AMERICAN GRAFFITI

„Sneakin‘ around with the Wolfman, baby. This is gonna strike a raw nerve, Mama. Here’s The Platters.“

American Graffiti ~ USA 1973
Directed By: George Lucas

September 1962: Während in dem Städtchen Modesto zu den allseits tönenden Klängen des Radio-DJ Wolfman Jack (Wolfman Jack) das Ende der Sommerferien eingeläutet wird, bedeutet diese Nacht für Curt Henderson (Richard Dreyfuss) und Steve Bolander (Ron Howard) womöglich den Abschied von ihrem bisherigen, wohlvertrauten Leben. Die jungen Männer erwartet ein College-Platz an der Ostküste. Während Curt sich nicht sicher ist, ob er überhaupt aus Modesto raus will, versucht Steve unbeholfen, seiner Sandkastenfreundin Laurie (Cindy Williams) den nahenden Abschied zu erleichtern. Als Curt eine attraktive Blondine in einem Ford Thunderbird erspäht, setzt er sich in den Kopf, sie unbedingt kennenzulernen. Curts und Steves zwei Kumpel John Milner (Paul Le Mat), seines Zeichens ungekrönter König der lokalen Straßenrennszene, und der nerdige Terry Fields (Charles Martin Smith) haben derweil ganz andere Sorgen. Während John eine frühpubertierende Göre (Mackenzie Phillips) an den Hacken hat, versucht Terry, bei der einfältigen Debbie (Candy Clark) Eindruck zu schinden.

Wie sein bös kassengecrashter Vorgänger „THX 1138“ erwies sich George Lucas‘ wiederum von Coppolas Zoetrope produzierte, zweite Regiearbeit „American Graffiti“ als nachhaltig stil- und gattungsprägend Von den etlichen Schul- und College-Komödien der Spätsiebziger und Achtziger über die „Lemon Popsicle“-Serie bis hin zu Linklaters zwei Zeitpopträts reicht die sich über die Folgedekaden hinziehende Abschöpfungsspanne.
Hatte zwei Jahre zuvor im Kontext der New-Hollywood-Bewegung bereits Peter Bogdanovich mit „The Last Picture Show“  einen nostalgischen Rückblick auf vergangene Jugendtage und unvermeidliche Coming-of-Age-Schwermut vollzogen, so versetzte Lucas mittels teils autobiographisch geprägter Detailversessenheit dem Topos seine unverwechselbaren, bis heute gültigen Ingredienzien. Statt der depressiven Ödnis des zutefst lebensunlustigen, schwarzweißen Texas-Settings von Larry McMurtry erwarteten das Publikum hier Scope, leuchtende Farben, schicke Drive-In-Diners, Highschool-Schwoof, Autokult und natürlich eine erlesene, vor Gassenhauern strotzende Rock ’n‘ Roll-Tonspurrille, die das Geschehen, immer wieder eingeleitet von der (tatsächlichen) DJ-Legende Wolfman Jack, nahezu pausenlos untermalt (und kommentiert). In heuer typischer Ensemble-Film-Manier spult Lucas die Erlebnisse seiner vier Protagonisten in stetem, episodischen Wechsel ab. From dusk till dawn wird jeder von ihnen auf seine Weise mit persönlichen Schwächen und Stärken konfrontiert und vollzieht einen wesentlichen, gleichfalls nicht unbedingt liebenswerten Schritt in Richtung Erwachsenwerden: Curt lernt, dass es sich nicht auszahlt, ohnehin unerreichbaren Träumen hinterherzujagen, Steve hingegen, dass das kleine Glück nicht zwangsläufig in der Ferne wartet. Milner lässt durchblicken, dass der regionale Kult um seine Person in eigentlich mehr enerviert als stolz macht und Terry begreift am Ende seiner turbulenten Nacht, dass er es nicht nötig hat, sich als jemand aufzuspielen, der er gar nicht ist.
Eine epilogisch angefügte Schrifttafel in Jahrbuch-Optik klärt uns schließlich über die recht unromantischen, künftigen Schicksale der Helden auf. Vietnam lauert bereits dräuend in der Ferne und den ohnehin an Jimmy Dean erinnernden, aus der Zeit gefallenen Outcast John Milner erwartet ein zutiefst unrühmlicher Unfalltod. Curt und Steve, gewissermaßen die bodenständigere, bourgeoise Hälfte des Kleeblatts, werden in gutbürgerlichen Berufen landen. Das gibt’s nur einmal (, das kommt nicht wieder).

