SOLO: A STAR WARS STORY

„Everything you’ve heard about me is true.“

Solo: A Star Wars Story ~ USA 2018
Directed By: Ron Howard

Der junge Corellianer Han (Alden Ehrenreich) träumt davon, gemeinsam mit seiner Freundin Qi’ra (Emilia Clarke) von seinem finsteren Ganovenplaneten und somit den Fängen der Gangsterkönigin Lady Proxima zu entkommen. Zumindest ihm gelingt eines Tages die Flucht, derweil Qi’ra zurückbleiben muss. Nachdem er sich jetzt Han Solo nennt, führt ihn sein folgender, mehrjähriger Werdegang über eine kurze Karriere bei den imperialen Streitkräften bis hin in die anfangs turbulente Kumpanei mit dem Wookie Chewbacca (Joonas Suotamo) und in die Gesellschaft des Kleingangsters Tobias Beckett (Woody Harrelson), der mit seiner kleinen Clique wiederum für den weitaus mächtigeren Syndikatsboss Dryden Vos (Paul Bettany) arbeitet. Auch Qi’ra befindet sich mittlerweile im engeren Dunstkreis von Vos – wobei ihr Interesse an Han merklich abgekühlt scheint. Um eine offene Rechnung zu begleichen, müssen Beckett und Han eine größere Menge des raren Raumschifftreibstoffs Coaxium erbeuten und es zudem noch raffinieren lassen. Mithilfe des Spielers Lando Calrissian (Donald Glover) und seines rasanten Schiffs gelingt der Coup unter einigen Turbulenzen. Als Han schließlich auf dem ausgebeuteten Planeten Savareen feststellen muss, dass die intergalaktischen Verbrechersyndikate um keinen moralischen Deut besser agieren als das Imperium, dass sie vielmehr sogar mit der Diktatur paktieren, wendet er sich gegen Becket, Vos und Qi’ra…

Der zweite außerchronologische filmische „Star Wars“-Ableger seit der Übernahme des Franchise durch den Disney-Konzern erlebte bereits während seiner Produktionsphase mehr Stolpersteine als die Titelfigur während des gesamten Films: Ron Howard übernahm die Regie, nachdem die zunächst inszenierenden Phil Lord und Chris Miller zu höchster Unzufriedenheit der Produktionsleitung gearbeitet hatten. Diverse Nachdrehs, die das zuvor stark komödiantisch basierten Timbre auszugleichen hatten und sogar teilweise Umbesetzungen nötig machten, oblagen nun Howard, der erstaunlicherweise einen trotz aller vormaligen Pannen homogen wirkenden „Star Wars“-Film vorzulegen vermochte. Freilich wird bei Produktionen dieser Größenordnung kaum etwas dem Zufall überlassen sein, so dass zumindest ein halbwegs befriedigendes Resultat zwingend zu erwarten war. Das Script von Lawrence Kasdan und seinem Sohn Jonathan entspricht dabei in Grundzügen einer deutlich erkennbaren Variation von Robert Louis Stevensons „Treasure Island“, mit Han Solo als Ersatz für deren Erzähler Jim Hawkins und Tobias Beckett als seinem hassgeliebten Ersatzvater Long John Silver. Die übrigen Figuren, die bereits seit der Urtrilogie relativ zwingend mit Solos Biographie verwoben sind, also vor allem Chewbacca und Lando Calrissian, finden sich relativ geschickt in den Plot eingeflochten. Auch den zumindest an Jabba The Hutt gemahnden Hinweis vergaß man gegen Ende nicht, wie überhaupt diverse lose Enden die breite Option für ein „Solo“-Sequel gewährleisten. Darüber hinaus versäumen Regisseur Howard und sein alter Freund George Lucas es nicht, zahlreiche fankitzelnde Reminiszenen an frühere Gemeinschafts- und Einzelarbeiten unterzubringen, deren Ausfindigmachen dazu angetan ist, jedem wahren Geek das eine oder andere Freudentränchen zu entlocken.
Als im Prinzip überaus klassisch konnotiertes, buntes Piratenkino vor dem universellen Hintergrund der beliebten space opera „Star Wars“ und ihrer immer weiter ziehenden Kreise bietet „Solo“ insgesamt absolut solides, handwerklich zumeist auf der Höhe befindliches und phasenweise sogar schönes Handwerk der monetären Luxusklasse, das zwar hier und da über den Wert und Sinn derart gewaltig budgetierter Filme grübeln lässt, seine nichtsdestotrotz zahlreichen Versprechen aber immer wieder tosend einzulösen pflegt.

