MUSARAÑAS

Zitat entfällt.

Musarañas (Shrew’s Nest) ~ E/F 2014
Directed By: Juanfer Andrés/Esteban Roel

Madrid in den 1950ern. Die beiden Schwestern Montse (Macarena Gómez) und Nia (Nadia de Santiago) bewohnen ein hübsches Appartment in Madrid. Montse, die ältere der beiden, leidet unter schweren Neurosen, deren Ursprünge bis weit zurück in die Vergangenheit reichen und die sich in einer schweren Angststörung und Glaubensfanatismus manifestieren: Die als Auftragsschneiderin durchaus erfolgreich arbeitende Montse traut sich nicht, auch nur einen Fuß vor die Wohnungstür zu setzen, staffiert jedoch sämtliche Räume mit christlichen Symbolen aus. Jedwede „Außengeschäfte“ erledigt die jüngere Nia, deren romantischen Kontakt zu einem jungen Mann Montse eifersüchtig aus dem Fenster mitverfolgt und immer wieder durch aggressive Ausbrüche Nia gegenüber quittiert. Eine ihrer Kundinnen, Doña Puri (Gracia Olayo) versorgt Montse regelmäßig mit einem Opiat, von dem sie längst abhängig ist. Als ein junger Nachbar, Carlos (Hugo Silva), die Treppe im Haus herunterstürzt und sich das Bein bricht, quartiert Montse ihn im Gästezimmer ein. Da der junge Mann offenbar etwas zu verbergen hat, lässt er sich Montses Pflege zunächst bereitwillig gefallen, die heimliche Darreichung der Opiumtröpfchen inbegriffen. Als Nia begreift, dass Montse Carlos nicht mehr gehen lassen wird, ist es bereits zu spät: Der Wahnsinn ergreift endgültig Besitz von ihr.

Natürlich hat „Musarañas“ einige deutliche filmische Vorbilder, die bei entsprechender Kenntnis rasch offensichtlich werden. Vor allem aus Polasnskis „Repulsion“ und Rob Reiners King-Adaption „Misery“ bezieht das reichlich kompromisslose, komplexe Schwesterndrama einen Großteil seiner motivischen Inspiration, besitzt dabei jedoch immer noch genügend Eleganz und finster dräuende Schönheit, um sich von diesen hinreichend emanzipieren zu können. Was besonders an Andrés und Roels Film begeistert, ist dessen prononcierte Verweigerung, sich an aktuelle Techniken und Formalia zu assimilieren. In langen und konzentrierten Einstellungen verharrt die komplette Erzählzeit mit Ausnahme eines Ausflugs Nias in Carlos‘ Wohnung oberhalb und einigen der immer wieder eingeflochtenen Rückblinden strikt am selben Schauplatz, dem schwesterlichen Appartment nämlich. Hier bietet sich all der benötigte Raum für die sich schleichend zum völligen Irrsinn entwickelnde Geisteskrankheit der armen Montse, die dank Macarena Gómez‘ parallel dazu überaus zerbrechlich und nuanciert gestalteten Performance niemals zu der monströsen Killerin entwickelt, die andere Filme hinter ihrer sanften Fassade längst ausgemacht hätten. Zwar geht Montse, nachdem sie einmal die Grenze zur Gewalttäterin überschritten hat, mit zunehmend barbarischem Gestus zu Werke, wirkt jedoch nie wirklich bösartig, sondern stets pathologisch. Hierin verbirgt sich gleichfalls ein möglicher Ansatz zur Kritik: der Film lässt es sich im weiteren Verlauf nämlich nicht nehmen, Montses Attacken durch schwarzhumorige Reverenzen erträglicher werden zu lassen – ob es sich hierbei um Zugeständnisse an mögliche Zensurbefürchtungen oder gar an die Stabilität des Publikums handelt, müsste erörtert werden. Jedenfalls holt das (nichtsdestotrotz vorhersehbare) Ende nochmal den emotionalen Vorschlaghammer raus, schlägt kräftig zu damit und hinterlässt den Zuschauer mit der Gewissheit, einem in jeder Hinsicht lohnenswerten, prächtigem Filmerlebnis beigewohnt haben zu dürfen.