9/10

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THE FLY II

„You can’t walk… and you’re getting worse…“ – „I’m getting… better!“

The Fly II (Die Fliege II – Die Geburt einer neuen Generation) ~ USA 1989
Directed By: Chris Walas

Als die Journalistin Veronica Quaife (Saffran Henderson) schließlich doch noch das Kind des auf fürchterliche Weise getöteten, mutierten Wissenschaftlers Seth Brundle zur Welt bringt, stirbt sie gleich nach der Geburt. Doch die scheinbare Monsterbrut entpuppt sich als sehr menschliches Kind, dass binnen fünf Jahren, abgeschottet von der Außenwelt und unter Laborbedingungen zu einem höchst intelligenten, jungen Mann namens Martin (Eric Stoltz) heranwächst. Doch Martin Brundles vermeintlich fürsorglicher Pflegevater, der Konzernchef Anton Bartok (Lee Richardson), hat nur den schnöden Profit im Sinn, den er sich von dem ungewöhnlichen Jungen und vor allem von dessen Weiterarbeit an den Teleportationsexperimenten seines Erzeugers verspricht. Als Martin sich in seine Mitarbeiterin Beth (Daphne Zuniga) verliebt und ihm bald der weitere Kontakt mit ihr verwehrt wird, deckt er endgültig Bartoks wahre Intentionen auf und eine wohlbekannte Verwandlung beginnt sich seiner zu bemächtigen.

Nach dem mittlerweile zum ungezählten Male wiederholten Hochgenuss von David Cronenbergs „The Fly“-Remake überkam mich die spontane Lust, mir nach bestimmt 25 Jahren einmal wieder Chris Walas‘ Sequel, die erste von zwei Regiearbeiten des brillanten S-F/X-Wiz, anzuschauen.
Zunächst lässt sich wohl festhalten, dass die Fortsetzung von der bloßen inhaltlichen Weiterspinnung in keiner Art und Weise an dem Vorbild und seiner hinlänglich bekannten, metaphilosophischen Meditationsebene messen lässt. Walas schwenkt vielmehr gleich zu Beginn radikal hinüber in Richtung hausbackenes Achtziger-Genrekino, das, von einigen Schrecksekunden zu Beginn abgesehen, im ersten Drittel wie ein zeitgemäßer SciFi-Film für ein eher junges Publikum wirkt und in di8esem Zusammenhang vornehmlich an Selbstfindungsgeschichten wie Simon Wincers „D.A.R.Y.L.“ erinnert. Dann folgt die bittere Zäsur, jener grausige Moment mit dem infolge eines missglückten Teleortationsversuchs furchtbar entstellten Laborhund, den Martin erst zwei Jahre später noch immer lebend vorfindet und von seinen Qualen erlösen muss. Diese eine Szenenklammer hatte schon damals und hat noch immer eine höchst transgressive, kaum erträgliche Wirkung auf mich und steht (befremdlicherweise) in keinem emotionalen Verhältnis zum Rest des Films. Vielleicht ist es gerade deshalb gut, dass es sie gibt – ich bin mir da nach wie vor nicht ganz schlüssig.
Gegen Ende jedenfalls dann, als Martins seit eh und je prognostizierte Mutation einsetzt und ihn nurmehr der Gedanke an Rache umtreibt, lässt Walas alle zuvor greifende Zurückhaltung fallen und holzt make-up-mäßig drauf los als gäbe es kein Morgen. Anders als ehedem bei Vater Seth, den mit dem Fliegengenom auch der animalische Wahnsinn befällt, ist Martins Agenda jedoch eine bestens nachvollziehbare und verständliche, wie auch sein trotz des monströsen Äußeren sehr gerissenes Kalkül beweist, das ihm selbst ein humanes Happy End und Hundsfott Bartok ein übles Schicksal als schleimiges Etwas (wie einst dem von ihm am Leben gehaltenen Hund) verheißt. Zuvor darf Brundlefliege junior jedoch noch einige von Bartoks Mitarbeitern aufs Übelste verunstalten, was Walas dann zu seinem wahren Leisten verhilft, obgleich auch die detailliert vorgeführten Splattersequenzen den Wirkungsgrad von jenen des „Originals“ völlig verfehlen.