7/10

Advertisements

SUMMER OF 84

„Even serial killers live next door to somebody.“

Summer Of 84 ~ USA/CA 2018
Directed By: François Simard/Anouk Whissell/Yoann-Karl Whissell

Im Sommer 1984 entwickelt der im Städtchen Cape May, Oregon lebende, 15-jährige Davey (Graham Verchere) den dringenden Verdacht, dass sein Nachbar, der allein lebende Polizist Wayne Mackey (Rich Sommer), jener Serienkiller ist, der in der Gegend sein Unwesen treibt und auf dessen Konto vermutlich bereits mehrere vermisste Jungen in Daveys Alter gehen. Zusammen mit seinen drei Freunden Woody (Caleb Emery), Eats (Judah Lewis) und Curtis (Cory Gruter-Andrew), die Davey bald mit seinen detektivischen Umtrieben ansteckt, macht sich der Junge daran, Mackey zu entlarven. Doch dieser erweist sich als deutlich cleverer denn zunächst angenommen…

Your monthly retro piece. Bereits vor längerer Zeit losgetreten von Richard Kellys „Donnie Darko“ und später dann endgültig erodierend ausgelöst durch Filme wie J.J. Abrams‘ „Super 8“ und natürlich das Netflix-Serial „Stranger Things“ scheint die Nostalgie-Welle, die vor allem die romantisierten Kleinstadt-Sozietätsbilder der vielen Spielberg-Produktionen der achtziger Jahre, der von ihm gesteuerten Produktionsfirma Amblin und all derer vielen großen und kleinen Epigonen beschwört, noch nicht gesättigt. Das Regie-Trio Simard/Whissell/Whissell, dessen eingeschworene Allianz sich auch „Roadkill Superstar“ (RKSS) nennt und dessen Debüt „Turbo Kid“ ich beizeiten nachholen werde, hat sich offenbar ganz dieser Form des atmosphärischen Retro-Chic verschrieben – durchaus erfolgreich, wie der weitgehend gelungene „Summer Of 84“ vorsichtig bestimmen lässt. Auf (semi-)phantastische Elemente wie verlorene Schätze, Aliens, kleine Monster oder postapokalyptische Abenteuerszenarien wird diesmal gänzlich verzichtet zugunsten eines sich mit zunehmendem Filmverlauf ernster gestaltenden Serienkiller-Topos, der im letzten Fünftel ein im Verhältnis zur trügerischen Basis des Plots geradezu eklektisch ausformuliertes Ende einläutet. Darin schieben die AutorInnen sämtlichen eben noch sehr in der Vorbilderzeit verankerten Coming-of-Age-Klischees, die von Außenseiter-Freundschaft über Familienidyll bis hin zu erster Liebe und unterstützender, sommerlicher Lichtdurchflutung diverse Pflichtelemente akribisch abhaken, einen finster-realistischen Riegel vor. Erwachsenwerden bedeutet in „Summer Of 84“ zugleich die höchst destruktive Konfrontation mit Verlust, Angst und Tod, garantiert ohne erlösendes Element. Davey muss seine juvenile Neugier, die ihn und seine Freunde anfangs wie die übliche, abenteuerlustige Kinderclique der Ära blind macht für die tödliche Gefahr, in die sie sich begeben, teurer bezahlen als ihm lieb sein kann. Mit der Entlarvung des Mörders folgt zugleich die Erkenntnis der totalen Ohnmacht; gegen die viehische Brutalität des psychopathischen Lebenssammlers Mackey, der so ganz ohne identitätsverschleiernde Maskerade auftritt und sein Werk mitten im Herzen trauter Nachbarschaft praktiziert, kann Davey es nicht aufnehmen. Diese Erkenntnis kommt für ihn viel zu spät – nachdem er sich kurz im Glanze öffentlicher Heldenverklärung sonnen darf, heißt es Abschied nehmen, nicht nur von der Naivität der Kindheit, sondern auch vom besten Freund, dessen gewaltsamen Tod mittelbar auch Davey verschuldet, von den anderen Kumpels und ihren fragilen Elternhäusern, von der Angebeteten, die die Stadt verlässt und vor allem von der im Teenageralter noch unantastbaren Sicherheit der Unsterblichkeit.
Anders als zuletzt noch in ersten Teil des „It“-Neuverfilmung lässt sich das Ungeheuer in „Summer Of 84“ auch mit vereinten Kräften nicht in die Schranken weisen. Der Grund dafür ist so simpel wie einleuchtend: Hierin ist das Monster keine übernatürliche Wesenheit, sondern, viel schlimmer – ein Erwachsener.

