THE MIGHTY QUINN

„I put a curse on you!“ – „Believe me, I already got a curse on me.“

The Mighty Quinn (Big Bad Man) ~ USA 1989
Directed By: Carl Schenkel

Xavier Quinn (Denzel Washington), Polizeichef auf einer Karibikinsel, gerät in Anbetracht der ohnehin brüllend heißen Sommertemperaturen sogar noch mehr ins Schwitzen, als Maubee (Robert Townsend), sein bester Freund seit Kindertagen, des Mordes an dem übel zugerichteten Amerikaner Prater verdächtigt wird und seither auf der Flucht im Hinterland ist. Der englische Luxushotelier Thomas Elgin (James Fox) und der ihm hündisch ergebene Gouverneur Chalk (Norman Beaton) unterstützen den Verdacht bezüglich Maubee und wollen eine Obduktion Praters verhindern. Unbeeindruckt von dem politischen Klüngel setzt sich Quinn durch und kommt einer Verschwörung von US-Militärberatern auf die Spur, bei der Zehntausend-Dollar-Scheine, eine uneheliche Schwangerschaft, Giftschlangen und ein CIA-Profikiller (M. Emmet Walsh) jeweils tragende Rollen spielen.

Carl Schenkels erste Arbeit für das Hollywood-Kino (nach dem TV-Film „Bay Coven“) ist ein gut gelaunter, bunter neo noir vor Karibikkulisse, der das Allermeiste richtig macht. Obschon der Name der handlungsortspendenden Insel nicht genannt wird, handelt es sich unschwer erkennbar um Jamaika; nicht nur, dass der Dreh dort stattfand, sprechen auch die breit ausgestellte, spezifische Inselkultur mit diversen Reggae-Songs sowie die Commonwealth-Administration eine deutliche Sprache. Für Denzel Washington darf „The Mighty Quinn“, noch vor Zwicks „Glory“ und seinem ersten Einsatz bei Spike Lee als unverhohlenes Starvehikel gelten – sämtliche Attribute und Qualitäten, die Washingtons späteres stardom ausmachen, treten in diesem Film bereits deutlich zu Tage. In der Rolle des Chief Xavier Quinn ist der Akteur ein Übermann, der beinahe alles im Griff hat – bis auf sein Privatleben, das unter seiner beruflichen Emsigkeit leidet, das er am Ende aber natürlich auch wieder fixen kann. Er ist körperlich bestens in Schuss, bewandert in Capoeira, kann Klavier spielen und saufen, ist ein ebenso breit lächelnd-charmanter wie intelligenter, strikt unbestechlicher Polizist, der auf scheinheilige Autoritäten pfeift und dem schöne Frauen gleich welcher Hautfarbe scharenweise nachlaufen; er hat einen untrüglichen Sinn für die soziale Balance auf der Insel, für Gerechtigkeit und Schweinehundereien aller Art. Eigentlich ein Typ, der locker in Serie hätte gehen können, blieb es leider bei diesem einen Auftritt (zumal der bereits 1971 verstorbene Autor der Romanvorlage wohl nichts Weiteres zu Papier gebracht hatte). Die wenigen im Zuge des Plots auftretenden Weißen sind ausnehmend böse oder zumindest höchst unsympathisch, womit zugleich noch ein wenig verjährter Blaxploitation-Zauber beschworen wird. Auf der Tonspur sind mehrere modernisierte Coverversion von Bob-Marley-Klassikern zu hören sowie natürlich das ursprünglich von Bob Dylan stammende Titelstück in Offbeat-Bearbeitung mit weiblichem Gesang. Zudem gibt es noch eine hübsche, unschwer identifizierbare Hommage an „Dr. No“.

