Titelrolle, die man ja sonst eher mit der screwball comedy assoziiert und die sich hier einige charmante Kabinettstückchen genehmigt, wie etwa eine Szene, in der sie nach übermäßigem Weingenuss einen Schluckauf bekommt und damit hadert, weil sich das für eine Königin nicht zieme.
Colbert gegenüber verblassen die (möglicherweise bewuust etwas langmütig besetzten) männlichen Co-Stars William und Wilcoxon beinahe bis hin zur Unbedeutsamkeit, wo dann später Harrison und Burton immerhin ein schönes Gegengewicht zur Taylor aufzubieten wussten.
In den Schlachtenszenen, die der Rebellion Marc Antons gegen Rom folgen, versagt der Film dann auch mal wohltuend; man bemerkt rundheraus, dass die Kinetik und Aktion, derer derlei Szenen im Kino bedürfen, um ihre Wirkung zu entfalten, im Kino jener Tage noch lange keine Selbstverständlichkeit waren. In einer kurzen, fünfminütigen Abfolge werden Kampfszenen auf dem Land und zur See unübersichtlich, unordentlich und beinahe desinteressiert aneinandermontiert und erweisen sich als eher der bloßen Notwendigkeit geschuldete, gelangweilt arrangierte, visuelle Stellvertreter der entsprechenden Begebenheiten. Diese Nachlässigkeit beschädigt das einmal gewonnene Gesamtbild des Films allerdings kaum, zumal die direkt darauffolgende Flamboyanz der beiden Selbstmordszenen von Marc Anton und Cleopatra sie beinahe durchweg wieder wettmachen.

8/10

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IVANHOE

„Beware of powerful men! They spawn unspeakable whelps.“

Ivanhoe ~ UK 1997
Directed By: Stuart Orme

1192 ist England infolge von König Richards (Rory Edwards) Kreuzzug innenpolitisch stark geschwächt. Normannen und Angelsachsen stehen sich feindlich gegenüber und Richards Bruder John (Ralph Brown), der die Regierungsgeschäfte übernommen hat, weil Richard in Österreich festgesetzt wurde, findet vor allem infolge seiner intriganten Herrschsucht keine Akzeptanz im Volk. Der ebenfalls als verschollen geltende Wilfred von Ivanhoe (Steven Waddington), der Richard einst nach Jerusalem gefolgt ist, wurde von seinem halsstarrigen Vater, dem angelsächsischen Adligen Cedric (James Cosmo) verstoßen. Heimlich kehrt Sir Wilfred auf die Insel zurück, um sich von den Zuständen vor Ort ein Bild zu machen. Seine Jugendliebe Rowena (Victoria Smurfit) soll verheiratet werden und ein normannischer Tross rund um die Tempelritter Bois-Guilbert (Ciarán Hinds), de Bracy (Valentine Pelka) und Front de Boeuf (Nick Brimble) intrigiert heftigst gegen die Sachsen. Sir Wilfred macht die Bekanntschaft des jüdischen Financiers Issac von York (David Horovitch) und seiner Tochter Rebecca (Susan Lynch), die ihm wohlgesonnen sind. In cognito tritt er daraufhin bei einem Turnier an und besiegt sämtliche Gegner. Als sich daraufhin der Streit zwischen Sir Cedric und Bois-Guilbert weiter zuspitzt und es zu einer Entführung kommt, sichert sich Ivanhoe die Unterstützung des Gesetzlosen Robin von Locksley (Aden Gillett) und seiner Waldläufer und zieht gegen Bois-Guilbert ins Feld. Klammheimlich mischt sich auch der mittlerweile zurückgekehrte König Richard unter die Kämpfenden. Doch es erfolgt nur ein Teilsieg: Die ebenfalls gekidnappte Rebecca gerät in die Hände eines Templerordens, dessen fanatischer Anführer Lucas de Beaumanoir (Christopher Lee) ihr den Hexenprozess macht…