6/10

IT COMES AT NIGHT

„You can’t trust anyone but family.“

It Comes At Night ~ USA 2017
Directed By: Trey Edward Shults

Nachdem die Menschheit von einer viralen Pandemie dezimiert wurde, verschanzen sich die Eheleute Paul (Joel Edgerton) und Sarah (Carmen Ejogo) gemeinsam mit Teenager-Sohnemann Travis (Kelvin Harrison Jr.) und Hund Stanley in einem sorgsam präparierten Haus im Wald. Sarahs Vater (David Pendleton), der sich infiziert hatte, musste just erlöst und verbrannt werden.
Als ein Fremder namens Will (Christopher Abbott) auf der Suche nach Vorräten auftaucht, gewährt Paul ihm, seiner Frau Kim (Riley Keough) und ihrem kleinen Sohn Andrew (Griffin Robert Faulkner) Unterschlupf. Nachdem die beiden Familien zunächst ein funktionales Miteinander aufbauen können, erwachsen dann doch Sorge und Misstrauen. Zunächst scheinen Wills Geschichten von „früher“ sich als Lügen herauszustellen, dann sieht Travis des Nachts, dass der schlafwandelnde Andrew den Sicherheitsbereich des Hauses verlassen und vermutlich Kontakt zum mittlerweile ebenfalls verseuchten Stanley hatte. Aus dem schwelenden Konflikt wird offene Feindschaft…

Die psychisch und physisch unvergleichlich herausfordernde Extremsituation der in der jüngeren Popkultur mittlerweile so oft heraufbeschworenen Abenddämmerung der Menschheit infolge eines sie dahinraffenden Virus oder einer Seuche verschafft „It Comes At Night“ lediglich die äußere Prämisse für sein eigentliches Drama, den Konflikt zweier Familien, die um jeden Preis überleben möchten und darüberhinaus aller weiteren Menschlichkeit entsagen. Ich habe ein paar witzige User-Kommentare gelesen, die mit der vergleichsweise unkonventionellen Verhandlung des Topos überhaupt nicht zurechtgekommen sind. Was denn da wohl bitte in der Nacht käme wurde da gefragt und moniert, dass man weder Zombies noch verunstaltete Seuchenopfer zu sehen bekäme. Außer, dass die Opfer wohl nach und nach Verstand und Seele einbüßen sowie einen verklärten und Beulen bekommen, lässt sich dann auch nichts weiter sagen. Die Tatsache jedoch, dass sie durch vorm natürlichen Exitus per Kopfschuss getötet und hernach verbrannt werden, lässt recht eindeutige Rückschlüsse auf ihr postmortales Schicksal zu. Mehr will und muss „It Comes At Night“ dazu auch gar nicht sagen. Protagonist ist der intelligente und sensible Jugendliche Travis, phantastisch gespielt von einem sehr starken Kelvin Harrison Jr., der sich in seiner nicht nur lebens-, sondern vor allem auch altersfeindlichen Umwelt zurechtfinden muss. Unweigerlich gekettet an seine Eltern bleiben ihm die üblichen Vorzüge seiner Generation versagt, peer groups, Freunde, erste Romanzen, das Leben selbst – all das bleibt ihm versagt. Was ihm lieb und teuer ist, stirbt weg oder verlässt ihn; zunächst der Großvater, dann Hund Stanley. Albträume suchen ihn des Nachts heim, über die er sich mit keinem austauschen kann und auch seine geheimen, erotischen Sehnsüchte bleiben unerfüllt. Dass mit ihm am Ende auch der Lebenswillen seiner Eltern erlischt, macht den Film dann endgültig zu einem probaten, mentalen Nachfolger und Geistesbewahrer von Romeros „Day Of The Dead“: Es sind nicht etwa die Zombies, die das mikrokosmische Inferno entfachen, sondern die Lebenden, die der Existenz am Abgrund nicht gewachsen sind – oder ihm vielleicht gar nicht gewachsen sein wollen.

