NOBODY RUNS FOREVER

„Teach me about Australia!“

Nobody Runs Forever (Der Haftbefehl) ~ UK/USA 1968
Directed By: Ralph Thomas

Der australische Polizist Scobie Malone (Rod Taylor) ist üblicherweise damit vertraut, irgendwelche Lumpen im Outback einzusammeln, bis der Premierminister (Leo McKern) von New South Wales ihn für einen internationalen Fall von höchster Pikanterie hinzuzieht: Malone soll nach London fliegen, um dort den Diplomaten und Hochkommissar Sir James Quentin (Christopher Plummer) zu verhaften und zurück in die Heimat zu eskortieren, da dieser sich als Hauptverdächtiger in einem 25 Jahre zurück liegenden Mordfall herausstellte. Als Malone in England ankommt, lernt er Quentin als einen persönlich wie politisch hochintegren Mann kennen, der just in wichtigen Verhandlungen steckt, um afrikanische Drittweltländern auf dem globalen Sektor ökonomische Vorteile zu verschaffen. Malone gewährt Quentin die Zeit bis zum Ende der Tagung, sieht sich jedoch bald in eine Verschwörung verwickelt, deren Ziel es ist, Quentin aus dem Weg zu räumen…

Großes Kino geht anders: diese etwas kompliziert aufgezogene Spionageschichte zimmerte Ralph Thomas genau zwischen seinen beiden Bulldog-Drummond-Filmen mit Richard Johnson. Besonders weit davon entfernt sich der auch als „The High Commissioner“ gelaufene „Nobody Runs Forever“ dann auch gar nicht von selbigen, wenngleich der mit Rod Taylor als global agierendem Aushilfsspion nicht gänzlich als Bond-Spoof durchgehen würde. Dafür mangelt es ihm dann doch allzu sehr an multiplen Schauplätzen, Exotik und jener Larger-Than-Life-Attitüde, die das abendländische Machismo des typischen Superagenten so typisch selbstironisch zu konnotieren pflegte. Taylor, der ja wirklich Autralier war, ist dann eher der kernig-kantige, bodenständige Typ, der sich rein gar nichts aus weltmännischem Auftreten macht, Lager statt Boulanger trinkt und sich jedweden Zynismus spart. Immerhin ist er dem starken Geschlecht zugeneigt und lässt sich von Daliah Lavi auf die Matratze nageln, der Glückliche. Dass sie sich später als Drahtzieherin der Bösen entpuppt, ist schade, aber eben nicht zu ändern. Ansonsten bewegt sich „Nobody Runs Forever“ halbwegs amüsant über seine Runden, trägt den Status als cineastische Fußnote jedoch zu Recht. Eher was für Komplettisten und ausgesprochene Sammler filmischer Schattengewächse und Kuriositäten.

6/10

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MISSION: IMPOSSIBLE – FALLOUT

„I’ll figure it out.“

Mission: Impossible – Fallout ~  USA/RC/F/NOR 2018
Directed By: Christopher McQuarrie

Die Terrororganisation „Syndikat“ nennt sich nach Solomon Lanes (Sean Harris) Festsetzung durch den IMF nunmehr „Die Apostel“. Nachdem Ethan Hunt (Tom Cruise), um seinen Freund und Kollegen Luther Stickell (Ving Rhames) zu retten, den Verlustiggang dreier Plutoniumeinheiten in Berlin in Kauf nimmt, muss er kurz darauf erkennen, dass die Apostel unter dem Vorsitz des bislang unidentifizierten John Lark aus den Einheiten Nuklearsprengköpfe herstellen ließen. Hunt soll in Paris zumindest den Rückerwerb der nunmehr einsatzbereiten Sprengköpfe verhindern, wobei er gezwungenermaßen mit dem CIA-Agenten August Walker (Henry Cavill) zusammenarbeiten muss. Den beiden gelingt es, sich mit Hunt als vermeintlichem John Lark in die Organisation der Waffenschieberin Alanna Mitsopolis (Vanessa Kirby), genannt „White Widow“, einzuschleusen. Diese plant die Befreiung von Solomon Lane mithilfe von Hunt/Lark und Walker. Es gelingt Hunt, Lane zwischenzeitlich festzusetzen und zu beweisen, dass Walker der echte John Lark ist. Dieser kann schließlich mit Lane nach Kashmir entkommen, wo die Apostel planen, durch die Detonation der Bomben den Siachengletscher zu verseuchen und infolge der abgeschnittenen Wasserversorgung eine humanitäre Katastrophe in Südasien auszulösen. Für Hunt wird die Angelegenheit nochmals pikanter dadurch, dass seine frühere Frau Julia (Michelle Monaghan) sich in einem Versorgungscamp vor Ort befindet…