8/10 

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IVANHOE

„Beware of powerful men! They spawn unspeakable whelps.“

Ivanhoe ~ UK 1997
Directed By: Stuart Orme

1192 ist England infolge von König Richards (Rory Edwards) Kreuzzug innenpolitisch stark geschwächt. Normannen und Angelsachsen stehen sich feindlich gegenüber und Richards Bruder John (Ralph Brown), der die Regierungsgeschäfte übernommen hat, weil Richard in Österreich festgesetzt wurde, findet vor allem infolge seiner intriganten Herrschsucht keine Akzeptanz im Volk. Der ebenfalls als verschollen geltende Wilfred von Ivanhoe (Steven Waddington), der Richard einst nach Jerusalem gefolgt ist, wurde von seinem halsstarrigen Vater, dem angelsächsischen Adligen Cedric (James Cosmo) verstoßen. Heimlich kehrt Sir Wilfred auf die Insel zurück, um sich von den Zuständen vor Ort ein Bild zu machen. Seine Jugendliebe Rowena (Victoria Smurfit) soll verheiratet werden und ein normannischer Tross rund um die Tempelritter Bois-Guilbert (Ciarán Hinds), de Bracy (Valentine Pelka) und Front de Boeuf (Nick Brimble) intrigiert heftigst gegen die Sachsen. Sir Wilfred macht die Bekanntschaft des jüdischen Financiers Issac von York (David Horovitch) und seiner Tochter Rebecca (Susan Lynch), die ihm wohlgesonnen sind. In cognito tritt er daraufhin bei einem Turnier an und besiegt sämtliche Gegner. Als sich daraufhin der Streit zwischen Sir Cedric und Bois-Guilbert weiter zuspitzt und es zu einer Entführung kommt, sichert sich Ivanhoe die Unterstützung des Gesetzlosen Robin von Locksley (Aden Gillett) und seiner Waldläufer und zieht gegen Bois-Guilbert ins Feld. Klammheimlich mischt sich auch der mittlerweile zurückgekehrte König Richard unter die Kämpfenden. Doch es erfolgt nur ein Teilsieg: Die ebenfalls gekidnappte Rebecca gerät in die Hände eines Templerordens, dessen fanatischer Anführer Lucas de Beaumanoir (Christopher Lee) ihr den Hexenprozess macht…

Diese sechsteilige Miniserie der BBC gilt gemeinhin als werkgetreueste Verfilmung der Rittermär nach Walter Scott und wirkt zumindest im Vergleich zur kunterbunten 1952er-MGM-Version von Richard Thorpe tatsächlich um Einiges authentischer und entschmachteter. Was nicht heißen soll, dass ich sie deswegen bevorzöge; Robert Taylor in glänzender Rüstung ist und bleibt ein kultureller Archetypus. An Taylors Flamboyanz jedenfalls kann Steven Waddington, der hier den Titelhelden mit wildem Krauskopf und Zauselbart wohl sehr viel zeitgemäßer erscheinen lässt, ganz gewiss nicht rütteln. Überhaupt bietet sich ein Vergleich der völlig unterschiedlichen Form wegen kaum an. Eines der erklärten Kreativziele des Regisseurs Stuart Orme dürfte es vielmehr gewesen sein, ein annähernd dokumentarisches Bild dieser für England schicksalhaften, mittelalterlichen Periode zu entwerfen: Das einst so stolze Land findet sich zerrüttet inmitten ethnischer Reibereien, von Glaubensirritationen und den intriganten Machtspielchen bei Hofe, die vor allem aus dem brüderlichen Zerwürfnis resultieren. Auch Themen wie Antisemitismus und präinquisitorischer Fanatismus halten Einzug in die Geschichte Sir Wilfreds, der trotz des Titels erfreulicherweise nicht die einzige figurale Zentralposition bekleidet. Auch die vielen anderen Charaktere, allen voran der Hauptantagonist Bois-Guilbert, der sich zu seiner eigenen Schande unsterblich in die Jüdin Rebecca verliebt und ihr gern alles opfern würde, am Ende aber dann doch zu obrigkeitsfürchtig ist für die letzte Konsequenz, werden exzellent porträtiert. Hier profitiert das – gefälligst am Stück genossene – rund dreihundert Minuten lange TV-Stück dann wiederum von seiner großzügigen Spielzeit, die ihm genau solche Feinheiten ermöglicht. Ansonsten bleibt die Inszenierung gediegen bis zurückhaltend und ausschließlich am funktionalen Fortlauf der Narration interessiert. So weit, so komfortabel.
Dringender Erneuerungsbedarf besteht allerdings hinsichtlich der deutschen Edierung von „Ivanhoe“: nicht nur, dass die Farben der DVD etwas zu verwaschen wirken, es wurde offenbar auch stark in den ursprünglichen Bildausschnitt hereingezoomt, was sich, wenn nicht ohnehin schon im Vorhinein, spätestens bei den Abspännen bemerkbar macht. Hier wäre der Veröffentlichung einer fehlerbereinigten (BD-)Auflage unbedingt zuzuraten.