7/10

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VICE SQUAD

„You wanna know where you can find Barkis?“

Vice Squad (Sittenpolizei) ~ USA 1953
Directed By: Arnold Laven

Ein stressiger Tag für Captain Barnaby (Edward G. Robinson), Chef eines der Reviere des LAPD: Nicht nur, dass er zu einem Live-Interview im Fernsehen eingeladen ist – eine junge Dame (K.T. Stevens) bittet ihn, ihre Mutter vor einem Heiratsschwindler (John Verros) zu bewahren; der verdiente Streifenbeamte Kellogg (William Boyett), der in der Nacht zuvor zufällig ein paar Gangster während eines Autodiebstahls auf frischer Tat ertappt hat, liegt angeschossen im Krankenhaus im Sterben. Der einzige Zeuge der Tat, der Beerdigungsunternehmer Hartrampf (Porter Hall), der gerade von einem außerehelichen Techtelmechtel kam, schweigt sich stoisch aus. Derweil erfährt Barnaby von einem geplanten Banküberfall, den just dieselbe Bande begehen soll, die Kellogg auf dem Gewissen hat. Um den Aufenthaltsort der Ganoven in Erfahrung zu bringen, sucht sich Barnaby unter anderem Hilfe bei der Puffmutter Mona Ross (Paulette Goddard).

Ein ebenso kolportagefreudiger wie gut gelaunter Blick in einen Arbeitstag eines police chief von Los Angeles. Das vor allem hinsichtlich seiner ironisch-klugen Dialoge wundervoll ausgearbeitete, straffe Script führt den dankbar inszenierenden Arnold Laven scheinbar mühelos durch seine von witzigen bis dramatischen Eckpfeilern getragene Geschichte, die auch und vor allem von der zeitlichen Verdichtung der erzählten Zeit auf nur einen Tag profitiert und lebt. „Vice Squad“ nimmt sich trotz seiner mithin atemlosen Wendungen hinreichend Zeit, diverse quirlige Nebenfiguren einzuführen, sowohl aus dem Halbweltmilieu wie auch aus der gebeuteln Exekutivabteilung, deren Mitarbeiter dem stets coolen, sonoren Robinson unterstehen. Die als Pflichtkontrast eingegebenen Gangster, allen voran deren böser und brutaler Chef Al Barkis (Edward Binns), sind hundsgemeine Lumpen, denen man rasch alles Schlechte der Welt an den Hals wünscht; Barnabys Team besteht indes ausschließlich aus ehrbaren, folgsamen und vor allem unbestechlichen Beamten, von denen jeder 110 Prozent gibt. Allen voran Barnaby selbst, der auch schonmal gern mit fiesen Tricks und deftigeren semilegalen Mitteln arbeitet, um seine Ziele zu erreichen. Selbstredend liegt er damit rein moralisch betrachtet immer goldrichtig.
In „Vice Squad“ war die Welt noch in Ordnung und alles an seinem Platze. So wie Arnold Laven, der leider nach nur elf Filmen zum Fernsehen wechselte und mit vielversprechenden Arbeiten wie der vorliegenden eigentlich einen sauberen Start im Segment der späten films noirs hingelegt hatte. Später kamen dann neben dem erquicklichen Riesenmollusken-Horror „The Monster That Challenged The World“ noch ein paar ordentliche Western hinzu. Schade, dass dann so rasch Schluss war und die dröge Mattscheibe lockte.

8/10

DANGEROUS MISSION

„Why did you stop dancing when they played ‚One More For The Road‘?“

Dangerous Mission (Blut im Schnee) ~ USA 1954
Directed By: Louis King

Im beschaulichen Glacier National Park in Montana wird ein New Yorker Gangsterboss (Frank Wilcox) erschossen. Der Tat verdächtigt wird fälschlicherweise der Blackfoot-Indianer Katoonai Tiller (Steve Darrell), der sich seither auf der Flucht befindet. Das Syndikat beauftragt indes einen weiteren Killer, Louise Graham (Piper Laurie), Angestellte in einem Hotel vor Ort und einzige Zeugin des Mordes, durch einen „Unfall“ verschwinden zu lassen. Doch welcher der beiden neuen Gäste, die Louise jeweils pausenlos umgarnen, ist der Attentäter? Der joviale, sich geheimnisvoll gebende Matt Hallett (Victor Mature), oder doch der etwas verhuschte, aber überaus freundliche Paul Adams (Vincent Price)…?

