THE UNBEARABLE WEIGHT OF MASSIVE TALENT

„Nick… . FUCKIIIIIIIIING Cage!“

The Unbearable Weight Of Massive Talent (Massive Talent) ~ USA 2022
Directed By: Tom Gormican

Um seiner geflissentlich darbenden Karriere und dem damit einhergehend darbenden Bankkonto zu begegnen, nimmt Hollywood-Schauspieler Nicolas Cage (Nicolas Cage) leicht widerwillig ein außergewöhnliches Engagement an: Er soll gegen eine Million Dollar als prominenter Geburtstagsgast des auf Mallorca lebenden Unternehmenschefs Javi Gutierrez (Pedro Pascal) erscheinen. Javi, ein glühender Verehrer von Cage und seinem Gesamtwerk, der jenen außerdem gern als Hauptdarsteller für sein erstes, eigenes Drehbuch gewönne, lockt den zunächst distanzierten Star mit Drinks und anderen Lustigmachern, woraufhin sich rasch tatsächliche Sympathien zwischen den beiden Männern entwickeln. Doch die putzige Harmonie trübt alsbald ein: Die CIA hat Javi im Visier als Kidnapper der Tochter (Katrin Vankova) des katalinischen Präsidenten und setzt ausgerechnet den überrannten Cage als Maulwurf gegen seinen Gastgeber ein. Tatsächlich jedoch ist ohne dessen Wissen Javis Cousin, der Mafioso Lucas (Paco Léon) für die Entführung verantwortlich. Dies rettet zwar die Freundschaft der beiden männer, macht ihre Gesamtsituation jedoch nicht weniger lebensgefährlich…

Dass Hollywood-Schaffende sich immer wieder selbst spielen, bildet zwar keine Seltenheit; dass sie sich höchstselbst als Protagonisten eines fiktiven Abenteuers um ihre eigene Person zur Verfügung stellen, darf man jedoch nach wie vor als kleine Rarität erachten. Vor diesem Hintergrund stellen sich dann auch mehr oder weniger unweigerliche Assoziationen zu einer anderen, noch sehr viel grotesker aufgezogenen Selbstdemontage eines amerikanischen Weltstars ein, nämlich zu Spike Jonzes „Being John Malkovich“. Gegen den Wahnwitz von Jonzes und Charlie Kaufmans wahnwitziger Dramödie, die einst Malkovich himself zum Endgefäß für einen bizarren, mentalen Geburtskanal modelte, kommt „The Unbearable Lightness Of Massive Talent“ zwar nicht an, findet aber dennoch hübsche Wege, das Buddy-Duo Cage und Pascal vor der lichtdurchfluteten, mallorquinischen Kulisse in ein paar lustige, später auch actionreiche Episoden zu verstricken. Dabei gibt der Leinwand-Cage, ebenso wie damals der Leinwand-Malkovich freilich, eine Alternativversion seines tatsächlichen Selbst; so werden ihm etwa eine fiktive Ex-Frau (Sharon Horgan) und Teenagertochter (Lily Mo Sheen) herbeigedichtet, die er durch seine arrogante Selbstherrlichkeit verprellt.
Im weiteren Hergang outet sich der Film schließlich als ähnlich versiert in punkto Cage-Facts wie seine zweite Hauptfigur Javi Gutierrez; es kommt erwartungsgemäß zu diversen title drops und Reminiszenzen an frühere Beiträge aus dem umfangreichen Œuvre des Darstellers, der unterdessen allenthalben von seinem eigenen, jüngeren alter ego aus der Ära „Wild At Heart“ heimgesucht und traktiert wird. Das nimmt sich alles recht amüsant und tragfähig aus, verzichtet jedoch nicht auf die eine oder andere Redundanz. Am komischsten empfand ich dabei dabei jene Szenen, in denen Cage, intoxiniert durch diverse Rauschmittel von Alkohol bis Acid (einmal sogar durch ein hochpotentes Spionage-Sedativ), torkelnd oder sonstwie diffus durch die mediterrane Gegend laviert. Nicht, dass der Film unter späterem Verzicht auf derlei Sperenzchen gegen Ende hin geerdeter würde; es bleibt angenehm bescheuert. Trotzdem – auf den ganz großen Anarcho-Irrsinn, die totale Cage-Kirmes gewissermaßen, wird wohlweislich verzichtet. Schade.

7/10

DYING OF THE LIGHT / DARK

„The truly dangerous people are the ones who follow orders.“

Dying Of The Light / Dark ~ USA/BAH 2014/2017
Directed By: Paul Schrader

Seit der CIA-Agent Evan Lake (Nicolas Cage) vor zweiundzwanzig Jahren von dem Islamistenführer Muhammad Banir (Alexander Karim) einem Folterverhör unterzogen wurde, ist er von dem Gedanken besessen, seine alte Nemesis dingfest zu machen. Nach dem Zugriff der Agency galt Banir offiziell als tot, Lake jedoch ist überzeugt davon, dass er sich noch irgendwo unter anderem Namen versteckt hält. Als Lake erfährt, dass er unter FTD leidet, einer besonders aggresiven Form von Demenz, setzt er alles daran, seine letzte persönliche Mission noch durchführen zu können, wird aber umgehend in den Ruhestand versetzt. Lakes Kollege Milton Schultz (Anton Yelchin) erhält derweil brandaktuelle Informationen, die über Umwege zu dem sich in Mombasa versteckt haltenden Banir führen: Offenbar leidet auch dieser an einer tödlichen Krankheit namens Thalassämie, für die er ein spezielles Medikament benötigt, das er aus Bukarest bezieht. Lake und Schultz reisen nach Rumänien und finden heraus, dass ein Doktor Cornel (Serban Calea) Banirs medizinische Versorgung übernommen hat. Lake nimmt Cornels Identität an und stellt sich Banir in Kenia.