Gewissermaßen als kleines Novum innerhalb der Reihe inhaltlich direkt an den Vorgänger anschließend, präserviert „M:I 6“ aufs Neue den Superheldennimbus des von Tom Cruise dargestellten Spitzenagenten Ethan Hunt. Wenn seine Ex-Frau ihm gegen Ende versichert, dass sie sich in der Welt sicher fühle, weil sie um Hunts unermüdlichen Kampf um deren Rettung wisse, dann sagt das gewiss auch ein wenig über Cruises Bedürfnis aus, sein mittlerweile zum Lebenswerk avanciertes Franchise auch weiterhin möglichst lange am Leben zu erhalten. Was diese sechste Spielfilm-Installation des einstigen TV-Serien-Reboots binnen immerhin 23 Jahren in spezifischer Hinsicht anbelangt, so kann man ihr zunächst weiterhin beruhigt attestieren, nach wie vor ein Nonplusultra auf dem internationalen Genresektor darzustellen. Als Agentenfilm-Reihe hat sich die Serie mittlerweile aus dem übermächtigen Schatten des großen Vorbilds „James Bond“ herauslösen und dieses übertrumpfen können. Dabei hilft ihr freilich auch die Tatsache, dass Ethan Hunt sich infolge der Gnade seiner vergleichsweise späten Kopfgeburt niemals als sexistischer Dinosaurier, arroganter Bonvivant oder Kalter-Kriegs-Relikt rechtzufertigen hatte und seine (überdies minimale) Persönlichkeitsentwicklung somit sehr viel umwegloser stattfinden konnte. Wiederkehrende, sympathische Gesichter wie die von Ving Rhames oder Simon Pegg, die „Mission: Impossible“ nunmehr seit langem die Treue halten (ersterer sogar seit Anbeginn), hinterlassen immer wieder ein wohltuendes Gefühl von familiärer Vertrautheit, was dem Stammpublikum der Serie wiederum seine Treue entlohnt. Zumindest auf Jeremy Renner heißt es indes diesmal leider verzichten zu müssen.
Ethan Hunts natürlich stets angenommene Missionen erweisen sich dabei nicht erst seit „Fallout“ so beliebig wie austauschbar; identitätsstiftend für jeden Einzelbeitrag sind hingegen die sich auf ungebrochen spektakulärem Level entfaltenden Action-Sequenzen,von denen es diesmal mehrere urbane Verfolgungsjagden gibt und natürlich das waghalsige, zweigleisig fahrende Finale. Bis zum nächsten Mal dann.

8/10

THE EQUALIZER 2

„Today, you get to choose.“

The Equalizer 2 ~ USA 2018
Directed By: Antoine Fuqua

Der retirierte Superagent Robert McCall (Denzel Washington) hat es sich mittlerweile endgültig zur Lebensaufgabe gemacht, hilfsbedürftigen Menschen auf höchst inofdfiziellen Wegen aus der Patsche zu helfen. Dabei ist ihm die Arbeit in seinem kleinen Privatchauffeursunternehmen behilflich, bei der er allerlei Leute kennenlernt. Als jedoch seine beste Freundin, die CIA-Beamte Susan Plummer (Melissa Leo), bei einem Einsatz in Brüssel verraten und getötet wird, muss McCall ausnahmsweise einer ganz privaten Agenda nachgehen.