Diese sechsteilige Miniserie der BBC gilt gemeinhin als werkgetreueste Verfilmung der Rittermär nach Walter Scott und wirkt zumindest im Vergleich zur kunterbunten 1952er-MGM-Version von Richard Thorpe tatsächlich um Einiges authentischer und entschmachteter. Was nicht heißen soll, dass ich sie deswegen bevorzöge; Robert Taylor in glänzender Rüstung ist und bleibt ein kultureller Archetypus. An Taylors Flamboyanz jedenfalls kann Steven Waddington, der hier den Titelhelden mit wildem Krauskopf und Zauselbart wohl sehr viel zeitgemäßer erscheinen lässt, ganz gewiss nicht rütteln. Überhaupt bietet sich ein Vergleich der völlig unterschiedlichen Form wegen kaum an. Eines der erklärten Kreativziele des Regisseurs Stuart Orme dürfte es vielmehr gewesen sein, ein annähernd dokumentarisches Bild dieser für England schicksalhaften, mittelalterlichen Periode zu entwerfen: Das einst so stolze Land findet sich zerrüttet inmitten ethnischer Reibereien, von Glaubensirritationen und den intriganten Machtspielchen bei Hofe, die vor allem aus dem brüderlichen Zerwürfnis resultieren. Auch Themen wie Antisemitismus und präinquisitorischer Fanatismus halten Einzug in die Geschichte Sir Wilfreds, der trotz des Titels erfreulicherweise nicht die einzige figurale Zentralposition bekleidet. Auch die vielen anderen Charaktere, allen voran der Hauptantagonist Bois-Guilbert, der sich zu seiner eigenen Schande unsterblich in die Jüdin Rebecca verliebt und ihr gern alles opfern würde, am Ende aber dann doch zu obrigkeitsfürchtig ist für die letzte Konsequenz, werden exzellent porträtiert. Hier profitiert das – gefälligst am Stück genossene – rund dreihundert Minuten lange TV-Stück dann wiederum von seiner großzügigen Spielzeit, die ihm genau solche Feinheiten ermöglicht. Ansonsten bleibt die Inszenierung gediegen bis zurückhaltend und ausschließlich am funktionalen Fortlauf der Narration interessiert. So weit, so komfortabel.
Dringender Erneuerungsbedarf besteht allerdings hinsichtlich der deutschen Edierung von „Ivanhoe“: nicht nur, dass die Farben der DVD etwas zu verwaschen wirken, es wurde offenbar auch stark in den ursprünglichen Bildausschnitt hereingezoomt, was sich, wenn nicht ohnehin schon im Vorhinein, spätestens bei den Abspännen bemerkbar macht. Hier wäre der Veröffentlichung einer fehlerbereinigten (BD-)Auflage unbedingt zuzuraten.

8/10

LA MORTE HA FATTE L’UOVO

Zitat entfällt.

La Morte Ha Fatte L’Uovo (Die Falle) ~ I/F 1968
Directed By: Giulio Questi

Das Ehepaar Marco (Jean-Louis Trintignant) und Anna (Gina Lollobrigida) ist im Besitz einer gut gehenden Hühnerfarm, auf der nebenbei genetische Experimente an den Tieren vorgenommen werden, um eine effektivere Fleischproduktion gewährleisten zu können. Während Anna, die eigentliche Besitzerin der Farm, ahnt, dass Marco insgeheim speziellen Leidenschaften frönt, ist er hinter der hübschen, jungen Haussekretärin Gabrielle (Ewa Aulin) her. Diese wiederum lässt Marco an der langen Leine zappeln und inszeniert derweil mit dem vorgeblichen Werbeexperten Mondaini (Jean Sobieski) eine bitterböse Intrige gegen Marco…