Geht es um „Dying Of The Light“, ist dessen unrühmliche Herstellungs- und Veröffentlichungsgeschichte unumgänglich. Der beinahe fertige Film, der ursprünglich von Nicolas Winding Refn mit Harrison Ford und Channing Tatum hatte inszeniert werden sollen, wurde Regisseur Schrader während der Postproduktionsphase aus den Händen gerissen, umgeschnitten, mit neuer Musik sowie einem veränderten color grading versehen mit dem Ziel, die sperrige Fallstudie des Protagonisten für ein größeres Publikum kommensurabel und somit kommerziell attraktiver zu gestalten. Schrader, Cage, Yelchin, Refn und etwas später auch dp Gabriel Kosuth distanzierten sich daraufhin öffentlich von dem Film infolge der Art und Weise, wie ihr künstlerisches Engagement mit Füßen getreten wurde, sie durch einen Knebelvertrag zur Kommentarenthaltung gezwungen und ihnen dennoch die Möglichkeit verwehrt wurde, ihre Namen aus dem Projekt zurückzuziehen. Das Thema ließ Schraders künstlerische Inegrität freilich nicht los und er erstellte drei Jahre später nochmals eine reeditierte Fassung mit dem Titel „Dark“, eine Art fragmentarisch anmutende Rumpf- oder Torsovariation seines ursprünglich geplanten Films. Für die Arbeit daran befleißigte er sich einiger aus der Produktionsphase stammender Workprint-DVDs, da ihm das originäre Digitalmaterial nicht zur Verfügung stand. „Dark“, ursprünglich ausschließlich zur Vor-Ort-Betrachtung in drei amerikanischen Filmarchiven vorbehalten, allerdings längst via semilegale Kanäle beschaffbar, ist fast zwanzig Minuten kürzer als „Dying Of The Light“ und von wesentlich herausfordernder Gestalt, was sowohl seine Form als auch seine inhaltliche conclusio anbetrifft. Den allgemein verfügbaren Produzentenschnitt empfinde ich dabei keineswegs als jenes Volldebakel, zu dem er immer wieder gern deklariert wird. Gewiss, Schraders Signatur ist darin kaum mehr identifizierbar. Der Film lebt beinahe ausschließlich von der sukzessiven Verspiegelbildlichung der Antagonisten Lake – Banir und wirkt ansonsten wie ein in jeder Hinsicht glattgebügelter, risikoloser Agententhriller, der sich vermutlich nicht eklatant von dem Rest von Cages zu dieser Zeit inflationär herausgehauenem DTV-Œuvre abheben dürfte. Anders verhält es sich mit „Dark“, bei dem sich Schrader und sein Cutter Benjamin Rodriguez Jr. unter spürbar avantgardistischer Ägide austobten. In diversen Szenen signifikant kürzer, völlig anders montiert, dabei vollgepfropft mit Farbverfremdungen, Bild-im-Bild-Zooms und vor allem einem an „2001: A Space Odyssey“ gemahnenden, psychedelischen Farbrausch zum Ende, manifestiert sich in diesem Projekt wohl vor allem der – durchaus gelungene – Versuch einer Satisfaktion, eine Veranschaulichung dessen, was grundsätzlich möglich gewesen wäre. Das finale Duell zwischen Lake und Banir, das „Dying Of The Light“ noch ausformuliert (in Form eines aktionsreich inszenierten Terroranschlags auf das Hotel von Lake und Schultz, einem anschließenden, mit der Tötung Banirs endendem Zweikampf sowie Lakes Freitod auf der Straße), wandelt sich in „Dark“ in die vor gleißenden Farb- und Formspektren berstende Reise in ein perzeptives Nirwana, das offenbar Lakes endgültigen geistigen Zerfall im Angesicht seiner kurz vor ihrem Ziel stehenden Reise veranschaulicht. Unter welchen Umständen Lakes Grabstein auf den Arlington-Friedhof kommt, bleibt dann hier wie dort ein Mysterium.
Im Nachhinein empfand ich es als überaus gewinnend, beide Varianten unmittelbar hintereinander sehen zu können, da sich darin eine noch immer halbwegs analytische Vergleichsmöglichkeit feilbietet und sich sowohl Differenzen als auch Gemeinsamkeiten recht zielgenau in Relation setzen lassen.
Zur erhellenden und tiefergehenden Weiterbeschäftigung mit dem Thema möchte ich potenziellen Interessenten noch ein Essay von Lukas Foerster für den Filmdienst, der sich auf höchst lohnenswerte Weise mit Schraders Spätwerk im Allgemeinen, über weite Strecken jedoch primär mit dem Phänomen „Dying Of The Light“/“Dark“ befasst, ans Herz legen sowie einen Beitrag zum Regisseur, den Dominik Graf 2018 im Schatten des Baseler „Bildrausch-Festivals“ für die F.A.Z. (kostenlose Registrierung erforderlich) veröffentlicht hat.