8/10

WHO’S HARRY CRUMB?

„You don’t know anything about this case, do you?“

Who’s Harry Crumb? (Wer ist Harry Crumb?) ~ USA/CA 1989
Directed By: Paul Flaherty

Leider verfügt Privatdetektiv Harry Crumb (John Candy) mit Ausnahme geschickter In-Cognito-Verkleidungen nicht ganz über die brillanten, deduktiven Fähigkeiten seiner Ahnherren, die einst die renommierte Detektei „Crumb & Crumb“ aufgebaut haben. Darum sitzt er auch in einer abgeschlagenen Außenfiliale des Hauptbüros in Los Angeles, dessen Vorsitzender Eliot Draisen (Jeffrey Jones) Harry eines Tages ganz bewusst „zur Hilfe“ ruft, um einen Kidnapping-Fall zu lösen, hinter dessen Einfädelung Draisen selbst steckt. Er hat die ältere Tochter (Reneé Colman) des Millionärs Downing (Barry Corbin) entführt. Mit dem Lösegeld will er seine alte Flamme Helen (Annie Potts) zurückerobern, die ihrerseits jetzt Downings zweite Frau ist und ihn ermorden will, um an das beträchtliche Erbteil zu gelangen. Zu Draisens Zufriedenheit erweist sich Harry rasch als viel zu dämlich, um auch nur eine der sich ihm bietenden Spuren korrekt zu interpretieren…

Es gibt ein paar wirklich witzige Stellen in „Who’s Harry Crumb?“ und John Candy müht sich nach Kräften, die auf seinen Schultern lastenden Erwartungen nicht zu enttäuschen. Leider jedoch praktiziert Flahertys Film die in den Spätachtzigern und Frühneunzigern praktisch permanent durchexerzierte Unart, ein erfolgreiches Konzept einfach aufzugreifen und ohne allzu umständliche Modifikationen einfach dreist wiederzuverwerten. In diesem Falle sind es sogar gleich zwei eindeutige Vorbilder, nach denen fech geschielt wurde: Zum Ersten, und besonders offensichtlich, Michael Ritchies „Fletch“, der Candys Kollegen Chevy Chase als investigativ tätigen Verkleidungskünstler vorwies und zum Zweiten „The Naked Gun“ des Trios ZAZ, in dem der vertrottelte Polizist Frank Drebbin (Leslie Nielsen) voll von satter Selbstsicherheit in jedes sich bietende Fettnäpfchen trat und dessen anarchischen Slapstick-Humor, wenngleich in sehr viel klobigerer und augenfälligerer Manier, auch „Harry Crumb“ immer wieder kultiviert. Eine Szene, in der sich ein aggressiver Aquariumsfisch am Finger des Ermittlers festbeißt, wurde sogar annähernd exakt kopiert. Dennoch langt es wie eingangs erwähnt noch immer auch für einige brauchbare Gags, zu denen vor allem Candys (dramaturgisch herrlich unnütze) Sitzung auf einem Fitness-Fahrrad gehört. Da ist man dann zwischenzeitlich sogar kurz hinreichend großmütig, den Flinkfingern aus der Scriptschmiede ihre umtriebigen Unverschämtheiten nachzusehen.

6/10

NIGHT OF THE JUGGLER

„You’ve picked the wrong kid!“

Night Of The Juggler (Die Ratte) ~ USA 1980
Directed By: Robert Butler

Irrtümlicherweise entführt der geistesgestörte Gus Soltic (Cliff Gorman), ein sich im Stich gelassen fühlendes Opfer der desolaten New Yorker Wohnungsbaupolitik, Kathy (Abby Bluestone) die Tochter des Ex-Polizisten Sean Boyd (James Brolin). Soltic hatte es eigentlich auf das Kind des Immobilienhais Clayton (Marco St. John) abgesehen, dem Kathy dummerweise immens ähnlich sieht. Wie ein Berserker setzt Boyd umgehend alles daran, Kathy zu befreien und stellt dabei halb Manhattan auf den Kopf. Ein zusätzliches Hindernis findet sich in der Person von Sergeant Barnes (Dan Hedaya), den Boyd einst der Korruption bezichtigte und der sich für seinen Karriereknick an Boyd rächen will…