Wenn ich im Zusammhang mit der siebenten Kunst aufschnappe oder lese, dass der eine oder andere Film „gut“ beziehungsweise „schlecht“ gealtert sei, platzt mir regelmäßig die Hutschnur. Filme sind weder Wein noch Käse, die mit zunehmender Lagerung kostbarer werden oder einen besonderes Bouquet entfalten; sie müssen nicht abgehangen oder gut gekühlt sein, um einem möglicherweise besonders wählerischen Gaumen besser zu munden. Auch ist es mitnichten der primäre (und ebensowenig der sekundäre) Auftrag eines Films, sich „gut zu halten“ (was auch immer das im Einzelnen bedeuten mag), um sein potenzielles Publikum auch nach Jahren und Jahrzehnten noch zu becircen. Vielmehr bildet Film Zeit ab und konserviert sie, ist Momentaufnahme und Porträt von allem, was er zeigt, was ihn selbst, sein Wesen und die Leistung der vielen an ihm beteiligten Künstler ausmacht.
Eine besondere Aufgabe kommt in dieser Hinsicht lediglich dem Rezipienten zu; jener hat sich nämlich mit bedingungsloser Empathie an den Entstehungskontext des betrachteten Werks anzupassen und keinesfalls umgekehrt. Nicht der Zuschauer, sein Verstand oder Empfinden bilden das kulturelle Artefakt, sondern der jeweils von ihm gewählte Film.
„Dangerous Mission“ ist ein Film, dem man mit Leichtigkeit vorwerfen könnte, er wäre „schlecht gealtert“. In Technicolor und vor allem in 3-D produziert von der bereits darbenden RKO und dem späteren Katastrophenspezi Irwin Allen, inszeniert von dem vielbeschäftigten Auftrags- und späteren TV-Regisseur Louis King, ist „Dangerous Mission“ gewiss kein Kabinettstück. Er oszilliert unentschlossen zwisch film noir und billigem Abenteuerkino. Es gibt eine Felslawine und einen gigantischen Waldbrand, die mit dem Kernplot überhaupt nichts zu tun haben und im Prinzip eine rein sensationalistische Funktion erfüllen. Nach gegenwärtigen Maßstäben ist „Dangerous Mission“ zudem ein gefundenes Fressen für Fahnder von strukturellen Alltagssexismen (die beiden handlungstragenden Frauen benehmen sich so einfältig wie naiv) und -rassismen (amerikanische Ureinwohner werden als etwas alberne Folklorelieferanten der Lächerlichkeit preisgegeben) in der historischen Unterhaltungskultur. Der Film meint all das gewiss nicht bös, wegzuleugnen ist es jedoch ebensowenig. Dem gegenüber steht ein repräsentatives Werk seiner Zeit, ein vergessenes Stück Kinohistorie, das mit einem fabelhaften Ensemble sowie großartigen, weil oftmals verschmitzten Darstellerleistungen aufwarten kann und bei aller Überkommenheit eine professionelle Alltagsroutine transportiert, von der etliche der gegenwärtig in diesem Preissegment arbeitende Filmemacher allerhöchstens ächzend den Hut ziehen dürfen.
Ungeachtet aller berechtigten Vorwürfe – ich liebe diese Art Kino, es wärmt mir das Herz.

6/10

THE NAKED CITY

„Another day, another ball of fire rising in the summer sky.“

The Naked City (Stadt ohne Maske) ~ USA 1948
Directed By: Jules Dassin

Mitten im hochsommerlichen Manhatten wird eine junge Frau namens Jean Dexter des Nachts brutal ermordet. Der mit den Ermittlungen betraute Lieutenant Muldoon (Barry Fitzgerald), ein alter Hase in der Mordkommission, benötigt neben einem treuen Mitarbeiterteam und seiner feinen Nase nur wenige Tage, um die nicht unkomplizierten Zusammenhänge aufzuschlüsseln, die zum gewaltsamen Tode des Opfers geführt haben.