8/10

DIE ERBEN

„Wir gehören nicht zu den Leuten, die Bomben werfen.“

Die Erben ~ A 1983
Directed By: Walter Bannert

Thomas (Nikolas Vogel), österreichischer Teenager und eher widerwilliger Privatgymnasiast, leidet unter seiner spießig-herrischen Mutter (Anneliese Stöckl-Eberhard), die es sich mit nichts Recht machen lässt. Auch der Vater (Jaromír Borek) bringt es nicht fertig, gegen sie aufzustehen. Als Thomas den etwa gleichaltrigen Charly (Roger Schauer) kennenlernt, der aus völlig zerrütteten Familienverhältnissen stammt, folgt er diesem zu seinem im rechtsradikalen Spektrum beheimateten Freundeskreis. Die jungen Leute huldigen der Nachwuchsbewegung der neonazistischen „Nationalen Einheitspartei“ (NEP), deren Vorsitzender, der promovierte Bonze Fürst (Wolfgang Gasser), jedoch stets darum bemüht ist, seiner Gefolgschaft ein respektables Öffentlichkeitsbild zu verschaffen. Für Thomas bedeutet das neue Umfeld Zugehörigkeit, Selbstbewusstsein, Sex, Stärke und – Hass. Als die Parteispitze die mitunter offen gewalttätigen Aktionen von Thomas und Charly nicht mehr tolerieren will, werden sie Teil der noch extremistischeren Wehrsportgruppe „Jugendschutz“, die sich in Italien militärisch drillen lässt.

Immerhin ein kleiner Skandalfilm, ist Walter Bannerts eigenbrötlerisches und nicht immer umweglos konsumierbares, als entschieden antirechtsnational einzustufendes Werk gewissermaßen schon apokryphes Pflichtprogramm. Von der neu erstarkenden Rechten, die zu Anfang der achtziger Jahre noch auf authentisches „Gefolgsmaterial“, sprich: tatsächliche, auf Zuruf wieder strammstehende Altnazis zurückgreifen konnte, die nur allzu gern von der „guten alten Zeit“ zu schwärmen verstanden, hatte man in dieser Form zumindest auf Spiel- bzw Kinofilmebene noch nichts Vergleichbares gesehen. Der spätere „Eis am Stiel“– und LISA- Regisseur Bannert jedoch setzte seinen linken Fuß in seinem zweiten Werk, das in Österreich spielt, jedoch auch ebensogut in der Bundesrepublik hätte angesiedelt sein mögen, wo die Holocausteugner, die Kriegsverklärer, die von der HJ erstaunlich nachhaltig oktroyierten Faschisten der mittleren Jahre und die Asseln von NPD und DVU sich bereits zu wieder zahlreicherem Wimmeln anschickten, in die entsprechende Tür. Dennoch war und ist „Die Erben“ kein Film für jedermann, dazu ist er phasenweise zu unzugänglich und zu elliptisch; seiner Zeit geschuldet vielleicht auch nicht immer konsequent genug. Er richtet sich als streitbares Kunstartefakt als ein Film für Zeitgenossen, die ihn grundsätzlich und per se goutieren könn(t)en, an eine intellektuell und sittlich gefestige Adressatenschaft, die seiner – zumindest in politisch-aufklärerischer Hinsicht – prinzipiell nicht bedarf. Es mangelt ihm hier und da an der notwendigen Didaktik und Pädagogik, derer ein dezidiert im rechten Milieu angesiedeltes Coming-Of-Age-Drama, zumindest, wenn es sich einen entscheidenden impact verspricht, zwingend Gebrauch machen muss. Stattdessen zeigt Bannert seine noch minderjährigen Darsteller zumeist orientierungslos im emotionalen Nirwana umheroszillierend und im Zuge zweier längerer sowie mehrerer kürzerer Szenen beim Beischlaf oder sexuellen Praktiken, ästhetisch manchmal ein wenig beeinflusst von Vorbildern wie Liliana Cavanis „Il Portiere De La Notte“ oder Pasolinis „Salò“. Ob gestellt oder nicht, lässt sich nicht eindeutig eruieren. Das wäre dann etwas, das bereits vor 35 Jahren nicht ganz kritikfrei über die Bühne gebracht werden konnte, in der diesbezüglich hypersensibilisierten Gegenwart allerdings (zu Recht?) kaum mehr rüstige Fürsprecher finden wird. Wenn es um direkte Gewaltausübung geht, etwa, wenn die in SA-Uniformen gewandeten Jungschläger einen linken Kneipentreff zusammenprügeln, wirkt „Die Erben“ indes seltsam gestelzt, beinahe gekünstelt harmlos. In der mit Abstand intensivsten, mitreißendsten Szene, einer rein dialogbasierten, stellt Thomas seine Mutter zur Rede, der er den Freitod des Bruders anlastet.
Nicht allein aus dieser merkwürdigen Diskrepanz rührt vermutlich seine schlechte Verfügbarkeit. Immerhin hat das das verdiente Label Mono Macabro diesen etwas sonderbaren Film seit jüngerer Zeit als codefreie Blu-ray im Portfolio. Der Erwerb lohnt sich, so oder so.