7/10

THE CROW

„What are you supposed to be? A clown or something?“

The Crow ~ USA 1994
Directed By: Alex Proyas

Der Rockmusiker Eric Draven (Brandon Lee) und seine Braut Shelly (Sofia Shinas) werden am Vorabend von Halloween nach einem Beschwerdebrief Shellys betreffs ihrer desolaten Wohnsituation infolge eines Auftrags des Eigentümers und Gangsterbosses Top Dollar (Michael Wincott) brutal ermordet. Auf den Tag ein Jahr später kehrt Eric als übernatürlicher Superheld aus dem Grab zurück, um seinen und Shellys gewaltsame Tode zu rächen.

Die Comicvorlage von James O’Barr fand ich schon als Teenager ziemlich schwülstig. Was dann jedoch als Filmadaption derselben das Licht der Welt erblickte, lässt mich bis heute kaum ruhig schlafen. Seit 1994 habe ich „The Crow“ in mehr oder weniger regelmäßigen Abständen vier Male angeschaut. Die letzten drei und somit auch die jüngste Betrachtung erfolgten in zunehmendem Maße mehr oder weniger aus Gründen, mich der Zuverlässigkeit meiner Wahrnehmung zu vergewissern. Schon das erste Anschauen im Kino fiel damals höchst ernüchternd aus. Proyas‘ Debüt, dessen war ich mich zuvor sicher, besaß doch eigentlich alle Voraussetzungen, um ihm hohe Wertschätzung zu garantieren: Comic- und insbesondere Superheldenverfilmungen waren damals trotz erster kommerziell erfolgreicher Gehversuche und vor allem im Vergleich zu heute noch immer eine unsichere Randerscheinung im Kino, der bereits zuvor erhältliche Soundtrack ließ hochpotentes Gras aus den Ohren wachsen, die  weitgehend erlesene Besetzung lässt auch heute noch aufhorchen und das spektakuläre Drama um Brandon Lees Tod bei den Dreharbeiten gab dem posthumen Personenkult um seinen Vater nochmals einen zusätzlichen Schub der Legendenbildung. „The Crow“ firmiert auf der imdb gegenwärtig mit einer Durchschnittswertung von 7,6 und verbucht stolze 81% auf dem Tomatometer. Vor allem die Gothic-Fraktion kürte den Film seinerzeit zum Instant-Kultobjekt.
Diese allumfassende, konsensuelle Zuneigung habe ich nie begriffen. Vielmehr lässt sie mich sogar verzweifeln. Das aus all den oben angeführten, vielversprechenden Faktoren destillierte, resultierende Objekt gehört für mich nämlich zu den größten aller schlechten Witze der Kinogeschichte. Alles an „The Crow“, nahezu ohne Ausnahme, stinkt wie verdorbene Fischabfälle. Am Schlimmsten ist das Script, das O’Barrs bereits naive Graphic Novel zu einer Posse der vorsätzlichen Idiotie macht, zu einer ausgewachsenen, antithetischen Action-Travestie. Sämtliche der auftretenden Figuren, von Draven selbst über die tolldreiten, koksenden, alle denkbaren Lehrbuchklischees in sich vereinenden Gangster, den etwas dummen Polizisten (Ernie Hudson) bis hin zum Straßenmädchen (Rochelle Davis) mitsamt radikal heroinentwöhnter Mutti (Arla Davis) verharren in furchtbarster Stereotypenlage, bekommen keinerlei Raum zur Entfaltung und haben sich mit imbezilen Dialogen zu plagen, die die an sich doch so lyrische Qualität des Szenarios – immerhin geht es um nichts Geringeres denn die Unsterblichkeit wahrer Liebe – mit groben Stiefeln zertreten. Hatte Tim Burton bereits hinreichend gezeigt, wie ein überhöhtes, gotisches Comicszenario ausschauen kann, versagen Proyas, der immerhin mit seinem zweiten Film „Dark City“ all diese Versäumnisse wieder gutmachen konnte, und seine Setdesigner nebst ihren theatralischen Papkulissen und nachlässig gestalteten Interieurs damit hier auf ganzer Linie.
Ich habe mich jetzt vermutlich wirklich zum letzten Mal durch dieses entsetzlich stupide Machwerk gequält und trotz aller antizipatorischen Offenheit wirklich schlimm dabei gelitten. Für mich ist „The Crow“ ein grotesk missratener und, ich wiederhole mich bewusst, vor allem ungeheuer dämlicher Film, der mir wie kaum ein anderer dazu angetan ist, mich an ihm abzureagieren. Immerhin ein Gutes hatte dieses jüngste, passionsträchtige Durchleiden: Mir wurde neuerlich eindrucksvoll vor Augen geführt, wie ein wirklich schlechter und misslungener Film aussehen kann. Allenthalben hat eine solche Erfahrung einen durchaus katalysatorischen und kathartischen Effekt.