Mit keinesfalls unverhohlenem Stolz verkündet Mark Hellinger, der kurz nach seiner Betrachtung der endgültigen Schnittfassung verstorbene Produzent von „The Naked City“, gleich zu Beginn aus dem Off, dass der Film keineswegs wie üblich im Studio-Atelier, sondern vor Ort in New York City entstanden sei und die Stadt und ihre Menschen völlig ungeschminkt zeige. Hellinger (in der deutsch vertonten Fassung Paul Klinger) ließ es sich nicht nehmen, auch den weiteren Verlauf der Geschehnisse mit flotten Kommentaren zu flankieren und schlägt dabei als auktorialer Naseweis leider hier und da über die Stränge. Es hätte gut und gern bei Pro- und Epilog bleiben dürfen, obschon diese relativ umweglos zu vernachlässigende Schwäche Dassins ansonsten makellosen Film gewiss keinen Strick dreht. Und es stimmt tatsächlich: Die vor Ort arrangierten Dreharbeiten geben Zeugnis einer filmischen Pionierleistung. Als durchaus sozialkritisch intendiertes Kunstartefakt politisch vornehmlich links positionierter Filmemacher ist „The Naked City“ mit seinen vielen cameos indes nurmehr ansatzweise identifizierbar. Nur wenige Szenen zeugen noch von einer Porträtierung des ökonomischen Gefälle innerhalb der schwitzenden Urbanität, die ursprünglich ein fester Bestandteil der Narration hätten sein sollen – Autor Albert Maltz, Mitglied der Kommunistischen Partei, hatte vor dem HUAC die Aussage verweigert und konnte zum Zeitpunkt der Filmpremiere bereits nicht mehr arbeiten, Dassin, der kurz darauf von Kazan und Dmytryk denunziert wurde, musste sich alsbald ins europäische Exil flüchten. Als direkte Folge jener „Umtriebe“ (um in der Terminologie McCarthys zu bleiben) wurden sämtliche Stellen, die „The Naked City“ als Produkt linken Filmemachens hätten ausweisen mögen, entfernt. Immerhin langte es dann für eine elf Jahre später lancierte TV-Serie mit John McIntire in Barry Fitzgeralds Rolle, die sogar vier Staffeln durchhielt.
So oder so bleiben ein eminentes Zeitzeignis sowie ein durchweg sehenswerter Film, dessen Visualität Einflüsse des berühmten Stadtphotographen Weegee ebenso in sich vereint wie die Ästhetik des Neorealismus. Für einen film noir ist „The Naked City“ folglich geradezu ungewöhnlich hell und offen, was seinen stolzen Sonderstatus innerhalb der Gattung präserviert.

8/10

WIND RIVER

„Luck don’t live out here.“

Wind River ~ USA/CA/UK 2017
Directed By: Taylor Sheridan

Nachdem die Arapaho-Indianerin Natalie (Kelsey Asbille) tot im winterlichen Wind-River-Reservat aufgefunden wurde, nehmen sich der ortskundige Jäger und Fährtenleser Cory Lambert (Jeremy Renner) und die FBI-Agentin Jane Banner (Elizabeth Olsen) des Falles an. Denn obschon kein direkter Beweis für einen Mord vorliegt, gibt es deutliche Anzeichen für eine Vergewaltigung sowie dafür, dass Natalie in Todesangst um ihr Leben gerannt und dann infolge der Eiseskälte gestorben sein muss…