7/10

SUMMER OF 84

„Even serial killers live next door to somebody.“

Summer Of 84 ~ USA/CA 2018
Directed By: François Simard/Anouk Whissell/Yoann-Karl Whissell

Im Sommer 1984 entwickelt der im Städtchen Cape May, Oregon lebende, 15-jährige Davey (Graham Verchere) den dringenden Verdacht, dass sein Nachbar, der allein lebende Polizist Wayne Mackey (Rich Sommer), jener Serienkiller ist, der in der Gegend sein Unwesen treibt und auf dessen Konto vermutlich bereits mehrere vermisste Jungen in Daveys Alter gehen. Zusammen mit seinen drei Freunden Woody (Caleb Emery), Eats (Judah Lewis) und Curtis (Cory Gruter-Andrew), die Davey bald mit seinen detektivischen Umtrieben ansteckt, macht sich der Junge daran, Mackey zu entlarven. Doch dieser erweist sich als deutlich cleverer denn zunächst angenommen…

Your monthly retro piece. Bereits vor längerer Zeit losgetreten von Richard Kellys „Donnie Darko“ und später dann endgültig erodierend ausgelöst durch Filme wie J.J. Abrams‘ „Super 8“ und natürlich das Netflix-Serial „Stranger Things“ scheint die Nostalgie-Welle, die vor allem die romantisierten Kleinstadt-Sozietätsbilder der vielen Spielberg-Produktionen der achtziger Jahre, der von ihm gesteuerten Produktionsfirma Amblin und all derer vielen großen und kleinen Epigonen beschwört, noch nicht gesättigt. Das Regie-Trio Simard/Whissell/Whissell, dessen eingeschworene Allianz sich auch „Roadkill Superstar“ (RKSS) nennt und dessen Debüt „Turbo Kid“ ich beizeiten nachholen werde, hat sich offenbar ganz dieser Form des atmosphärischen Retro-Chic verschrieben – durchaus erfolgreich, wie der weitgehend gelungene „Summer Of 84“ vorsichtig bestimmen lässt. Auf (semi-)phantastische Elemente wie verlorene Schätze, Aliens, kleine Monster oder postapokalyptische Abenteuerszenarien wird diesmal gänzlich verzichtet zugunsten eines sich mit zunehmendem Filmverlauf ernster gestaltenden Serienkiller-Topos, der im letzten Fünftel ein im Verhältnis zur trügerischen Basis des Plots geradezu eklektisch ausformuliertes Ende einläutet. Darin schieben die AutorInnen sämtlichen eben noch sehr in der Vorbilderzeit verankerten Coming-of-Age-Klischees, die von Außenseiter-Freundschaft über Familienidyll bis hin zu erster Liebe und unterstützender, sommerlicher Lichtdurchflutung diverse Pflichtelemente akribisch abhaken, einen finster-realistischen Riegel vor. Erwachsenwerden bedeutet in „Summer Of 84“ zugleich die höchst destruktive Konfrontation mit Verlust, Angst und Tod, garantiert ohne erlösendes Element. Davey muss seine juvenile Neugier, die ihn und seine Freunde anfangs wie die übliche, abenteuerlustige Kinderclique der Ära blind macht für die tödliche Gefahr, in die sie sich begeben, teurer bezahlen als ihm lieb sein kann. Mit der Entlarvung des Mörders folgt zugleich die Erkenntnis der totalen Ohnmacht; gegen die viehische Brutalität des psychopathischen Lebenssammlers Mackey, der so ganz ohne identitätsverschleiernde Maskerade auftritt und sein Werk mitten im Herzen trauter Nachbarschaft praktiziert, kann Davey es nicht aufnehmen. Diese Erkenntnis kommt für ihn viel zu spät – nachdem er sich kurz im Glanze öffentlicher Heldenverklärung sonnen darf, heißt es Abschied nehmen, nicht nur von der Naivität der Kindheit, sondern auch vom besten Freund, dessen gewaltsamen Tod mittelbar auch Davey verschuldet, von den anderen Kumpels und ihren fragilen Elternhäusern, von der Angebeteten, die die Stadt verlässt und vor allem von der im Teenageralter noch unantastbaren Sicherheit der Unsterblichkeit.
Anders als zuletzt noch in ersten Teil des „It“-Neuverfilmung lässt sich das Ungeheuer in „Summer Of 84“ auch mit vereinten Kräften nicht in die Schranken weisen. Der Grund dafür ist so simpel wie einleuchtend: Hierin ist das Monster keine übernatürliche Wesenheit, sondern, viel schlimmer – ein Erwachsener.