THE WILBY CONSPIRACY

„In a police state, the police are always busy.“

The Wilby Conspiracy (Die Wilby Verschwörung) ~ UK 1975
Directed By: Ralph Nelson

Eine Flasche Champagner steht bereits kühl- der südafrikanischen Anwältin Rina van Niekirk (Prunella Gee) ist es gelungen, den Bantu-Freiheitsaktivisten Shack Twala (Sidney Poitier) aus der politischen Haft auf Robben Island herauszuboxen. Gemeinsam mit Rinas englischem Galan Jim Keough (Michael Caine) macht man sich schon zum Feiern bereit, als die Drei in eine Polizei-Straßensperre geraten. Die rassistischen Beamten verwickeln das Trio in einen Konflikt, so dass Keough und Twala zur Flucht gezwungen sind. Twala überredet den Briten, mit ihm nach Johannesburg zu fahren, wo Anil Mukerjee (Saeed Jaffrey), ein Sympathisant der Anti-Apartheids-Bewegung, im indischen Viertel lebt. Mukerjee wiederum weiß um das Versteck einiger Diamanten, die Twala dem Untergrundführer Wilby Xaba (Joe de Graft) zukommen lassen will. Was keiner der Beteiligten ahnt: Der ketterauchende Major Horn (Nicol Williamson) verfolgt sie auf Schritt und Tritt und ist über sämtliche ihrer Vorhaben bestens informiert.

Eine Art durch den Wolf gedrehte Variante von Kramers „The Defiant Ones“, in der abermals Sidney Poitier, diesmal in Handschellen, dazu gezwungen ist, gemeinsam mit einem verständnislosen, ihm nur wenig wohlgesonnenen Weißen durch eine von ehernem Rassismus geprägte Welt zu fliehen. Ralph Nelson, der hier bereits zum dritten (und letzten) Mal mit Poitier zusammenarbeitete, machte das Sujet allerdings behende zu seinem eigenen: Die Transponierung des Doppel-Flucht-Plots auf das südafrikanische Apartheidsregime gerinnt hier relativ zügig zu einem frühen, schwarz-/weißen buddy movie mitsamt einigen komisch angelegten Nebenanekdötchen und beeinflusst zudem von amerikanischer Blaxploitation. Natürlich muss Caines Charakter Keogh stellvertretend für das mutmaßliche Gros des Publikums eine ideologische Wandlung durchleben – als politisch unbedarfter Ingenieur auf Montage nimmt er, typisch westeuropäisch, lediglich die exotische, äußere Schönheit der Region wahr, die so hübsch ausgestellte, wirtschaftlich florierende Fassade der weißen Minoritätenregierung. Was es indes bedeutet, hier als person of colour zu leben, lernt er in letzter Konsequenz erst ganz zum Schluss, als ihm klar wird, mit welch konsequenter Perfidie das Regime seinen Status quo präserviert. Keoghs Wandlung zum Aktivisten vollendet sich mit der eiskalt vorgenommenen Exekution des den Polizeistaat repräsentierenden Offiziers Horn – ein beeindruckendes und nachhallendes Finale dieses zwischenzeitlich immer wieder so merkwürdig unangebracht leichtherzig wirkenden Films. Blitzlichtartige Assoziationen zu „Soldier Blue“ brechen sich da kurz Bahn, in dem Nelson ja bereits zeigte, dass bestimmte Topoi ihre genuin notwendige Wirkmacht ausschließlich unter Befleißigung einer ausgesuchten Gnadenlosigkeit entfalten können.
Kleine filmhistorische Randnotiz: Sieben Jahre vor Bruce Malmuths „Nighthawks“ waren hier erstmals Rutger Hauer und die schöne indische Aktrice Persis Khambatta gemeinsam in einem Film zu sehen, jedoch ohne gemeinsame Szene und beide in seltsamen supporting parts als jeweils abtrünnige EhepartnerInnen.

7/10

LETHAL WEAPON 4

„Flied lice? It’s fried rice, you plick.“

Lethal Weapon 4 ~ USA 1998
Directed By: Richard Donner

Im Zuge eines Einsatzes gegen einen verrückten Pyromanen verraten sich die beiden best buddies und LAPD-Sergeants Martin Riggs (Mel Gibson) und (Roger Murtaugh) gegenseitig, dass ersterer in Bälde Vater wird und letzter Großvater, wobei der Vater des Enkels noch unbekannt ist. Kurz vor der Niederkunft der werdenden Mütter bekommen die zwei Helden es mit einer Triade zu tun, die Menschenschmuggel betreibt, Blüten herstellt und gleich vier gefangenen Bossen aus Hong Kong zur Freiheit verhelfen will.