Das Finale der von Taylor Sheridan gescripteten „border trilogy“ nach „Sicario“ und „Hell Or High Water“ und außerdem der einzige Film jener kleinen Reihe, den der Autor selbst (als zweite Regiearbeit nach sechs Jahren) inszeniert hat, fällt zugleich leider auch am Schwächsten von den Dreien aus. Dieser – wenngleich auf recht hohem Niveau zu äußernde – Vorwurf betrifft Buch und Story gleichermaßen. Sheridan versucht hier, eine Allegorie die fortwährende völkische Misshandlung der amerikanischen Ureinwohner betreffend zu konstruieren. Wie das sich zu Tode rennende, brutal vergewaltigte Opfer, so die relativ grob formulierte Metaphorik des Films, werden die natives nunmehr seit Jahrhunderten in die Knie gezwungen, geschunden und gehetzt. Kulturelle Durchweichung, Bildungsferne, Armut, Alkohol- und Drogenmissbrauch sind die Folgen der zum Großteil noch immer in Reservaten wie Wind River, Wyoming dahinsiechenden Menschen. Diesem unbestreitbar fürchterlichem Zustand wurden schon häufiger Genrefilme gewidmet. „Wind River“ steht also als jüngster Beitrag einer bisweilen stolzen Ahnenreihe. Ob er es als solcher noch immer nötig hat, einen Weißen in der modernisierten Tradition von Lederstrumpf und Old Shatterhand als ethnischen Stellvertreter in den heroischen Mittelpunkt seiner Story zu stellen, halte ich für fragwürdig bis kontraproduktiv. Den ansonsten im Film vorkommenden Indianern fehlt wahlweise Kraft, Legitimation oder Ehrgeiz um die am Ende zur Selbstjustiz ausartenden Bestrafung des bzw. der feigen Mörder Natalies und ihres Freundes (Jon Bernthal) selbst durchzuführen. An deren Statt muss Jeremy Renner etwas wichtigtuerisch jenen Vergeltungsakt übernehmen, der als Ex-Mann einer Stammeszugehörigen (Julia Jones) und Vater einer einst gestorbenen Tochter, die zugleich Natalies beste Freundin war, passend dazu hinreichend Handlungsmotivation auf den Leib geschrieben bekam. Doch nicht nur im Hinblick des kritikwürdigen Plots, auch was die Schaffung involvierender Atmosphäre anbelangt, bleibt „Wind River“ hinter seinen beiden meisterhaften Vorgängern zurück.
Gewiss ist „Wind River“ all meinem obigen Geunke zum Trotz keinesfalls als missglückt zu bezeichnen – seine karge Grundierung und einzelne Szenen wie der shoot out im Camp der Ölraffinerie-Arbeiter lassen ihn in seiner Gesamtheit bestimmt noch immer als sehenswert dastehen. Nur dem sich zwangsläufig stellenden Vergleich mit zwei anverwandten veritablen Kinogroßtaten, dem hält Sheridans Film am Ende nicht ganz stand.

7/10

BLADE RUNNER 2049

„Things were simpler then.“

Blade Runner 2049 ~ USA/UK/CAN/HU 2017
Directed By: Denis Villeneuve

Los Angeles, 2049. Dreißig Jahre, nachdem Rick Deckard (Harrison Ford) und die Replikantin Rachael verschwunden sind, stößt der Blade Runner K (Ryan Gosling), selbst ein Replikant der neueren Bauart „Nexus 9“, nach der Stilllegung eines seiner flüchtigen Artgenossen (Dave Bautista), die sich als Renegaten selbstständig gemacht haben und verstecken, auf ein Grab, in dem sich die Überreste einer Replikantin befinden, die offenbar während einer Niederkunft gestorben ist. Der hochbrisante Fund, der beweist, dass die künstlichen Wesen zur Fortpflanzung fähig sind, unterliegt einerseits strengster Geheimhaltung – K erhält den Auftrag, sämtliche mögliche Mitwisser ebenfalls in den Ruhestand zu versetzen – und erregt andererseits das Interesse des Großindustriellen Niander Wallace (Jared Leto), der die frühere Tyrell Corporation übernommen hat und nunmehr führender Magnat auf dem Konstruktionssektor künstlicher Intelligenz ist. Wallace will unbedingt herausbekommen, welcher auslösende Faktor für die Fruchtbarkeit der Replikantin, bei der es sich um Rachael handelte, verantwortlich ist und wo sich ihres und Deckards Kind mittlerweile erwachsenes Kind befindet. Er lässt sowohl K als auch Deckard, den K sucht und schließlich im verlassenen Las Vegas ausfindig macht, jagen.