Ein wildes Stück Film, ein wenig passend zu seiner eigenen Entstehungsgeschichte. Ursprünglich hatte Sidney J. Furie das gute Stück inszenieren sollen, verzichtete jedoch, nachdem James Brolin sich bereits in einer frühen Drehphase den Fuß brach und einen Gips tragen musste, verließ Furie das Projekt und wurde nach einer Drehpause von Robert Butler ersetzt. Brolins Verletzung merkt man dem fertigen Werk nicht an. Der Gute jagt und hetzt unermüdlich durch beinahe den gesamten Film, oft nur ein paar Meter von Soltic und seiner Tochter entfernt. Das währenddessen präsentierte New York gleicht einer entmilitarisierten Zone. Schmutzige Häuserschluchten, die 42nd Street nebst einem ziemlich widerlichen Peepshow-Club und vor allem die blöckeweise in Trümmern liegende West Side geben einen geradezu vorzüglichen Eindruck der Ära Mayor Ed Koch wieder, während dessen elfjähriger Amtszeit die Metropole sich ihren Ruf als riesiges Rattenloch zwischen Yuppie- und Junkietum ganz wunderbar auspolsterte. Perfekte companion pieces zu „Night Of The Juggler“ wären somit „The Warriors“, „Wolfen“ oder „Fort Apache, The Bronx“, die ebenfalls ebenso spannende wie desolate Bilder Manhattans um die Dekadenwende präsentierten, von den großen Undergroundfilmen von Ferrara über Hennenlotter, Lustig und Glickenhaus einmal ganz zu schweigen. Das hier war und ist der wahre Jakob! Ein Wiedersehen mit Richard „Clemenza“ S. Castellano als etwas phlegmatischem, aber gutherzigem Polizei-Lieutenant macht da ebensolche Freude wie der Auftritt von Mandy Patinkin als durchgedrehtem Taxifahrer und natürich der des berserkernden Dan Hedaya, der sich noch verrückter gebärdet als der main villain, Gus „The Mole“ Soltic. Dass dieser nebenbei tatsächlich nicht ganz auf der Fährte sein kann, merkt man übrigens bereits ziemlich früh, da sein Entführungsopfer ja permanent nach „Daddy“ James Brolin ruft und somit gar nicht die Richtige sein kann. Aber am Ende wird ja Liebe draus, was so Manches erklärt und „Night Of The Juggler“ zusätzlich um ein gutes Pfund Abgründigkeit anreichert. Wann kommt nochmal die Blu-ray?

8/10

SPLIT

„The broken are the more evolved.“

Split ~ USA 2016
Directed By: M. Night Shyamalan

Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) leidet unter einer multiplen Persönlichkeitsstörung. Ganze 23 Charaktere beherbergt seine zersplitterte Seele und einzig seine Therapeutin Dr. Fletcher (Betty Buckley) weiß um die tatsächliche Komplexität von Kevins Leiden. Ihre langjährigen Forschungen hinsichtlich der psychischen Krankheit „Dissoziative Identitäts-Struktur“ haben bereits Erstaunliches zutage gefördert, so glaubt Dr. Fletcher, dass die unterschiedlichen Personen innerhalb eines Menschen sogar ganz verschiedene physiologische Ausprägungen mit sich bringen können. Als sie in den Medien davon hört, dass drei junge Studentinnen, Casey (Anya Taylor-Joy), Claire (Haley Lu Richardson) und Marcia (Jessica Sula), entführt wurden und spurlos verschwunden sind, regt sich sogleich ein unguter Verdacht in ihr, der mit nächtlichen E-Mails von Kevin, in denen er um sofortige Hilfe bittet, korrelliert. Tatsächlich haben sich drei von Kevins Unterpersönlichkeiten, Patricia, Hedwig und Dennis, in den Vordergrund gedrängt, um die Ankunft einer 24. Wesenheit, der „Bestie“, vorzubereiten und zu diesem Zwecke die Mädchen gekidnappt. Die Gefangenen wissen derweil kaum, wie sie mit ihrem irren Entführer zurechtkommen sollen, mit Ausnahme von Casey, die eine ähnlich problematische Kindheit hinter sich hat wie Kevin…