Ihr vierter und vorerst letzter gemeinsamer Einsatz vereint die zusehends größer werdende Freundesfamilie um die zwei Haudegen Riggs und Murtaugh zum ersten Mal gegen einen veritablen Superbösewicht, den Triadenboss Wah Sing Ku, gespielt vonChina-Haubitze Jet Li. Nachdem die uninteressante Figur ihres letzter Widersachers im dritten Teil des Franchise, ein recht profilloser und langweiliger Immobilienbetrüger, bereits den beständigen Wechsel der Filme hin vom harten Actionfilm zur Buddy-Komödie personell untermauerte, geht Donner diesmal zumindest wieder im knüppligen Showdown in die Vollen, der die beiden alternden Herren abermals nur via echtem Teamwork reüssieren lässt. Ansonsten setzt sich jedoch breitpfadig der bereits mit dem Erstsequel etablierte und manifestierte, überkandidelte Stil der Reihe fort: Der dauerquasselnde, von den zwei Protagonisten großherzig tolerierte, aber stets gefoppte Leo Getz (Joe Pesci) betätigt sich nunmehr als Privatdetektiv in spe, der wie gewohnt etwas anstrengende Chris Rock muss als zusätzliches comic relief herhalten und diverse, wie beiläufig erzählte Miniepisödchen aus der screwball facility, darunter die (späte) Eröffnung, dass Rogers Gatin Trish (Darlene Love) ein Vermögen als heimliche Kitschromancière verdient (die plötzliche Wohlfahrt der Familie legt man dem ehernen, sich wie üblich schämenden Bullen bereits als Korruption aus) und eine völlig entfesselte Zahnarztsequenz mit Lachgas-Impact, sorgen neben den abermals spektakulären Actionszenen für Tempo. Spielte der makellose Erstling noch periodisch in der Weihnachtszeit, ist „Lethal Weapon 4“ mit seinem ausgesprochenen Zuckerguss-Finale nebst Doppel-Baby-Bescherung und der choralen Versicherung „We are family!“ der eigentliche Weihnachtsfilm der Serie und als solcher zugleich ein wohlfeiler Abschluss. Mit Donners Tod im Sommer diesen Jahres sollte ein weiteres potenzielles, immer wieder diskutiertes Sequel eigentlich endgültig passé geworden sein, was der mit dem vorliegenden Film auf mehrerlei Ebenen vollendeten Tetralogie ihres bestehenden Gesamteindrucks betreffs vermutlich ohnehin zupass käme. Tatsächlich jedoch vermeldete Mel Gibson, wie ich just erfuhr, dass er die Regie einer weiteren Fortsetzung zu übernehmen trachte, abermals mit sich selbst (65) und Danny Glover (75) in ihren vielgeliebten Rollen.

7/10

BASIC

„All we got to do is tell the story right.“

Basic ~ USA/D 2003
Directed By: John McTiernan

Fort Clayton ist eine Militärbasis am Panama-Kanal, die unter anderem für die Ausbildung von Rangers, einer speziellen Elitetruppe der US Army, verantwortlich zeichnet. Zuständig dafür ist der gefürchtete Schleifer Master Sergeant Nathan West (Samuel L. Jackson).
Inmitten eines Hurricanes am Dia de los Muertos erwartet die CID-Ermittlerin Julia Osborne (Connie Nielsen) dort ein besonders kniffliger Fall: Nach einer Manöveraktion im Urwald unter Wests Leitung können nurmehr zwei der insgesamt sieben vor Ort befindlichen Soldaten lebend geborgen werden: Sergeant Dunbar (Brian Van Holt) und der schwer verletzte Second Lieutenant Kendall (Giovanni Ribisi). Sergeant Mueller (Dash Mikok) wurde von Dunbar bei einem Feuergefecht erschossen; die übrigen sind verschwunden. Osborne bekommt aus Dunbar keinerlei Informationen über die tatsächlichen Geschehnisse heraus; erst der von Truppenkommandeur Styles (Tim Daly) eilends herbeigerufene DEA-Ermittler Tom Hardy (John Travolta), selbst wegen einer Korruptionsaffäre in der Kritik stehend, kann Dunbar erweichen, als sich herausstellt, dass auch er einst bei den Rangers gedient hat. Dunbar und der im Krankenhaus befindliche Kendall verwickeln sich jeweils in immense Widersprüche, bis sich nach und nach herauskristallisiert, dass es gar nicht wie anfänglich vermutet um eine Vergeltungsaktion gegen West ging, sondern um eine von Militärs organisierte Kokain-Connection…

John McTiernans elfte und bis dato letzte Regiearbeit (ein neues Projekt steckt laut der imdb wohl in der Präproduktion) zeigt abermals einen als gewiefter Ermittler im Militärmilieu umtriebigen Travolta, vier Jahre nach „The General’s Daughter“ um mindestens dreißig Pfund Körpergewicht erleichtert und wohlfeil trainiert, wie er gleich in einer Oben-Ohne-Szene zu Beginn stolz versichert. Ansonsten folgt der ausschließlich binnen einer stürmischen Nacht spielende „Basic“ den nunmehr weitgehend gängigen Narrationsschemata des in den Jahren zuvor und spätestens mit „The Usual Suspects“ (re-)etablierten Verhörthrillers, der mittels gezielt gesetzter, diverser Scriptvolten und -Ellipsen das hilflose Publikum an der Nase herumführt. Auch „Deceiver“ von den Pate-Brüdern oder Stephen Hopkins‘ Miller-Remake „Under Suspicion“ bedienten diese im Wesentlichen stets gleichbegleiste Schiene zuvor erfolgreich: ein bestimmtes, ausschlaggebendes Ereignis führt jeweils zu einer Befragung durch zuständige Ermittler, wobei die parallel dazu visualisierten Rückblenden in Antithese zu Hitchcocks einstiger Formel grundsätzlich niemals als zuverlässig zu erachten sind. Stattdessen bekommt der Rezipient, frei nach Kurosawas „Rashômon“, dasselbe Ereignis in unterschiedlichen Ausprägungen präsentiert; es wird gelogen, dass sich die Balken biegen und die wachsende Verwirrung der Interviewer im Film überträgt sich analog auf die Zuschauerschaft. James Vanderbilt, der Autor von „Basic“, reizt diese Erzähltaktik quasi bis zum Exzess aus, indem er immer wieder neue twists aus dem Zylinder zaubert und am Ende nochmal die gesamten vorausgehenden neunzig Minuten auf den Kopf stellt. Ob das nun auf die Cleverness ihres gewieften Dramaturgen zurückzuführen wäre oder doch eher die etwas fragwürdige Intention, das Publikum genau dies glauben zu machen, derweil es einen gewaltig konstruierten Bären aufgebunden bekommt, sei dahingestellt, es macht den zumindest formal beachtlichen „Basic“, der in seinen Actionsequenzen gar warme Erinnerungen an „Predator“ wachruft, jedenfalls insgesamt zu keinem unbedingt sympathischeren Film.