Tja. Der großen Euphorie, die „Blade Runner 2049“ bei seiner Kinopremiere empfing, kann und mag ich micht nicht recht eingemeinden, letzlich aus primär subjektiven, stark emotional gefärbten Gründen, wie ich anschließen möchte. Vermutlich stellt Dennis Villeneuves Film die bestmögliche aller denkbaren Alternativen dar, nachdem man sich der zwangsläufigen Hypothese widmet, wie ein etwaiges Sequel, so man sich denn mit der Idee arrangiert, dass ein solches überhaupt eine Existenzberechtigung erhält, sonst noch ausgefallen sein könnte. Ich gelange im Zuge aller diesbezüglichen Überlegungen jedoch immer wieder in dieselbe gedankliche Sackgasse, die mich starken Zweifeln eben genau darüber aussetzt, ob eine Fortsetzung überhaupt nötig war und ist.
„Blade Runner“ ist für mich (ausschließlich eigenbiographisch betrachtet) das möglicherweise wichtigste Exponant der Siebenten Kunst überhaupt. In einigen der vulnerabelsten und sensibelsten Phasen meines Lebens hat Ridley Scotts unglaublich reichhaltiger Film mir elementare Antworten beschert und meiner Liebe zum Medium Film den unerschütterlichsten aller Sockel gegossen. Vielleicht gab es sogar Zeiten, in denen er mich buchstäblich gerettet hat. Wenn ich an meine Phase zwischen dem dreizehnten und zwanzigsten Lebensjahr zurückdenke, was grob der Spanne zwischen 1989 und 1996 entspricht, denke ich an viele wichtige charakteristische Ereignisse, unter denen die immer wieder erfolgenden, regelmäßigen Betrachtungen dieses Films auf den oberen Plätzen rangiert. Ich muss „Blade Runner“ damals gewiss um die fünfzig Male (oder öfter?) gesehen haben, in den unterschiedlichsten emotionalen, psychischen und Bewusstseinszuständen und habe ihn dabei so sehr durchdrungen und internalisiert, wie das bei und mit einem Film wohl überhaupt nur möglich ist.
Soviel zu der Frage, auf welchen Nährboden eine Fortsetzung in meinem Herzen und meinem Verstand stößt. Jener Nährboden ist über die Jahre kultiviert, beackert, zerfurcht wurden, hier und da zur Brache verödet, aber immer wieder zu neuer Blüte erwacht. „Blade Runner 2049“ hat insofern den ersten, nebligen Effekt auf mich, als versuchte jemand, mir den urplötzlich aufgetauchten Bruder eines immens wichtigen, alten, liebgewonnenen Freundes als gleichwertig vorzustellen und zu sagen: „Bitte, der ist jetzt da, finde ihn toll. Du kennst ihn zwar nicht, aber er kann und weiß alles, was dein Kumpel kann und weiß, ist aber viel jünger, jovialer und total selbstbewusst.“ Am Ende, nach einer gemeinsamen Kneipentour vielleicht, fand ich den Burschen eigentlich nicht mal unsympathisch, aber brüderliche Liebe? Von jetzt auf gleich noch dazu? Niemals.
Villeneuve spinnt also das originäre „Blade Runner“-Universum fort. Nicht das von Dick, sondern das von Scott, dezidiert das Kino-Universum. In der filmischen Realität ist etwas weniger Zeit vergangen als in der unsrigen, tatsächlichen, nämlich nur dreißig statt fünfunddreißig Jahren. L.A. ist noch immer ein gewaltiger, urbaner Moloch, mittlerweile so extrem vom Smog durchdrungen wie eine chinesische Großstadt bereits heute, dröhnen die Häuserschluchten nach wie vor vom cityspeak