„Der Tod hat ein Ei gelegt“: Questis fieberhaft pulsiernder Krimi ist wohl einer der vordringlichsten Spielfilme, um sein mehr oder weniger geneigtes Publikum zu Vegetariern zu machen – nach einem wild montierten Auftakt, im Zuge dessen man sich schon kurz zu Godard verirrt zu haben wähnt, gönnt uns Questi, der aus den politischen Implikationen hinter seinen Filmen ja ohnehin nie einen Hehl machte, diverse zunehmend unappetitliche Einblicke hinter die Kulissen der Geflügelfabrik – eine riesige Mahlmaschine, aus der alles Möglich an Undefinierbarem herauskommt, ein paar robute Arbeiterinnen, die stakkatoartig tote Tiere rupfen, köpfen, brühen. Als Höhepunkt präsentiert der ebenfalls vor Ort arbeitende Genetiklaborant (Biagio Pelligra) seine lang ersehnte Neuschöpfung: aus einem Ei schlüpft ein feder- und extremitätenloses, pulsierendes und geädertes Pseudohuhn, das mehr an ein frisch entnommenes Organ erinnert, denn an ein Lebewesen mit den stolzen Worten, dies sei „das Fleisch der Zukunft“. Marco, den man zuvor als geisteskranken Mörder verdächtigen musste, ergreift nun plötzlich Partei und wird zum heimlichen Sympathieträger mit zugegebenermaßen paraphilen Grenzneigungen. Dennoch sind die eigentlich Perversen alle, die ihn umgeben – der irre Wissenschaftler natürlich, Marcos Frau Anna, die dessen widerwärtige Experimente auch noch wertschätzt, das intrigante, junge Pärchen, sogar der Vertriebschef, ein würdiger Repräsentant des Albtraumkapitalismus. Insofern besitzt „La Morte Ha Fatte L’Uovo“, der zumindest oberflächlich häufig an die Madness-Trilogie der Hammer-Kollegen erinnert und den ich schon seiner Metaebenen wegen bestenfalls ansatzweise dem Giallo zuordnen würde, eine ungebrochene Aktualität.
Ich hoffe nur, ich entwickle noch irgendwann in meinem Leben die Chuzpe, den fleischfressenden Schweinheund endlich ad acta legen zu können.

8/10

ELLE

Zitat entfällt.

Elle ~ F/BE/D 2016
Directed By: Paul Verhoeven

Michèle Leblanc (Isabelle Huppert) ist um die 50, Managerin bei einem kleinen Computerspieleentwickler in Paris und scheint, abgesehen von einigen privaten Makeln, weitgehend zufrieden zu sein mit ihrem Leben. Als sie eines Tages in ihrer Wohnung von einem maskierten Mann überfallen und vergewaltigt wird, legt sie das Ereignis fast beiläufig ad acta. Zwar unternimmt sie ein paar prophylaktische Maßnahmen für den eventuellen Wiederholungsfall, belässt es ansonsten jedoch bei einem Bericht des Einbruchs gegenüber ihren engsten Freunden. Michèle möchte vor allem mediale Aufmerksamkeit vermeiden, die ihr bereits dadurch droht, dass ihr Vater, der vor Jahren einen religiös motivierten Massenmord begangen hat, aktuell ein neues Gnadengesuch einreicht. Auch sonst befasst sich Michèle unweigerlich mehr mit den kleinen Unannehmlichkeiten, die sie umgeben: Ihr Ex-Mann (Charles Berling) nimmt sich eine wesentlich jüngere Freundin (Virginie Efira), der gemeinsame Sohn (Jonas Bloquet) bekommt sein Leben nicht auf die Kette und schlittert stattdessen geradewegs in eine unmögliche Beziehung, was in ähnlicher Form auch für Michèles Mutter (Judith Magre) gilt. Der Einbrecher lässt Michèle derweil nicht in Ruhe; stattdessen entdeckt sie seine Identität, fühlt sich dadurch angeregt und betreibt fortan ein einvernehmliches Spiel mit ihm.