Wenngleich nicht ganz so kraftvoll wie sein Vorgänger, kann das „Equalizer“-Sequel, das für seinen Hauptdarsteller insofern eine karrieristische Premiere darstellt, als dass er zum ersten Mal überhaupt einen bereits gespielten Charakter auf der Leinwand rekapituliert, wiederum mit den bereits bekannten Attributen überzeugen. Über den leicht mutistisch angehauchten McCall wissen wir seit 2014 bereits eine Menge; dass er ein unbeirrbares Helfersyndrom pflegt etwa, dass er Weltliteratur en gros verschlingt; vor allem aber, dass er unaufhaltsam ist, wenn er sich einmal in die Wade eines Unholds verbissen hat. Umso bedauernswerter seine Gegner, die ihn regelmäßig grob unterschätzen und so die furiose Gewalt von McCalls Privatfeldzügen zu schmecken bekommen. Diesmal handelt es sich dabei um McCalls früheren Schützling und Auszubildenden Dave York (Pedro Pascal), hinter dem der unaufhaltsame professional recht bald den Auslöser für Susan Plummers Ermordung ausfindig macht. York, selbst nach wie vor bei der CIA, hat sich gemeinsam mit seinem Team an die Gegenseite verkauft und über seinen Verrat hinaus Susans Liquidierung erst ermöglicht. Aus einem rasch eingefädelten Verdacht wird, nachdem der allseits totgeglaubte McCall sich York zu erkennen gibt, bald tödliche Gewissheit. Der an den klassischen Western angelehnte Showdown führt die Widersacher schließlich in McCalls früheres Heimatstädtchen am Meer, das wegen eines aufziehenden Sturms evakuiert wurde und somit auch in metaphorischer Hinsicht die ideale Kulisse für eine großräumig inszenierte Abrechnung bildet. Dass diese wie üblich gnadenlos und buchstäblich ohne Gefangene zu machen abläuft, muss kaum gesondert erwähnt werden.
Fuqua ist es somit gelungen, einem seiner bislang besten Filme einen auf qualitativer Ebene zumindest annähernd ebenbürtigen Nachfolger nachzusetzen, der wiederum das Versprechen einer ganzen Film-Serie um die Figur McCalls schürt. Besonders Washingtons gewohnt charismatische Form der Darstellung dieses ebenso herzlichen wie eiskalten Killermoralisten lässt darauf hoffen, ihm noch mehrere Male begegnen zu dürfen.

7/10

THE SATAN BUG

„Psychotics don’t generally engage in teamwork, Lee.“

The Satan Bug (Geheimagent Barrett greift ein) ~ USA 1965
Directed By: John Sturges

Station 3 ist ein strenggeheimes, abgesichertes Forschungslabor für biologische Kriegsführung in der kalifornischen Wüste. Dort wurde der tödliche und hochinfiziöse Kampfstoff Botulinus und noch ein weiteres, sogar noch weitaus gefährlicheres und unberechenbareres Nervengift, „die Zellenpest“, hergestellt. Als eine Gruppe Krimineller in Station 3 einbricht und Proben beider B-Waffen stiehlt, gerät die Regierung in höchste Alarmbereitschaft. Der fähige Agent Lee Barrett (George Maharis) wird mit der Aufgabe der Wiederbeschaffung beider Mittel betraut. Zunächst gilt es jedoch, die Tarnidentität des Drahtziehers des Anschlages aufzudecken, eines gewissen Charles Reynolds Ainsley,  der sich in cognito auf Station 3 eingeschlichen hat und der die Zellenpest über Los Angeles freisetzen will.