6/10

THE GENERAL’S DAUGHTER

„You are running one lunatic base here!“

The General’s Daughter (Wehrlos – Die Tochter des Generals) ~ USA/D 1999
Directed By: Simon West

Just nachdem er in Georgia einen Undercover-Auftrag um illegale Waffenverkäufe auf etwas unkoventionelle Weise abhaken kann, wartet vor Ort schon der nächste Fall auf CID-Warrant-Officer Paul Brenner (John Travolta): Gemeinsam mit seiner alten Bekannten Sara Sunhill (Madeleine Stowe) soll er den Mord an Elisabeth Campbell (Leslie Stefanson) untersuchen, ihres Zeichens Captain in der PSYOP-Abteilung und pikanterweise Tochter des kurz zuvor retirierten Stützpunktkommandeurs General Campbell (James Cromwell), auf den bereits eine erfolgreiche Karriere in der Politik wartet. Brenner und Sunhill sehen sich einer Mauer des Schweigens gegenüber – nicht nur, dass jeder Soldat auf der Basis offensichtlich mehr weiß als sie und ihre Arbeit immer wieder torpediert wird, umgeben die Biographie des zu Lebzeiten zumindest oberflächlich so sympathischen Opfers diverse Unebenheiten. So scheint Elisabeth ein höchst promiskes Leben geführt, zugleich jedoch unter schweren Depressionen gelitten zu haben. Die Nachforschungen des Ermittlerpaars in Westpoint, wo Elisabeth ausgebildet wurde, fördern Unerhörtes zutage…

Das Hollywood-Kino insbesondere der neunziger Jahre liebt das US-Militär, auch, wenn die eigentlichen Kerntopoi des einen oder anderen Films sich in vermeintlich kritischer Weise äußern. Simon Wests „The General’s Daughter“ gibt dafür ein vorrangiges Exempel ab. In Kombination mit dem wildromantischen Ambiente des amerikanischen Südens reiht der Film eine visuelle Leckerei an die nächste: Die Optionen sonnendurchfluteter Bilder, feudaler Kolonialstilvillen, schnieker Uniformen, schneidiger, schöner SoldatInnen und einer Menge hochklassigen Schauspielpersonals vor der Kamera spornten den Regisseur zu ästhetischen Höchstleistungen an. Der die MeToo-Bewegung auf Army-Ebene antizipierende Plot kann jedoch ebenso wenig verhehlen, dass sich hinter all dem Gewese ein vollkommen gängiger Kolportagethriller im Uniformgewand, versetzt mit diversen campigen Elementen, abzeichnet, der sämtliche Stereotypen des (Sub-)Genres reichhaltigst füttert. Jede einzelne Figur ist angefüllt von wohlbekannten Klischees, die es dem Publikum vermutlich umso leichter machen sollen, die im Kern befindliche Story um die sukzessive Deklassierung erfolgreicher (und attraktiver!) Frauen im Militär zu schlucken. Diese bleibt dann auch gerade so empörend wie es die äußeren Umstände gestatten.
Nach „A Civil Action“ liefertTravolta indes wieder ganz die gewohnt coole Sau, die jedem potenzielen Widersacher ohne viel Federlesens einen passenden Spruch drückt und Bonmots und Oneliner abfeuert wie ein Maschinengewehr. Die von William Goldman cogescripteten Dialoge nehmen sich mitunter entsprechend anstrengend aus und geraten insbesondere in einer Wortduellszene zwischen Travolta und James Woods als hochverdächtigem Colonel zu einer nachgeraden Belastungsprobe für den Zuschauer. Echte Spannung zaubert „The General’s Daughter“ derweil nie aus dem Barett, bis hin zur dramaturgiebedingt naheliegenden Entlarvung des (primären) Täters und seiner spektakulären Selbstrichtung möchte der Puls nie über die gewohnte Frequenz hinwegsteigen. Erfreuen mag man sich eher auf die spitzfindige Art – an all der rigorosen Kalkuliertheit, die Filme wie dieser so einfältig wie selbstbewusst ausstellen.