Wenn ich so nachschaue, für welche Preise Verhoevens jüngster Film im Rennen war und welche davon er abgeräumen konnte, denke ich etwas wehmütig an die Zeiten zurück, als er als europäisches enfant terrible in Hollywood wütete, dort mit den Konventionen spielte, sie auf den Kopf stellte und von Preisverleihern jedweder Couleur allerhöchstens mit der Kneifzange angefasst worden wäre. Diese Ära scheint mit „Elle“ nun endgültig und unwiderruflich beendet zu sein; Verhoevens dritter Film nach seiner Rückkehr in die alte Welt („Steekspel“ habe ich noch immer nicht gesehen) zeigt einen gesetzten, erwachsenen – böse Zungen würden sagen: domestizierten – Filmemacher, der stark auf die 80 zugeht und sich den einstmals betont exponierten Umgang mit Schamhaaren und Innereien nunmehr altersgemäß verkneift. Stattdessen liefert er eine, seinem nach wie vor makellosem Können entsprechend virtuos inszenierte, verschmitzte Dijan-Adaption, die als Porträt einer im besten Sinne „modernen“, selbstbewussten Frau in der Mitte ihres Lebens porträtiert. Michèle Leblanc, von einer Isabelle Huppert gespielt, die (ohne, dass man es ihr ansähe) tatsächlich rund 15 Jahre älter ist als ihre Figur, wird so ziemlich mit allem konfrontiert, was eine böse midlife crisis so begünstigen könnte: Vergangenheit und Gegenwart prügeln gleichermaßen stakkatoartig auf sie ein; ausnahmslos jeder Mensch aus ihrem beruflichen und privaten Umfeld trägt mittelschwere bis gewaltige Persönlichkeits-/und/oder Beziehungsprobleme vor sich her, vom nerdigen Software-Entwickler aus ihrer Firma über die Familienmitglieder bis hin zu ihrem Nachbarn Patrick, der sich sexuelle Befriedigung nur dadurch verschaffen kann, dass er Frauen „mit Gewalt nimmt“. Da sich Michèle glücklicherweise auch von Patrick angezogen fühlt, steht einem entsprechenden „Arrangement“ nach dessen Enttarnung nichts mehr im Wege, von der objektiven Außenwahrnehmung desselben abgesehen, wie sich gegen Ende zeigen soll. Michèle steht inmitten all dieser inneren und äußeren Konfliktsituation so lässig wie ein Fels in der Brandung, sie lässt sich durch nichts aus der Ruhe bringen und kommentiert die Geburt ihres „Enkels“, eines im wahrsten Sinne offensichtlichen Kuckuckseis mit aller gebotenen, urfranzösischen Lakonie. Ebenjene Lakonie ist wohl überhaupt die größte Stärke dieses Alterswerks eines Regisseurs, der eine Menge an tollwüstem Zeug gefilmt hat und es ganz zu Recht nicht mehr für notwendig befindet, sich oder gar sein Publikum unnötigen Aufregungen auszusetzen. Immerhin – ein ausgesprochener Moralapostel wird Verhoeven in diesem Leben wohl nicht mehr.

8/10

LIVE BY NIGHT

„We’re all going to hell.“

Live By Night ~ USA 2016
Directed By: Ben Affleck

Boston, 1926. Seine blauäugige Affäre mit dem Gangsterliebchen Emma Gould (Sienna Miller) wird dem Ganoven Joe Coughlin (Ben Affleck) zum Verhängnis: Mafiaboss White (Robert Glenister) kommt hinter den Seitensprung seiner Mätresse und rächt sich, was Joe zwar nicht wie geplant das Leben, aber doch die Freiheit kostet – er landet nämlich im Gefängnis. Um sich an White zu rächen, läuft Joe zur italienischen Mafia über, deren Boss Pescatore (Remo Girone) ihn nach Tampa schickt, um dort die regionalen Geschäfte zu verwalten. Joe verliebt sich dort in die schöne Exilkubanerin Graciela Corrales (Zoe Saldana) und heiratet sie, derweil er zur lokalen Unterweltgröße aufsteigt und eigene Pläne für ein Casino entwickelt. Schwierigkeiten mit dem Ku-Klux-Klan und dem hiesigen Polizeichef Figgis (Chris Cooper) bringen Joe mehr und mehr in Bedrängnis, bis Boss Pescatore schließlich höchstselbst in Tampa erscheint und Joe mit einer unangenehmen Neuigkeit konfrontiert…

Ein wenig eitel geraten ist er wiederum schon, der aktuelle Affleck (damit meine ich ausdrücklich seine Regiearbeit), den er abermals kräftig um die eigene Person herum inszeniert. Dennoch darf man ihm durchaus bescheinigen, als Filmemacher mittlerweile ein wesentlich höheres  Niveau erreicht zu haben denn in seiner ursprünglichen Tätigkeit als Schauspieler. Damit wandelt er ein wenig auf den Spuren von Vorbildern wie Eastwood, Beatty oder Redford, die einst und bis heute ja höchst erfolgreich durchaus analoge Wege beschritten. Angesichts seiner bisherigen Ausbeute wünscht man Affleck durchaus, dass er in zwei Dekaden mal auf ganz ähnliche Meriten wird zurückblicken können.
„Live By Night“ liefert formelhaftes Gangsterkino der gehobenen Klasse, was sich bereits auf seine Darbietung als period piece zurückführen lässt: Die Prohibition bietet stets ein dankbares Zeitkolorit, die damit einhergehende Periode der Zwanziger entsprechend viele Möglichkeiten, Chic in der Wahl von Garderobe, Musik und Interieurs auszustellen. Audiovisuell geschmackvoll kommt Afflecks Film also ohne Frage daher, und die bislang eher selten geschilderte Konfrontation „Mafia vs. KKK“ gibt ihm gleichfalls inhaltlichen Auftrieb. Etwas blass dagegen bleibt – offensichtlich anderer Pläne zum Trotze – die Hauptfigur des Joe Coughlin. Seine phasenweise immer wieder hervortretenden Skrupel, die sich insbesondere in seiner Verbindung zu Figgis‘ gebeutelter Tochter Loretta (Elle Fanning) und den entsprechenden Szenen manifestieren, lenken ein klein wenig vom Wesen des Verbrechertums ab, das eben, um erfolgreich zu funktionieren, echte Schweinehunde benötigt. Vielleicht braucht Affleck noch ein paar Jahre, um sich selbst einmal als wirklich fiesen Patron ins Bild zu rücken. Auch das gehört gewissermaßen zur ganzheitlichen Emanzipation des veritablen actordirector.