wieder. Die neueren Replikanten teilen sich ihren Status als künstlich intelligente, lebensechte Kreaturen mit holographischen Freunden und HausgenossInnen, die mögliche Einsamkeit kompensieren. Auch K gehört zu jener jüngeren Androidengeneration, die um ihre existzenziellen Wurzeln wissen und sich kritiklos mit ihnen abfinden können, um Rebellionen, wie es sie früher immer mal wieder unter ihren unzufriedenen Vorgängermodellen gab, vorzubeugen. K weiß, dass seine Kindheitserinnerungen artifizieller Natur sind. Sein Ich-Bild gerät zwar zwischenzeitlich zunehmend ins Wanken, rekonfiguriert sich jedoch nach der bitteren Desillusionierung, dass er doch nicht „mehr“ ist, als er kurzfristig zu sein glaubt.
Dennoch steht wie damals der große, philosophische Diskurs im Zentrum, was Menschlichkeit überhaupt ausmacht und ob sie sich zuverlässig definieren lässt. Die Antwort, die Villeneuves Film liefert, ist dabei sehr viel eindeutiger als damals die bei Scott. In einem Interview gab Villeneuve zum Besten, er „liebe Geheimnisse“. Dem trägt er dadurch Rechnung, dass die Frage nach Deckards Identität weiterhin unbeantwortet bleibt. Replikanten gibt es mittlerweile nämlich in den unterschiedlichsten Variationen. Manche, die mittlerweile als Fehlschlag kategorisiert sind und nach wie vor gejagt werden (warum K nebenbei nicht arbeitslos ist), haben eine unbeschränkte Lebensdauer, andere, wie K, sind zumindest augenscheinlich im Hinblick auf ihre reine Funktionalität hin, optimiert und problemlos, indem sie weder sich selbst, noch ihre Entstehung hinterfragen.
„How can it not know what it is?“ fragte Deckard den alten Tyrell einst, nachdem er die sich menschlich glaubende Rachael dem Voight-Kampff-Test unterzogen hatte und feststellte, dass sie künstlich sein muss. So tief geht „Blade Runner 2049“ nicht mehr. Die Revolte gegen ihre gottgleichen, menschlichen Schöpfer pflegt eine kleine Replikanten-Gruppe unter der geheimnisvollen Freysa (Hiam Abass), nun organisiert und aus dem Untergrund heraus. Eine vergleichsweise lose, inhaltliche Volte, die vornehmlich dazu dient, K, der mit Goslings schiefem Dackelblick immer konsequenter zum Humandasein schielt, gegen Ende doch noch den Boden unter der Füßen wegzuziehen. Ihm bleibt dann nur noch die überfällige Familienzusammenführung, bevor er zu Vangelis‘ Partitur (die jetzt von Hans Zimmer und Bejamin Wallfisch aufbereitet wird), im Schnee sitzt und (vermutlich) ausgeht, in den Ruhestand versetzt wird, sprich. Time to die. Again. Ob ich das sonderlich originell finden möchte, wie so viele andere Elemente, die Villeneuve siegesgewiss als genau das – nämlich originell – veräußert, kann ich noch immer nicht recht sagen.
„Blade Runner 2049“ ist gewiss kein schlechter Film. Er ist immer noch hinreichend visionär und von etlichen Meistern ihres Fachs in streckenweise gewiss bravourösem Zusammenspiel kreiert worden. Er macht seinem Vorbild keine Schande und erweist ihm seine Ehrerbietung, so gut es ihm möglich ist. Der göttliche Funke jedoch, jener manchmal winzig kleine Sprenkler, der schlussendlich veritables Genie vom zuverlässigen Gesellenstück abhebt, der fehlt.