1/10

THE FLIM-FLAM MAN

„You’d be amazed at the hundreds of satisfied students I’ve matriculated over the last 50 years!“

The Flim-Flam Man (Der tolle Mr. Flim-Flam) ~ USA 1967
Directed By: Irvin Kershner

Der desertierte und auf der Flucht vor der M.P. befindliche Private Curley (Michael Sarazzin) trifft zufällig auf den alternden Trickbetrüger Mordecai Jones (George C. Scott), im Süden des Landes auch als „Flim-Flam Man“ berüchtigt. Jones ernennt Curley kurzerhand zu seinem Partner und versichert dem immer wieder an den üblen Neppereien des Alten zweifelnden, jungen Mann, dass die Leute der heutigen Wohlstandsgesellschaft es in ihrer Gier und Verblendung gar nicht besser verdient haben, als öfter mal eine harte Lebenslektion zu lernen. Eine zeitlang schlagen sich die beiden gemeinsam durch allerlei waghalsige Abenteuer, stets auf der Flucht vor der Polizei, doch als Curley sich in die hübsche Farmerstochter Bonnie Lee (Sue Lyon) verliebt, ist er entschlossen, sich zu stellen.

Down by law: Was ein wenig an dieser durchaus hübschen Gaunerkomödie und Vater-Sohn-Allegorie stört, ist ihre Unentschlossenheit, einen klaren Weg einzuschlagen. Nicht, dass ich prinzipiell etwas gegen Filme hätte, die sich eindeutiger Richtungen bewusst enthalten, im Gegenteil. Nur ist dann gleichfalls eine entsprechend herausgestellte Haltung wünschenswert. „The Flim-Flam Man“, der eigentlich vorzüglich in der historischen Rahmen der Depressionszeit gepasst hätte (nichtsdestotrotz aber in der Gegenwart angesiedelt ist), liefert ein Porträt der Südstaaten ohne wirklich in medias res zu gehen. Er macht einen erklärten Gauner zum Protagonisten, verschließt sich jedoch moralischer Zweideutigkeit. Er baut einerseits auf die Leichtigkeit und den Chaosslapstick der Disney-Komödien von Robert Stevenson, findet aber dann doch nicht recht den Mut, sich konsequent auf ebendieses atmosphärische Federpolster zu verlassen. Als störend erweist sich in diesem Zusammenhang vor allem die Zerrissenheit des ausgehöhlt wirkenden Charakters von Sarazzin, der hier sein Filmdebüt gibt und der eigentlich einer luziden Psychologisierung entbehrt. Die Agenda von Mordecai Jones, den George C. Scott unter einigem Makeup gewohnt bravourös durch die Geschichte trägt, ist zwar komplex, aber unkompliziert: Der Mann hat die Gesellschaft offenbar hinreichend kennengelernt und verweigert sich seither bewusst jedweder Adaption. Curley indes ist mehr der rebel without a cause, der darüberhinaus auch gar kein rebel sein will. Sämtliche Versuche von Jones, den jungen Mann davon zu überzeugen, dass Freiheit, und sei sie selbstgemacht und umstandshalber sogar forciert, das höchste individuelle Gut ist, scheitern schlussendlich, so dass das happy end eigentlich gar keines ist. Der Flim-Flam Man, ein sanftkrimineller hobo, der der Naseweisheit der Justiz stets einen Schritt voraus ist, erweist sich als aus der Zeit gefallener, sozialer Dinosaurier, als aussterbende Art, die keinen reellen Erben mehr findet. Eine ziemlich traurige, reaktionäre Haltung, die Mordecai Jones, im Gegensatz zu einem veritablen Nachfolger, so nicht verdient.