5/10

THE MASTER OF BALLANTRAE

„We need money! It’s blood for our veins! It’s air for the lungs of us!“

The Master Of Ballantrae (Der Freibeuter) ~ USA 1953
Directed By: William Keighley

Schottland, 1745. Im Zuge des Jakobitenaufstands gegen den englischen König Georg II schließt sich der adlige Haudegen und Lebemann Jamie Durie (Errol Flynn) den Dissidenten an. Nach der Niederschlag der Rebellion bei der Schlacht von Culloden müssen Jamie und ein neugewonnener Freund, der Ire Francis Burke (Roger Livesey), vor den Rotröcken der Krone fliehen. Eine eifersüchtige Geliebte (Yvonne Furneaux) Jamies verrät die beiden jedoch und Jamie kommt beinahe zu Tode, im Fehlglauben, sein jüngerer Bruder Henry (Anthony Steel) wäre der Denunziant. Jamie und Francis gelingt die Seeflucht über den Atlantik, wo sie sich nahe der Karibik der Besatzung des Freibeuters Arnaud (Jacques Berthier) anschließen. Im Hafen von Tortuga erleichtert man gemeinsam den feisten Piratenkapitän Mendoza (Charles Goldner) um dessen stolze Galeone, doch Arnaud treibt ein doppeltes Spiel mit seinen neuen Gefährten. Es gelingt Jamie und Francis, Arnaud den Garaus zu machen und, nunmehr um reiche Beute beschwert, inkognito zurück nach Schottland zu reisen. Dort will Jamie mit seinem Bruder abrechnen und platzt vor Ort just in die Verlobungsfeier Henrys mit Jamies geliebter Cousine Lady Alison (Beartrice Campbell)…

Das Ende einer Ära: Der lose auf der gleichnamigen Abenteuergeschichte von Robert Louis Stevenson basierende „The Master Of Ballantrae“ ist zugleich der letzte Film von Flynns Hausregisseur William Keighley wie auch der letzte Film Flynns für Warner Bros., mit dem er aus einem über 18 Jahre währenden Exklusivkontrakt entlassen wurde. Der schöne Australier litt zu dieser Zeit bereits an einer ihn auch physisch zeichnenden Hepatitis und hatte allerlei Mühe, den von ihm wie eh und je geforderten Swashbuckler-Aktivposten zu bestreiten. So werden denn die meisten seiner Fechtduelle, Rennritte und Turnereien durch die Schiffswanten offensichtlich von Stuntmen übernommen, derweil ihm selbst immerhin noch die mit hochgezogenen Augenbrauen bestrittenenen Wortgefecht-Close-ups zwischen Liebeswohl und -wehe blieben. Roger Livesey als hero’s best buddy sorgt für die humorigen Dreingaben und ansonsten sind es erwartungsgemäß vor allem die in der Karibik spielenden Piratenszenen, die das zeitgenössische Technicolor voll zu Geltung bringen. Mit der ganz großen Flamboyanz von Flynns unsterblichen Abenteuerklassikern aus den dreißiger Jahren kann „The Master Of Ballantrae“ demzufolge nicht abstrichlos mithalten, dazu wirkt er dann doch allzu routiniert und im Angesicht der heraufdämmernden Scope- und VistaVision-Epen der kommenden Jahre auch allzu kleinmütig. Trotzdem bürgen auch in diesem Falle allein die aufgebotenen Namen noch für unabdingbare Qualität.

7/10

I CONTRABBANDIERI DI SANTA LUCIA

Zitat entfällt.

I Contrabbandieri Di Santa Lucia (Der große Kampf des Syndikats) ~ I 1979
Directed By: Alfonso Brescia

Um eine enorme, aus dem Iran kommende Heroinlieferung nach New York auszubremsen, setzt der emsige Zollbeamte Ivano Radovich (Gianni Garko) alles auf eine Karte: Er versucht, die tödliche Fracht in ihrer letzten Zwischenstation Neapel aufzuhalten. Zu diesem Zweck sucht er die Bekanntschaft des hiesigen Tabakschmuggler-Paten Don Francesco Antiero (Mario Merola) und schließt einen Deal mit ihm ab: Wenn Don Francesco Radovich hilft, die Drahtzieher des Drogentransfers zu finden, so dessen Zusicherung, lässt der Zoll die kleinen Zigarettenverkäufer des Hafenviertels Santa Lucia vorübergehend gewähren. Was Don Francesco nicht ahnt – niemand Geringerer als sein Berufsgenosse, der offiziell als Süßwarenfabrikant tätige Don Michele Vizzini (Antonio Sabato), den Francesco blauäugig in Radovichs Pläne einweiht, ist im Auftrag des New Yorker Syndikats unter dessen Boss Don Avallone (Rik Battaglia) für den Weitertransport des Heroins verantwortlich. Vizzini spielt die Polizei und Don Francesco gegeneinander aus, doch als ein kleines Mädchen (Letizia D’Adderio) beinahe an einer Überdosis Rauschgift stirbt, zieht Francesco die richtigen Schlüsse. Er folgt Vizzini bis nach Manhattan, um ihn dort zu stellen…