7/10

PYEWACKET

„I can’t believe you want to kill your own mother.“

Pyewacket ~ CAN 2017
Directed By: Adam MacDonald

Für die pubertierende Teenagerin Leah Reyes (Nicole Muñoz) sind Schwarze Magie, gothic looks und Black Metal hauptsächliche Interessengebiete. Ihre depressive Mutter (Laurie Holden) kommt nicht über den Tod ihres Gatten und Leahs Vater hinweg, weshalb sie ihre Tochter nötigt, mit ihr in ein weit abgelegenes Haus in der Provinz umzusiedeln. Für Leah bedeutet das mittelfristig einen Schulwechsel und somit den Verlust ihrer Freunde. Nach einem heftigen Streit beschwört das Mädchen mithilfe eines ihrer Bücher einen Dämon, den Pyewacket, und beauftragt ihn, die Mutter zu töten. Es dauert nicht lang, bis Leah die überhastete Aktion bereut, doch der Pyewacket hat viele gemeine Tricks auf Lager.

Psychologisch konnotierte Horrorfilme über Teenager in der Identitätskrise gewinnen in jüngerer Zeit wieder besonders regen Zulauf. Der kanadische Schauspieler und Regisseur Adam MacDonald nimmt sich in seinem zweiten Kinostück nach dem an die Nieren gehenden „Backcountry“ genau dieses Themenkomplexes an und bringt ein Vexierspiel über das Verhängnis eskalierender Generationskonflikte sowie ein sich in ihrer Emotionalität verlierendes Mädchen, das eine verhängnisvolle, affektgesteuerte Entscheidung trifft und daran zerbricht. Ein veritabler Horrorfilm scheint mir „Pyewacket“ dabei allerdings bloß im übertragenen Sinne zu sein – MacDonalds Script ist so geschickt aufgebaut, dass bis zum Ende hin berechtigte Zweifel daran bestehen können (und vermutlich auch sollen), dass es den Pyewacket wirklich gibt. Schlüssiger erscheint mir da die alternative Option: Ihre psychische Zwangslage lässt Leah schizophren und jenen vermeintlichen Dämon zum Stellvertreter ihrer eigenen Aggressionen werden. Wir erfahren, dass Leah und ihr Vater eine besonders enge Beziehung zueinander hatten. Möglicherweise bildete die Mutter schon damals einen eifersuchtsbedingten Störfaktor für das Mädchen. Jetzt, da die männliche Ankerperson verlustig ist, bleibt nurmehr eine einzige, große Reibungsfläche zwischen den beiden Frauen, die sich immer wieder durch latenten Hass und böse Worte entlädt. Nun reicht allein der bloße, einmal formulierte und veräußerte Wunsch Leahs nach dem Tod der Mutter, um ihr auch noch das letzte Stück vorhandener Balance zu entreißen. Ohnehin spielt es am Ende eine untergeordnete Rolle, ob das Mädchen zur psychotischen Gewalttäterin wurde oder ein obskurer Dämon – Leah wird es so oder so auszubaden haben.
MacDonald vermag die nach seinem Erstling hoch gesteckten Erwartungen einzulösen. Auch sein Zweitwerk besticht durch inszenatorische Sorgfalt, aufrichtige Empathie für die Motivlagen seiner Figuren und eine großartige Schauspielführung. Tatsächlich könnte man nach meiner Wahrnehmung lediglich die etwas stereotyp gezeichnete Charakterisierung der Protagonistin und ihren Hang zu allerlei „verderblicher“ Subkultur in kritischeren Augenschein nehmen, aber das  ist letztlich Makulatur.
Schöner Film.