6/10

LAMMBOCK

„Du checkst es nicht.“

Lammbock ~ D 2001
Directed By: Christian Zübert

Die beiden ungleichen Freunde Kai (Moritz Bleibtreu) und Stefan (Lucas Gregorowicz) betreiben im beschaulichen Würzburg gemeinsam einen Pizza-Lieferservice nebst florierendem Marihuana-Handel. Den in Kenner- und Bekanntenkreisen überaus beliebten Stoff züchten und ernten sie selbst auf einer Plantage im Wald. Während Kai mit dieser einfachen, aber einträglichen Existenz höchst zufrieden ist, strebt Stefan, in einer biederen Beziehung steckend, Sohn eines wohlhabenden Amtsrichters (Elmar Wepper) und selbst kurz vorm Juraexamen stehend, insgeheim nach Höherem. Als der selbst dem Dope nicht abgeneigte Undercover-Polizist Achim (Julian Weigend) auf sie aufmerksam wird, beginnt die Lage allmählich ungemütlich zu werden…

Als „Lammbock“ vor ziemlich genau 17 Jahren im Kino lief, entwickelte er sich zumindest im rauschmittelaffinen Teil des Freundeskreises ziemlich flugs zum Liebhaberstück, das sogar das Zeug hatte, mit dem seinerzeit dauerrotierenden „Bang Boom Bang“ zu konkurrieren. Klar, warum: Der sehr intensiv mit Improvisation arbeitende Film ist primär für die juvenile Kiffergemeinde gemacht und die versteht sich untereinander bestens (zumindest war das zu jener Zeit so). Der gewohnheitsmäßige Kiffer an und für sich pflegt, unabhängig von der Subkultur, in der er sich sonst bewegen mag, eine universell verstehbare Sprache, die sich im spezifisch gepflegten und ausgebauten Vokabular und Phrasen sowie im sehr leicht identifizierbaren Gestus äußert. Man muss kein ausgemachter Soziologe sein, um zu wissen und zu erkennen, wie ähnlich sich Kiffer aus allen Teilen der Republik sind. „Lammbock“ verstand das und gab den Leuten einen Film, der, anders als die aus den USA stammende „Cheech & Chong“-Reihe oder der im Slapstick verwurzelte „Half Baked“ die Szene nicht als Satirefall benutzte oder grell überzeichnete, sondern ihr eine echte, kleine Liebeserklärung angedeihen ließ. Die Leute im Film rauchen wirklich Gras und sind (zumindest stellenweise) wirklich bekifft. Das spürt man als Bruder im Mentalen und dafür mag man den Film. Man mag ihn auch für Gregorowicz‘ todwitzige Schwarzweißabfahrten, für Elmar Weppers hochsympathische Mitwirkung, ganz besonders für die wunderbar sympathische Marie Zielcke und vielleicht sogar für die geschmacklose Dreistigkeit, mit der ein eigentlich ungeheuerlicher, im (filmischen) Vollrausch absolvierter Inzestgag quasi im Vorbeigehen abgeliefert wird. Das hat schon was gehörig Subversives. So ganz makellos ist „Lammbock“ aber dann doch nicht. Wenn nämlich Bleibtreu und Gregorowicz von der Dramaturgie dazu angehalten sind, sich über eindeutig als solche intendierte, „tarantinoeske“ Nonsens-Themen wie die Flugsicherheit von Erika Eleniaks Silikonbrüsten oder das heimliche Bedürfnis, mit Mehmet Scholl eine Fellatio-Nummer durchzuziehen, auszutauschen, dann erhält der Film eine unangenehme Subnote. Hier nämlich begnügte sich Zübert nicht mehr damit, eine schöne Schmunzelgroteske um zwei Kumpels, die high on their on supply sind und ihre komischen Abenteuerchen zu stricken – hier wollte er eine Form von coolness, die dem Gesamtresultat einfach nicht gut zu Gesicht steht. Früher hat mich das weniger gestört, jetzt jedoch, da ich den Film nach bestimmt 15 Jahren zum ersten Mal wieder in voller Länge geschaut habe, fand ich diese Szenen ziemlich schlimm penetrant und keineswegs förderlich. Wie ich mich überhaupt im Nachhinein ziemlich alt und stark zielgruppenvernachlässigt fühlte, was nun wiederum mein ganz persönliches Problem ist. Immerhin bleibt eins, wofür man „Lammbock“ auf ewig liebhaben muss – er spendierte Wotan Wilke Möhring die bis dato einzige Rolle, in der er wirklich reüssieren kann.