„I Contrabbandieri Di Santa Lucia“ ist einer von mehreren Gangsterfilmen, die der Schnellschießer Alfonso Brescia gegen Ende der siebziger und zu Beginn der achtziger Jahre mit Mario Merola in der jeweiligen Hauptrolle sowie unter Verwendung anderer StammschauspielerInnen in rascher Folge vom neapolitanischen Stapel ließ und von denen es leider nur wenige bis nach Deutschland geschafft haben. Die den handwerklich eher grobmotorischen, dabei sympathischen kleinen Werken zugrunde liegende moralische Formel kennt man selbst als weitgehend uneingeweihter Mitteleuropäer jedoch aus den „Piedone“-Filmen mit Bud Spencer: die Menschen der rustikalen Vesuv-Metropole sind arm, aber herzlich, oftmals kleinkriminell, aber beseelt von einem umso größeren Ehr- und Zusammengehörigkeitsgefühl. Mit diesen wohlbewussten Karten spielt auch Brescia, respektive das von Ciro Ippolito mitverfasste Script. Merola als sympathischer Ganove steht im stetigen Kontakt zu den kleinen Straßengaunern und hat eher was von einem Sozialarbeiter denn von einem Gangster oder gar Mafioso. Er leistet sich kein dickes Auto und verdingt als einziges persönliches Faktotum den leicht vertrottelten Chauffeur Cassio (Lucio Montanaro als etwas unbeholfenes comic relief). Ganz im antagonistischen Gegensatz dazu sein schmieriger, sich mit Protz und freizügigen Damen umgebender Konkurrent Vizzini, der prototypische Mafia-Emporkömmling, der als gewohnheitsmäßiger Opportunist ebenso wohlfeil den Speichel der in der Hierarchie über ihm stehenden Bosse leckt wie er Mordaufträge verteilt. Inmitten dieser doch recht durchschaubaren Halbweltkonstellation wirkt Gianni Garko als Zollbeamter schließlich nicht von ungefähr wie ein Fremdkörper, dem es tatsächlich geflissentlich an Durchblick mangelt und dem sowohl die Entschlusskraft als auch die kombattante Überlegenheit eines Maurizio Merli oder Luc Merenda abgeht. Gleich mehrere Male wird er verprügelt, angeschossen oder sonstwie situativ übervorteilt – immerhin lässt ihn dies zugleich recht menschlich erscheinen. Dass ein Großteil des im Übrigen saumäßig montierten, in New York spielenden Finales nebenbei kurzerhand etliche Einstellungen aus Ferdinando Baldis mehrere Jahre zurückliegendem „Afyon Oppio“ recycelt, sieht man Brescias insgesamt doch recht liebenswertem schnellen Brüter durchaus nach.

6/10

THE LITTLE THINGS

„It’s the little things that get you caught.“

The Little Things ~ USA 2021
Directed By: John Lee Hancock

John „Deke“ Deacon (Denzel Washington), alternder Deputy-Sheriff in Bakersfield, muss wegen einiger Formalia zu seiner früheren Wirkungsstätte Los Angeles zurückkehren. Deke war bis vor ein paar Jahren als Detective in der Großstadt tätig und galt als Legende seines Fachs, hatte dann jedoch seinen Dienst dort quittieren müssen und auch alle privaten Wurzeln zurückgelassen. Zufällig bekommt Deke vor Ort mit, dass sein junger Nachfolger Jim Baxter (Rami Malek) in einem Mordfall ermittelt, der sich als das Werk eines Serientäters entpuppt. Da sich unweigerliche Analogien zu Dekes letztem, ungelösten Fall in L.A. ergeben, nimmt dieser kurzerhand Urlaub, um Baxter inoffiziell bei dessen Ermittlungen zu unterstützen. Das Duo stößt auf einen exzentrischen Wäschereiarbeiter namens Albert Sparma (Jared Leto), gegen den zwar mehr und mehr Indizien, aber keine wirklichen Beweise sprechen. Sparma wird verhört, muss jedoch wieder freigelassen werden und treibt fortan ein boshaftes Katz-und-Maus-Spiel mit den beiden ihn beschattenden Cops, dem sich Baxter psychisch nicht gewachsen zeigt…

Zum zweiten Mal nach „The Bone Collector“ begibt sich der nunmehr gesetztere Denzel Washington als arrivierter, wegen beruflicher Versehrtheit jedoch kaltgestellter Cop auf die Jagd nach einem Serienmörder im (sub-)urbanen Großstadtdschungel. Diesmal geht es in die Westküstenmetropole und zumindest ist Deke Deacon trotz eines dazumal erlittenen, schweren Herzinfarkts immer noch mobiler als der querschnittsgelähmte Lincoln Rhyme, wenngleich ihn die Geister ungesühnter Gewalt nicht in Ruhe lassen mögen.
John Lee Hancock, der das Script zu „The Little Things“ bereits in den frühen Neunzigern, nach seiner Arbeit an Eastwoods „A Perfect World“, verfasst hatte und es konsequenterweise auch im dazugehörig gegenwärtigen Zeitkolorit spielen lässt, gelingt es, seinem Werk eine wesentlich engmaschiger gewebte Atmosphäre angedeihen zu lassen als dies bei Noyces Film der Fall war. Abermals stützt sich das Resultat zu großen Teilen auf Denzel Washingtons schauspielerische Brillanz. Die Rolle des ausgebrannten John Deacon erweist sich als echtes Geschenk für den alternden Akteur, dem es erwartungsgemäß behende gelingt, die inneren Abgründe seines Charakters stets kristallin werden zu lassen. Weniger zuverlässig zu rechnen war da schon mit seinem Co-Star Rami Malek, der es zudem a priori etwas schwerer hat – seine Rolle des Detective Jim Baxter ist zumindest zu Beginn etwas schnöselig und arrogant angelegt, was es entsprechend erschwert, der Figur Sympathien abzuringen. Erst später, wenn seine Vunlnerabilität und damit verbundene Menschlichkeit eklatant werden, mag man ihn in sein Herz schließen. Jared Leto indes hat seinen bisher lediglich zweimal in der diegetischen Peripherie des DCEU auftauchenden Joker scheinbar gänzlich internalisiert; egal, ob Albert Sparma am Ende schuldig ist oder nicht, Leto lässt keinen Zweifel an dessen diabolischem Wesen und bewegt sich somit tatsächlich zur Gänze auf dem figuralen Terrain des beliebten comic villain. Die sich nicht zuletzt in Anbetracht des sich verdichtenden Wüstenfinales aufdrängenden und offenbar bereits mehrfach kolportierten Analogien zu „Se7en“ drängen sich zwar unweigerlich auf, sind meines Erachtens aber zu vernachlässigen – zum einen des tatsächlichen Scriptalters wegen, zum anderen, weil Albert Sparma trotz all seiner gewiss vorhanden, psychischen Untiefen nie gänzlich den infernalischen Nimbus eines John Doe / Kevin Spacey erreicht.