Shyamalan ist wieder bei Kräften und knüpft scheinbar verlustfrei an vergangene Großtaten an (die letzten drei Vorgängerfilme habe ich bis dato bewusst ausgespart, fühle mich jetzt jedoch hinreichend gewappnet, dies zu ändern). Gekonnt steigert er im Verlaufe der Narration sukzessive das Interesse um den Zerfall (bzw. die Evolution, je nach Auslegung) seines Protagonisten, dessen manischen Volten man anfangs ebenso hilflos gegenübersteht wie die drei armen Kidnapping-Opfer. Als aufklärerisches Element und agente sage bietet die Geschichte uns dann die (alters-)weise Analytikerin und ihre anscheinend genaue, sich dann aber natürlich doch als lückenhaft entpuppende Kenntnis des Patienten Crumb. Dessen mehr und mehr verhallende Hilferufe wagt sie sich nicht bis zur letzten Konsequenz zu interpretieren, obwohl sie es doch eigentlich besser wissen müsste. Hinreichend Gelegenheit für eine darstellerische tour de force James McAvoys, dessen Leistung schon jetzt in die Annalen der großen Kino-Irren gehört, zumal der Ansatz, das Prinzip der „DIS“ anders etwa als James Mangold in „Identity“, auf einen Akteur zu beschränken, sich hier als völlig zweckmäßig erweist. Zwar liebäugelt Shyamalan mit dem einen oder anderen Einfluss von offensichtlichen Vorbildern, besitzt jedoch immer noch genug eigene Kreativkraft, um sein Werk stets als originell und spannend durchgehen zu lassen. Das Ende, das „Split“ dann im gleichen erzählerischen Universum wie Shyamalans bisheriges Meisterwerk „Unbreakable“ verortet, ein Mini-Cameo von Bruce Willis als David Dunn bereithält, dessen alten Antagonisten Mr. Glass erwähnt und insofern die Neugier auf große Dinge schürt, derer es nunmehr zu harren gilt, ist natürlich eine veritable, nerdige bombe surprise.

8/10

TARGET

  „A long time ago I worked for the CIA.“ – „Did you kill people?“

Target ~ USA 1985
Directed By: Arthur Penn

Als Donna (Gayle Hunnicutt), die Frau des Holzunternehmers Walter Lloyd (Gene Hackman) während eines Europatrips in Paris gekidnappt wird, reisen er und sein entsetzter Sohn Chris (Matt Dillon) unverzüglich auf den alten Kontinent, um vor Ort mehr über die Entführung zu erfahren. Im Zuge der aufregenden Reise muss Chris auf schonungslose Weise erfahren, dass die Biographie seiner Familie gefälscht und eine Lüge ist: Sein Dad war vor Jahren CIA-Agent, der sich seiner jungen Familie zurliebe zur Ruhe gesetzt und eine neue Identität angenommen hat. Jetzt will ihn offenbar jemand von der Gegenseite aus dem Weg haben, der noch eine alte Rechnung mit Walter, der eigentlich Duke Potter heißt, offen hat. Doch die Dinge sind nicht, wie sie scheinen; es gibt noch einen unbekannten Strippenzieher im Hintergrund.

„Target“ ist ein Vorzeigebeispiel für den künstlerischen Identitätsverlust, den zahlreiche Filmemacher der Ära New Hollywood durchleben mussten, nachdem die Studios sich wieder gefangen und den Blockbuster für sich entdeckt hatten. Arthur Penn, ohnehin ein vergleichsweise gealterter Protagonist der Bewegung und ohnehin von Haus aus spärlicher Arbeiter, hatte in den zehn Jahren zuvor lediglich drei Filme inszeniert, sollte sich bald dem Fernsehen zuwenden und dann ganz aus dem Geschäft zurückzuziehen. Wenngleich „Target“, seine dritte Zusammenarbeit mit Gene Hackman, jedem routinierten Genreregisseur zur Zierde gereichte, spürt man kaum mehr, hier der Arbeit eines Mannes ansichtig zu sein, der mit „Bonnie & Clyde“ oder „Little Big Man“ hinter eminenten Hauptwerken der gesamten amerikanischen Kinohistorie steht. „Target“ ist ein in seinem Timbre überdeutlich von seinen (mitteleuropäischen) Schauplätzen beeinflusster Cold-War-Thriller, dessen anfangs etwas verworren anmutender Plot sich irgendwann zu einer recht trivialen Auflösung vorarbeitet und den eigentlich doch so hübsch konfliktträchtigen, dramaturgisch vielversprechenden Vater-Sohn-Subplot irgendwann einfach beiseite drängt. Auf der Haben-Seite wären natürlich Hackman, der ja sowieso jeden Film bereits durch seine bloße Anwesenheit aus dem Mittelmaß katapultiert zu nennen, sowie eine ziemlich tolle Verfolgungsjagd  am Hamburger Hafen; Speicherstadt und Landungsbrücken inklusiv. Einen dialoglosen Miniauftritt  gönnte man übrigens noch Krauskopf Werner Pochath, der als Adlatus des (vermeintlichen) Bösewichts (Rollenbezeichnung: „Young Agent“) eine etwas obskure Rolle zu bekleiden hat. Immerhin ein erfrischender Lichtblick zwischendrin, während man gerade mal wieder dabei ist, erfolglos nach dem alten, inspirierteren Penn zu fahnden.