7/10

SEQUESTRO DI PERSONA

Zitat entfällt.

Sequestro Di Persona (Die Mafia-Story) ~ I 1968
Directed By: Gianfranco Mingozzi

Francesco Marras (Pierluigi Aprà), dessen Vater (Ennio Balbo) auf seiner Heimatinsel Sardinien große Ländereien besitzt, wird eines Tages im Beisein seiner Freundin Christina (Charlotte Rampling) von einer Gruppe Briganten entführt. Während Christina, die von außerhalb kommt und mit den Verhältnissen auf Sardinien nicht vertraut ist, sich an die Polizei wenden will, halten der alte Marras und Francescos bester Freund Gavino Surgiu (Franco Nero), ebenfalls Sohn eines Großgrundbesitzers, sie an, die Füße stillzuhalten. Dennoch reagiert sie überstürzt, natürlich, ohne ein entscheidendes Ergebnis zu erzielen. Bevor Marras das geforderte Lösegeld zahlen kann, stirbt Francesco schließlich bei einem Unfall. Für Gavino, der längst an einen mächtigen Drahtzieher im Hintergrund glaubt, gibt es nurmehr einen Weg, diesen zu entlarven – er muss sich selbst kidnappen lassen…

Ausnahmsweise nicht in Neapel oder Sizilien angesiedelt, wird in „Sequestro Di Persona“, einem recht früh entstandenen Vertreter des italienischen Politthrillers auch keine der gängigen Bezeichnung für die diversen Mafia-Clans erwähnt. Deren Arbeitsweise und das Machtgefüge mitsamt seiner wohlfeil orchestrierten Hierarchie jedoch verdeutlicht Mingozzis Film von der Pike auf. Als Marionettenspieler gibt sich relativ rasch der saubere Bankier Osilo (Frank Wolff) zu erkennen; ein ehrenwerter Herr, der sich weder durch seinen Habitus noch durch undurchdachte Bemerkungen verrät, obwohl jeder um seine Praktiken weiß. Osilo arbeitet mit den Briganten zusammen, die sich naiverweise wiederum selbst als Klassenkämpfer und moderen Robin Hoods wähnen: Während diese für ihren Auftraggeber, organisierte Verbrecher, die Drecksarbeit übernehmen, die Kidnapping-Aktionen durchführen, als Sündenböcke fungieren und anschließend einen Bruchteil der eigentlich überantworteten Werte erhalten (die eben wesentlich in den für Dumpingpreise an Osilo verschleuderten Ländereien bestehen), macht der feine Geschäftsmann, der das große Geschäft in der Tourismusbranche wittert, den wesentlichen Reibach. Allerdings geht „Sequestro Di Persona“, der noch ein wenig dem Duktus des Italowestern huldigt, die realistischere, resignante Perspektive der späteren, linken Systemkritiker von Damiano bis Rosi ab: Hier holen sich die Betrogenen und Geschändeten am Ende ihr Recht zurück, verbünden sich gegen den Feind und servieren diesen im Zuge einer ganz puristisch geplanten Lynchjustizaktion ab. Dass oder ob Osilo Teil einer weiterreichenden Befehlskette war, der Krieg also weitergehen wird, erfahren wir nicht mehr.
Charlotte Rampling, damals gerade süße 22 und schön wie der junge Morgen, hat derweil als unbedarfte Christina den Auftrag, gemeinsam mit uns, dem Publikum, als Außenstehende die regionalen Strukturen zu erforschen und zu begreifen, nebst der ernüchternden Erkenntnis, dass diese in ihrer archaischen Kausalität bereits seit Jahrhunderten Bestand und Wirksamkeit haben. Dass sie damit nicht besonders gut zurechtkommt, sei ihr zugestanden.