Mit „The Satan Bug“, einer Alistair-MacLean-Adaption, wagte sich John Sturges 1965 ungewöhnlich nah an einen lupenreinen Camp-Stoff heran. Geschichten um Superagenten und überqualifizierte G-Men zählten zu jener Zeit, als die Bond-Filme just dabei waren, das globale Actionkino zu revolutionieren, zu einer vergleichsweise sicheren Bank, was zur Folge hatte, das etliche Spoofs und Nachzieher, die den Kalten Krieg zur Basis oftmals hoffnungslos überhöhter fiktionaler Ausschweifungen benutzten, die Leinwände in aller Welt fluteten. Aus dem britischen Spezialisten der Vorlage, einem gewissen Pierre Clavell, wurde bei Sturges der Ex-Agent und Privatdetektiv Lee Barrett, der von dem vergleichsweise unbeschriebenen TV-Darsteller George Maharis besetzt wurde. Maharis‘ wesentliche Qualität bestand darin, gut auszusehen und dem Protagonisten (der der Komplexitätsreduktion halber im deutschen Titel gleich eine prominente Nennung erfuhr und von Connery-Stammsprecher Gert-Günther Hoffmann synchronisiert wurde) ein markantes, möglicherweise serientaugliches Antlitz zu verleihen. Über seine tatsächlichen Qualitäten als Akteur darf man jedoch getrost das Mäntelchen des Schweigens ausbreiten. Für diese waren ohnehin sehr viel mehr die prominent besetzten Nebenfiguren zuständig, von Richard Basehart als verrücktem Superbösewicht über Dana Andrews als graue Eminenz im Hintergrund und Mentor des Helden bis hin zu Anne Francis als dessen Teilzeitkonkubine und Andrews‘ Tochter.
Primär aufsehenerregend an „The Satan Bug“ nimm sich allerdings dessen Kameraarbeit von Robert Surtees aus, die die felsige Wüste Kaliforniens kurzerhand zum zusätzlichen Hauptdarsteller ernennt und ihr ganz wunderhübsche, leuchtende Bilder abtrotzt.
Der mysteriöse B-Kampfstoff „Satan Bug“, für die deutsche Fassung, wie erwähnt, überaus einfallsreich „Zellenpest“ getauft, kann ferner als Vorläufer unzähliger MacGuffins von auffallend ähnlicher Provenienz gewertet werden.
Damit jedoch begnügt sich das Innovationspotenzial dieses allzu gewschwätzigen und in Anbetracht seiner Substanzlosigkeit deutlich zu langen Films bereits. Heuer lässt sich „The Satan Bug“ immerhin noch als schickes Kuriosum innerhalb der Werksvita seines Regisseurs goutieren oder zumindest konsumieren, zumal die just erschienene, wie gewohnt erlesene Edition aus dem Hause Anolis sich dem willfährigen Betrachter nochmals gesondert attraktiv präsentiert.

6/10

RED SPARROW

„You sent me to whore school!“

Red Sparrow ~ USA 2018
Directed By: Francis Lawrence

Die erfolgreiche Primaballerina Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) kann nach einem Unfall auf der Bühne nicht mehr tanzen. Um ihre kranke Mutter (Joely Richardson) weiter über die Runden bringen zu können, nimmt Dominka daher das Angebot ihres zwielichtigen Onkels Vanya (Matthias Schoenaerts) an, als Spionin zu arbeiten. Nach einem ersten Auftrag, der sie zugleich zur Mordzeugin macht, ist Dominika endgültig in Vanyas Hand. Sie wird ein „Red Sparrow“, eine Sonderagentin, deren Hauptaufgabenbereich in der Verführung und gezielten Verwirrung ihrer Opfer liegen. Zugleich wird der CIA-Mitarbeiter Nate Nash (Joel Edgerton) auf Dominika aufmerksam. Die beiden verlieben sich ineinander und Dominika versucht alles, Nate entgegen den Anweisungen ihrer Auftraggeber zu schonen, derweil ihr Hass auf Vanya immer größer wird.

Ich will es mal so sagen: Hätte Paul Verhoeven diesen Stoff inszeniert – und ich bin sicher, zumindest vor 15, 20 Jahren hätte es keinen treffenderen Regisseur gegeben – man hätte zur Feier des Tages noch ein paar Schamhaare obendrauf serviert bekommen. So bleibt ein aparter Wunschtraum davon, was der Niederländer mit diesem so nonchalant mit sex & crime hantierenden Spionagestoff, dessen Plot auf dem Mist des vormaligen CIA-Angestellten und heutigen Romanciers Jason Matthews gewachsen ist, angestellt hätte. Ich musste bei der Betrachtung von „Red Sparrow“ jedenfalls häufig an Verhoeven und seine früheren, lustvollen Attacken auf die Ästhetiktoleranz des Mainstream-Publikums denken. Potenzial dafür lässt Lawrences Film ja noch hinreichend durchscheinen, am Ende möchte er dann aber doch viel lieber ein klassisch konnotierter Spionage- und Romantikthriller mit viel „Ninotchka“ im Herzen sein, denn kerniger camp oder gar offensive Subversion, die ein NC-17-Rating riskiert. Das ist soweit ja auch in Ordnung, verlangt dann aber eben mancherlei Abzüge in der B-Note.
Zunächst einmal ist „Red Sparrow“ in Zeiten, in denen vermeintlich komplex aufbereitete Agentenfilme wieder an jeder Straßenecke stehen und seine in diesem Zusammenhang etwas schwächliche Geschichte unverschämt lang geraten. Nicht, dass er deswegen langweilig wäre, aber dreist nimmt seine gedehnte Narration sich doch aus. Dann wäre da die merkwürdige Geschichte mit der Sprache. Der Film lässt die Russen untereinander englisch mit russischem Akzent sprechen (bzw. analog dazu in der Synchronfassung deutsch mit russischem Akzent). Dass die Darsteller englisch statt russisch sprechen, ist ja nicht weiter wild und ohnehin gängige Praxis, aber wozu bitte den albernen Akzent? Dass die Grundzüge der Story zudem stark an Luc Bessons „La Femme Nikita“ gemahnen, lässt sich wiederum verschmerzen, vermiest „Red Sparrow“ aber auch den letzten Originalitätspreis. Jennifer Lawrence hat nach den „Hunger Games“-Filmen jedenfalls scheinbar ein neues Serien-Zuhause (in Romanform gibt es bereits zwei Fortsetzungen) gefunden, praktischerweise gleich mit demselben Regisseur von zuletzt im Schlepptau. Die Frau ist geschäftstüchtig, so viel ist sicher.