8/10

REGRESSION

„I am starting to use my head again.“

Regression ~ E/CAN 2015
Directed By: Alejandro Amenábar

Ländliches Minnesota, 1990. Detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) soll im Falle Gray ermitteln, in dessen Zuge der religiös verbrämte Vater John Gray (David Dencik) offenbar seine Tochter Angela (Emma Watson) sexuell missbraucht haben soll, sich an die Tat jedoch nicht mehr erinnern kann. Mithilfe des Psychologen Kenneth Raines (David Thewlis) will Kenner den Ereignissen auf die Spur gehen: Täuscht Gray seine Amnesie nur vor oder haben die zugrunde liegenden Geschnisse sich womöglich ganz anders zugetragen? Kenner, der von zunehmend bizarren Albträumen heimgesucht wird und sich von merkwürdigen Gestalten verfolgt sieht, beginnt bald an die Theorie eines Satanskults zu glauben, dessen Opfer Angela wurde…

Viel Rauch um Nichts in diesem doch recht enttäuschenden Pseudo-Horror- und Familiendrama des Spaniers Alejandro Amenábar, dessen Erste-Klasse-Spukhausfilm „The Others“ damit weiterhin seinen Status des unangefochtenen Schaffensjuwels in seiner Regisseurskrone präserviert. Diese Geschichten, in denen ein vermeintlicher Unschuldsengel treudoofe Ermittler, seien es Polizisten, Anwälte oder sonstwie naive Naturen, an der Nase herumführt bis zum bitteren Ende der Erkenntnis, die kennt man. Zumeist haben diese ganz speziellen Mimen der Innozenz aber ja ihre ureigenen Gründe, die weltlichen Vertreter von Recht und Gesetz an der Nase herumzuführen und diese sind dann auch nicht immer ganz unverständlicher Natur. Die aparte Emma Thompson verfügt in „Regression“ selbst über einen solchen; sie ist als nicht ganz unverdorbenes Früchtchen nämlich schlichtweg der einengenden Schranken ihres kleinbürgerlichen Landeierdaseins überdrüssig, das aus biederem Spießertum, Vorhaltungen, Unterdrückung und anderem Althergebrachten besteht. Den früheren Unfalltod ihrer Mutter lastet sie nämlich ebenfalls den Umständen an und selbst so enden will sie verständlicherweise nicht. Eine kurzerhand aus dem Hut gezauberte Missbrauchsstory, so die zwingende Logik, könnte da bald schon für einseitige Erleichterung zu sorgen und die gute Angela soll Recht behalten.
Tatsächlich gab es in den Achtzigern und Frühneunzigern eine ganze Kette von angeblichen Vergewaltigungen von Schutzbefohlenen, deren Angeklagte sich im Nachhinein oftmals wahlweise als völlig unschuldig erwiesen oder die zum Opfer  komplett tendenziöser Verhandlungsführung wurden, so etwa im Falle des berüchtigten Oak Hill satanic ritual abuse trial, in dessen Zuge das texanische Ehepaar Keller 1991 wegen satanistisch motivierten Kindesmissbrauchs zu jeweils 48 Jahren Haft verurteilt wurde. Erst im November 2013 kamen sie aufgrund möglicher Verfahrensfehler frei und wurden im Sommer letzten Jahres nach hinreichender Aufarbeitung der tatsächlichen Ereignisse, die vor vor allem Resultate einer abstruse Formen annehmenden Massenhysterie der beteiligten Ankläger widerspiegelten, endgültig für unschuldig erklärt.
„Regression“ macht sich ein paar Fakten dieses und anderer Fälle zunutze, entwickelt jedoch bei Weitem nicht die Tragweite, derer dieses kaum fassbare Sujet eigentlich bedürfte. Eine wirklich ordentliche Aufbereitung der tatsächlichen Ereignisse in Filmform steht weiterhin aus, aber stattdessen begnügt man sich lieber mit seicht Angesetztem wie dem hier oder verwurstet gleich angeblich authentische Fälle von Dämonenaustreibungen irgendwo in hillbilly country.

4/10