7/10

RED SPARROW

„You sent me to whore school!“

Red Sparrow ~ USA 2018
Directed By: Francis Lawrence

Die erfolgreiche Primaballerina Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) kann nach einem Unfall auf der Bühne nicht mehr tanzen. Um ihre kranke Mutter (Joely Richardson) weiter über die Runden bringen zu können, nimmt Dominka daher das Angebot ihres zwielichtigen Onkels Vanya (Matthias Schoenaerts) an, als Spionin zu arbeiten. Nach einem ersten Auftrag, der sie zugleich zur Mordzeugin macht, ist Dominika endgültig in Vanyas Hand. Sie wird ein „Red Sparrow“, eine Sonderagentin, deren Hauptaufgabenbereich in der Verführung und gezielten Verwirrung ihrer Opfer liegen. Zugleich wird der CIA-Mitarbeiter Nate Nash (Joel Edgerton) auf Dominika aufmerksam. Die beiden verlieben sich ineinander und Dominika versucht alles, Nate entgegen den Anweisungen ihrer Auftraggeber zu schonen, derweil ihr Hass auf Vanya immer größer wird.

Ich will es mal so sagen: Hätte Paul Verhoeven diesen Stoff inszeniert – und ich bin sicher, zumindest vor 15, 20 Jahren hätte es keinen treffenderen Regisseur gegeben – man hätte zur Feier des Tages noch ein paar Schamhaare obendrauf serviert bekommen. So bleibt ein aparter Wunschtraum davon, was der Niederländer mit diesem so nonchalant mit sex & crime hantierenden Spionagestoff, dessen Plot auf dem Mist des vormaligen CIA-Angestellten und heutigen Romanciers Jason Matthews gewachsen ist, angestellt hätte. Ich musste bei der Betrachtung von „Red Sparrow“ jedenfalls häufig an Verhoeven und seine früheren, lustvollen Attacken auf die Ästhetiktoleranz des Mainstream-Publikums denken. Potenzial dafür lässt Lawrences Film ja noch hinreichend durchscheinen, am Ende möchte er dann aber doch viel lieber ein klassisch konnotierter Spionage- und Romantikthriller mit viel „Ninotchka“ im Herzen sein, denn kerniger camp oder gar offensive Subversion, die ein NC-17-Rating riskiert. Das ist soweit ja auch in Ordnung, verlangt dann aber eben mancherlei Abzüge in der B-Note.
Zunächst einmal ist „Red Sparrow“ in Zeiten, in denen vermeintlich komplex aufbereitete Agentenfilme wieder an jeder Straßenecke stehen und seine in diesem Zusammenhang etwas schwächliche Geschichte unverschämt lang geraten. Nicht, dass er deswegen langweilig wäre, aber dreist nimmt seine gedehnte Narration sich doch aus. Dann wäre da die merkwürdige Geschichte mit der Sprache. Der Film lässt die Russen untereinander englisch mit russischem Akzent sprechen (bzw. analog dazu in der Synchronfassung deutsch mit russischem Akzent). Dass die Darsteller englisch statt russisch sprechen, ist ja nicht weiter wild und ohnehin gängige Praxis, aber wozu bitte den albernen Akzent? Dass die Grundzüge der Story zudem stark an Luc Bessons „La Femme Nikita“ gemahnen, lässt sich wiederum verschmerzen, vermiest „Red Sparrow“ aber auch den letzten Originalitätspreis. Jennifer Lawrence hat nach den „Hunger Games“-Filmen jedenfalls scheinbar ein neues Serien-Zuhause (in Romanform gibt es bereits zwei Fortsetzungen) gefunden, praktischerweise gleich mit demselben Regisseur von zuletzt im Schlepptau. Die Frau ist geschäftstüchtig, so viel ist sicher.

6/10