7/10

SUBURRA

Zitat entfällt.

Suburra ~ I/F 2015
Directed By: Stefano Sollima

Der multimillionenschwere Plan des alternden Mafiachefs Samurai (Claudio Amendola), die unterschiedlichen römischen Clans in ruhiger Gelassenheit zu vereinen und mit deren allseitiger Unterstützung, respektive der korrupter Lokalpolitiker ein gigantisches Spielerparadies bei Ostia zu errichten, erlebt sein großes Scheitern. Allzu viele Ungelegenheiten und hitzköpfige Nachwuchsgangster sorgen stattdessen für ein großes Blutbad, an dessen Ende nichts mehr wartet denn die Hölle selbst.

Vin „Sieben Tage(n) bis zur Apokalypse“ kündet „Suburra“ vom Sohnemann des dritten großen Sergio des italienischen Kinos, Sollima nämlich. Sieben Tage, die der ausufernden Geschichte zudem einen formschönen Rahmen verabreichen, in dem er sich fast zweieinhalb Stunden bequemer Erzählzeit nimmt für die sorgfältige Charakterisierung diverser inhaltlich Beteiligter, was wiederum ein umfassendes Ensemble-Fresko ermöglicht. In jenem finden von dem versauten, drogenkonsumierenden Parlamentarier (Filippo Malgradi), über die angsterfüllte Hure (Giulia Gorietti), den erschütterten Kardinal (Jean-Hugues Anglade), den unschuldig hineingezogenen Schuldnersohn (Elio Germano) und den asozialen, cholerischen Patriarchen einer Zigeunerfamilie (Adamo Dionisi) bis hin zu dem von Drogen und neuem Gangsterchic korrumpierten Mafioso-Erben (Alessandro Borghi) eine Vielzahl von Protagonisten Raum, deren Schicksale durch ein komplex entworfenes Beziehungsgeflecht allesamt miteinander verwoben sind. Allianzen und Konfrontationen, vor allem jedoch das sich bis zum großen, finalen Rundumschlag zuspitzende Spannungsfeld der unterschiedlichen aufeinander prallenden Motivlagen ergibt ein drahtiges Gangsterepos, das seinen klassischen Vorbildern mühelos das Wasser reichen kann. Ganz schön auch, dass Sollima sich mit der dramaturgisch eigentlich naheliegenden, rein moralisch betrachtet jedoch ungerechten Vergabe von Sympathieboni für die eine oder andere Figur zurückhält – irgendwann stellt jede/r der Involvierten im Kampf ums persönliche Überleben oder aus schierer Angst heraus höchst unangenehme Eigenschaften vor. Es wird allerseits gelogen, bestochen, verraten, erpresst, hintergangen, gekidnappt, gefoltert, gemordet, was das Zeug hält. Keine Spur mehr von den altehrwürdigen Ehrenkodexen von Camorra und Cosa Nostra. Heuer regieren nur mehr die Stärke des Kokains und der zuckende Finger am Abzug. Dass Stefano Sollima justament damit beschäftigt ist, „Soldado“, die Fortsetzung zu „Sicario“, fertigzustellen, erscheint angesichts der Qualitäten von „Suburra“ als ebenso folgerichtige wie hocherfreuliche Fügung.