8/10

LAMMBOCK

„Du checkst es nicht.“

Lammbock ~ D 2001
Directed By: Christian Zübert

Die beiden ungleichen Freunde Kai (Moritz Bleibtreu) und Stefan (Lucas Gregorowicz) betreiben im beschaulichen Würzburg gemeinsam einen Pizza-Lieferservice nebst florierendem Marihuana-Handel. Den in Kenner- und Bekanntenkreisen überaus beliebten Stoff züchten und ernten sie selbst auf einer Plantage im Wald. Während Kai mit dieser einfachen, aber einträglichen Existenz höchst zufrieden ist, strebt Stefan, in einer biederen Beziehung steckend, Sohn eines wohlhabenden Amtsrichters (Elmar Wepper) und selbst kurz vorm Juraexamen stehend, insgeheim nach Höherem. Als der selbst dem Dope nicht abgeneigte Undercover-Polizist Achim (Julian Weigend) auf sie aufmerksam wird, beginnt die Lage allmählich ungemütlich zu werden…

Als „Lammbock“ vor ziemlich genau 17 Jahren im Kino lief, entwickelte er sich zumindest im rauschmittelaffinen Teil des Freundeskreises ziemlich flugs zum Liebhaberstück, das sogar das Zeug hatte, mit dem seinerzeit dauerrotierenden „Bang Boom Bang“ zu konkurrieren. Klar, warum: Der sehr intensiv mit Improvisation arbeitende Film ist primär für die juvenile Kiffergemeinde gemacht und die versteht sich untereinander bestens (zumindest war das zu jener Zeit so). Der gewohnheitsmäßige Kiffer an und für sich pflegt, unabhängig von der Subkultur, in der er sich sonst bewegen mag, eine universell verstehbare Sprache, die sich im spezifisch gepflegten und ausgebauten Vokabular und Phrasen sowie im sehr leicht identifizierbaren Gestus äußert. Man muss kein ausgemachter Soziologe sein, um zu wissen und zu erkennen, wie ähnlich sich Kiffer aus allen Teilen der Republik sind. „Lammbock“ verstand das und gab den Leuten einen Film, der, anders als die aus den USA stammende „Cheech & Chong“-Reihe oder der im Slapstick verwurzelte „Half Baked“ die Szene nicht als Satirefall benutzte oder grell überzeichnete, sondern ihr eine echte, kleine Liebeserklärung angedeihen ließ. Die Leute im Film rauchen wirklich Gras und sind (zumindest stellenweise) wirklich bekifft. Das spürt man als Bruder im Mentalen und dafür mag man den Film. Man mag ihn auch für Gregorowicz‘ todwitzige Schwarzweißabfahrten, für Elmar Weppers hochsympathische Mitwirkung, ganz besonders für die wunderbar sympathische Marie Zielcke und vielleicht sogar für die geschmacklose Dreistigkeit, mit der ein eigentlich ungeheuerlicher, im (filmischen) Vollrausch absolvierter Inzestgag quasi im Vorbeigehen abgeliefert wird. Das hat schon was gehörig Subversives. So ganz makellos ist „Lammbock“ aber dann doch nicht. Wenn nämlich Bleibtreu und Gregorowicz von der Dramaturgie dazu angehalten sind, sich über eindeutig als solche intendierte, „tarantinoeske“ Nonsens-Themen wie die Flugsicherheit von Erika Eleniaks Silikonbrüsten oder das heimliche Bedürfnis, mit Mehmet Scholl eine Fellatio-Nummer durchzuziehen, auszutauschen, dann erhält der Film eine unangenehme Subnote. Hier nämlich begnügte sich Zübert nicht mehr damit, eine schöne Schmunzelgroteske um zwei Kumpels, die high on their on supply sind und ihre komischen Abenteuerchen zu stricken – hier wollte er eine Form von coolness, die dem Gesamtresultat einfach nicht gut zu Gesicht steht. Früher hat mich das weniger gestört, jetzt jedoch, da ich den Film nach bestimmt 15 Jahren zum ersten Mal wieder in voller Länge geschaut habe, fand ich diese Szenen ziemlich schlimm penetrant und keineswegs förderlich. Wie ich mich überhaupt im Nachhinein ziemlich alt und stark zielgruppenvernachlässigt fühlte, was nun wiederum mein ganz persönliches Problem ist. Immerhin bleibt eins, wofür man „Lammbock“ auf ewig liebhaben muss – er spendierte Wotan Wilke Möhring die bis dato einzige Rolle, in der er wirklich reüssieren kann.

7/10