7/10

THE BONE COLLECTOR

„I can’t do this.“

The Bone Collector (Der Knochenjäger) ~ USA 1999
Directed By: Phillip Noyce

Ein Serienkiller mit Vorliebe zu Artefakten aus der letzten Jahrhundertwende macht New York unsicher. Dabei hinterlässt er jeweils sorgfältig verschlüsselte Hinweise auf seine nächsten geplanten Opfer, deren Rettung die Polizei immer wieder vor einen vergeblichen Wettlauf mit der Zeit stellt. Die junge Beamte Amelia Donaghy (Angelina Jolie) gerät per Zufall an einen der Tatorte und engagiert sich in hohem Maße für dessen Spurensicherung. So wird der wegen eines Jahre zurückliegenden Unfalls ans Bett gefesselte und aufgrund seiner fast kompletten Körperlähmung lebensmüde Ex-Cop Lincoln Rhyme (Denzel Washington), eine Koryphäe auf dem Gebiet des profiling, auf sie aufmerksam. Rhyme wittert gewaltiges Potential hinter der Kollegin und bindet Amelia trotz gänzlicher anderer Karrierepläne ihrerseits in die Ermittlungen ein. Diese werden allerdings immer wieder durch den inkompetenten Captain Cheney (Michael Rooker) torpediert.

Als leicht verspäteter Nachklapp zu den beiden großen Serienkillerfilmen der Dekade – Jonathan Demmes „The Silence Of The Lambs“ und David Finchers „Se7en“ – greift „The Bone Collector“ wie diverse zeitgenössisch entstandene, andere Werke des Subgenres auch, etliche Topoi jener überlange Schatten werfenden Vorbilder auf und versucht, sie durch eine nur unwesentlich modifizierte formale Textur vergeblich als originell erscheinen zu lassen. Dass dieses Vorhaben zwangsläufig zum Scheitern verurteilt ist, zeigt Noyces Film indes nicht als einziges Exempel seiner Ära. Trotz des durchaus routinierten Regisseurs und einer außerordentlich prominenten und adäquat aufspielenden Besetzungsliste erreicht „The Bone Collector“ eines alles andere denn überdurchschnittliche Qualität. Die Hauptschuld daran trägt das mit heißer Nadel konstruierte Script, das zum einen besagte Blaupausen in allzu auffälligem Maße revisioniert und zum anderen den eigenen, letzten Endes maßgeblichen Plot sträflich vernachlässigt.
Die Beziehung zwischen den beiden Hauptfiguren Rhyme und Donaghy gestaltet sich zu Beginn als eine Art illuminierter Reprise von der zwischen Lecter und Starling – unmöglich scheinend und durch diverse äußere Umstände voneinander getrennt entwickeln sich doch zarte Bande zwischen dem physisch bewegungsunfähigen Genie und seinem von ihm wohlgeschätzten, ganz nebenbei durch einen Vaterkomplex traumatisierten Schützling, eine kurze, jedoch vielsagende Fingerberührung inbegriffen. Auch andere Charaktere aus Demmes Film erhalten ihre Quasi-Pendants: Michael Rooker substituiert Anthony Heald, Queen Latifah Frankie Faison. Der sich schließlich im Zuge eines arg verpuffenden twist als dem Zuschauer längst vorgestellt entpuppende Täter (ausgerechnet gespielt von Leland Orser, einem vor allem in den Neunzigern vielbeschäftigten Nebendarsteller, der als Semiopfer bereits in „Se7en“ zu sehen war und unmittelbar vor „The Bone Collector“ in Russell Mulcahys wiederum ähnlich angelegtem Gattungsbeitrag „Resurrection“ als hero’s best buddy) erweist sich selbst als verrückt gewordener Ex-Polizist, der die ganze Mordserie lediglich als Rachefeldzug an Lincoln Rhyme, der ihn einst geschasst hatte, inszeniert – der ermittelnde Cop als Schlüsselelement des Tätercoups also. Wie Rhyme und Donaghy, die – das suggeriert das weihnachtlich eingefasste happy end wohlweislich zu allem sonstigen Zuckerguss – am Ende wohl doch mehr als kollegiale Freundschaft füreinander empfinden, ihm nach und nach auf die Schliche kommen, das ist derweil so unglaublich hanebüchen konstruiert, dass jeder auch nur halbwegs logikaffine Kriminalfreund das Grausen bekommen sollte. So sind es die gezielt schrecklich konnotierten Mordvariationen, die die primäre Aufmerksamkeit schüren und so möglicherweise vom dünnen Rest ablenken sollen. Doch gar zu Fürchterliches mutet einem „The Bone Collector“ dann wohlweislich doch nicht zu – das kleine Mädchen (Zena Grey) überlebt.

5/10