8/10

THE MAN WHO LOVED CAT DANCING

„Never try to bribe a man with something he can take anyway.“

The Man Who Loved Cat Dancing (Der Mann, der die Katzen tanzen ließ) ~ USA 1973
Directed By: Richard C. Sarafian

Nach einem Zugüberfall stoßen der Ex-Knacki Jay Grobart (Burt Reynolds) und seine Kumpanen in der Prärie eher zufällig auf die alleinreisende Catherine Crocker (Sarah Miles). Diese ist ihrem Mann, dem Rancher Willard (George Hamilton) davongelaufen, weil sie es bei und mit ihm nicht mehr aushielt. Grobarts Männer machen keinen Hehl daraus, dass sie die vom Regen in die Traufe geratene Catherine bei der nächstbesten Gelegenheit vergewaltigen werden, derweil Willard Crocker Catherine gemeinsam mit dem Bahndetektiv Lapchance (Lee J. Cobb) nachspürt. Diverse gruppenin- und externe Konflikte mitsamt einigen Todesopfern führen dazu, dass Grobart und Catherine bald allein sind und Zeit haben, sich ineinander zu verlieben. Dabei erfährt Catherine von Grobarts bewegter Vergangenheit: Seine erste Frau, die Schoschonin Cat Dancing, wurde einst vergewaltigt und von Grobart selbst, der sie in blinder Eifersucht des Fremdgehens verdächtigte, missverständlich getötet. Auch seinen Sohn ließ Grobart daraufhin im Stich. Crocker und Lapchance kommen indes immer näher…

Die ihrem reichen Ranchersgatten abtrünnige Ehefrau war ein beliebter Topos im und um den Spätwestern der Ära New Hollywood. Nachdem Richard Brooks in „The Professionals“ noch eine sehr romantische Herangehensweise an diesen Themenkomplex wähnte – eine feurige Claudia Cardinale präferiert darin Jack Palance als mexikanischen Revoluzzer anstelle ihres faltigen Ehemanns Ralph Bellamy -, verdanken wir Don Medford und seinem „The Hunting Party“ die schwärzeste und räudigste Variation des Stoffes: Gene Hackman ist hier eine durch und durch böse und sadistische Kapitalistensau, deren frustrierte Frau Candice Bergen quasi überhaupt keine andere Option hat, als davonzulaufen und sich in den struppigen Outlaw Oliver Reed zu verlieben, der seine wüste Zuneigung wiederum auf eher unerfreuliche Weise verdeutlicht. Medford hinterließ dann am Ende im wahrsten Sinne auch nurmehr verbrannte Erde. Sarafians Adaption eines als eher schmalzig geltenden Liebesromans wählte dann eine Art Mittelweg aus beiden Anordnungen. Über die dysfunktionale Beziehung der Crockers erfährt man eher wenig, wenngleich bereits George Hamiltons arrogantes Auftritten mancherlei Rückschlüsse zulässt. Im Zentrum steht vielmehr die innerlich schwer zerrissene Figur des Jay Grobart, von Burt Reynolds in einer seiner humorlosesten Charakterisierungen als stilles Wasser mit gewaltigen Untiefen feilgeboten. Die Welt, in der der dieses ungleiche Paar zusammenfindet, erscheint dabei ebenso ungehalten wie lebensfeindlich. Neider und Verfolger befinden sich da überall, sei es unter Grobarts ungeschlachtem Haufen oder in Form der ihnen von „Rechtswegen“ nachstellenden Posse. Während Grobarts Kompagnons Bowen (Bo Hopkins) und Dawes (Jack Warden) wie Schakale um Catherine herumschleichen, besteht kein Hehl darin, dass auch Crocker kaum zimperlich mit den Flüchtenden umzugehen gedenkt. Erst im weiteren Verlaufe der Geschichte, die ihre bitteren Wahrheiten erst nach und nach preisgibt, offenbart sich zugleich auch das eigentliche Bestiarium der ungleichen Männer, die darin vorkommen. Ich kann mich zum Beispiel nicht erinnern, den eigentlich doch beinahe stets in positiven Rollen besetzten Jack Warden schon einmal als einen solch widerlichen Schweinehund gesehen zu haben.
Was den deutschen Titel – glücklicherweise nicht jedoch die Vertonung – anbelangt, so hat man hier einmal mehr schwer daneben gehauen. Katzen tanzen lässt hier jedenfalls niemand.

8/10