7/10

THE NEIGHBOR

„I won’t let you be left down here.“

The Neighbor ~ USA 2016
Directed By: Marcus Dunstan

Cutter, Mississippi ist ein widerliches, kleines Kaff, in dem Kriminelle jedweder Kuleur sich „Guten Tag“ sagen. Für den Golfkriegsveteranen John (Josh Stewart), der unter der scheinbar allmächtigen Knute seines Onkels Neil (Skipp Sudduth) steht und diesen bei seinen Aktionen als Drogenspediteur unterstützt, gibt es nurmehr ein Ziel, nämlich möglichst umgehend sein heimlich Gespartes zu packen und mit seiner Freundin Rosie (Alex Essoe) nach Mexiko durchzubrennen. Was John jedoch nicht weiß: Sein Nachbar Troy (Bill Engvall) betreibt mit seinen zwei Söhnen (Luke Edwards, Ronnie Gene Blevins) ein heimliches Kidnapping-Unternehmen. Als Rosie Troy während Johns Abwesenheit bei seinem Treiben beobachtet, gerät sie selbst in die Gefangenschaft der Unholde…

Nach seinen beiden „Collector“-Filmen tritt Marcus Dunstan wieder ein wenig auf die Bremse und liefert einen kleinen, bösen neo noir, der sich wohltuend bescheiden innerhalb seiner selbst gesteckten Grenzen bewegt, bewusst darauf verzichtet, mehr vorzustellen, als er ist und gerade dadurch erfolgreich ist.
Dass die Südstaaten, oder zumindest deren Bild als medial kultiviertes Klischee als flächenmäßig erheblicher Teil von Amerikas Provinz keine Gegend repräsentieren, in der man als gebildeter Mitteleuropäer allzu gern seine Zelte aufschlagen würde, bestätigt auch „The Neighbor“ ein weiteres Mal. Hier leben sie in dichter Konzentration, die Meth-Köche, die Dealer, die schmierigen Burgerbrater, Halbgebildete, Kriminelle, Trump-Wähler. Unter den wenigen Individuen, die man in „The Neighbor“ kennenlernt, findet sich keines, mit dem man sich gern am Tresen einer Bar im Dialog wiederfände; selbst Protagonist/Held John ist seit seinem Kriegseinsatz offenbar stark enthemmt, was den Einsatz brachialer Gewalt angeht. Immerhin kommt ihm diese „Qualität“ im Gefecht gegen seinen Nachbarn zugute und darin liegt zugleich ein weiterer Bonus des Films: Ausnahmsweise sind sich nämlich die sadistischen Psychopathen und die von ihnen attackierten Kontrahenten sowohl in ihrer Vorgehensweise als auch in der Wahl ihrer Mittel vollkommen ebenbürtig; hier sind es keine großstädtischen College-Kids, die an zivilisationsmüde Rednecks geraten, sondern Typen, die sich ihrer Haut bestens zu wehren wissen und sich in der erzwungen kombattanten Situation halbwegs intelligent anstellen. Weder überreizt und Dunstan mit „Nein, tu’s nicht“-, noch mit „Meine Güte, ist der blöd“-Momenten und, soviel darf verraten werden: Der Unhold steht am Ende nicht wieder auf. Damit hält „The Neighbor“ seine Erzählzeit kurz und konzentriert, beschränkt sich jedoch auf das absolut Wesentliche. Dunstan erzeugt hier und da amtliche Suspense-Momente und zeigt, dass er ein formal versierter Regisseur ist, der sich zwar an einschlägigen Vorbildern orientiert, dabei jedoch hinreichend Eigenständigkeit aufweist, um seinen Film durchweg in Form zu halten.

7/10