6/10

BLACK PANTHER

„It’s hard for a good man to be a king.“

Black Panther ~ USA 2018
Directed By: Ryan Coogler

Nachdem T’Challa (Chadwick Boseman), der mit der Nachfolge seines Vaters T’Chaka (John Kani) nicht nur die Königswürde über den westafrikanischen Staat Wakanda, sondern zudem auch den Status als dessen Beschützer Black Panther übernommen hat, sieht er sich sogleich einer ersten, großen Herausforderung gegenüber: Sein in Amerika aufgewachsener Cousin Erik Killmonger (Michael B. Jordan), dessen Vater N’Jobu (Sterling K. Brown) einst einen antirassistischen Guerillakrieg vom Stapel lassen wollte, will das Erbe seines damals von T’Chaka aufgehaltenen, alten Herrn antreten, T’Challa vom Thron stoßen und mithilfe der gewaltigen Vibranium-Vorkommen im Land einen globalen Krieg gegen die weiße Vorherrschaft anzetteln. Nach einem ersten Duellsieg über T’Challa sieht es beinahe so aus, als gelänge Killmonger sein Vorhaben…

Über vierzig Jahre, nachdem das black consciousness seine Spuren in Form mehrerer Superhelden bereits in den Comics hinterließ, holt das MCU jene Figuren nun auch auf Mattscheibe und Leinwand. Nach Luke Cage, ehedem noch „Power Man“ genannt, der bereits seit der ersten „Jessica Jones“-Season fester Bestandteil der Netflix-Serien-Abteilung ist, erhält nun also auch Black Panther, originär afrikanischer Held, der erstmals als Nebencharakter in „Captain America: Civil War“ zu sehen war,  seinen großen Kinoauftritt. Cooglers Film wurde ein unerwartet großer Box-Office-Hit, was ihm jedoch sehr zu gönnen ist. „Black Panther“ erweitert und öffnet das MCU in einige neue Richtungen; nicht nur regional, sondern auch im Hinblick auf Mentalitätsvielfalt und Figurenzeichnung. Es dürfte sich bis dato wohl um den „märchenhaftesten“ aller Marvel-Filmbeiträge handeln und damit zugleich auch um den familiengerechtesten. Ob die unübersehbaren Einflüsse typisch-klischierter Hollywood-Afrika-Folklore aus bereits klassischen Erzählrahmen wie „Coming To America“ oder „The Lion King“ mit der Übernahme der Marvel Studios durch den Disney-Konzern zusammenhängen, kann Zufall sein oder auch nicht. Wie ich gelesen habe, kreiden diverse Kritiker diese Naivität dem Film als campig und teils sogar unbesonnen an; er sei eine wohlkalkulierte Blockbuster-Antwort auf die neu aufgeflammten Gleichberechtigungsbestrebungen der letzten Jahre und damit verlogen und vermeidbar.
Ich finde solche Stimmen recht bedenklich. Hier werden in einem betont fiktionalen Erzählkosmos im Prinzip die gleichen Schritte nachvollzogen, wie sie auch im Vorbildmedium getan wurden. Dagegen ist nichts zu haben. „Black Panther“ präserviert einen coolen Helden, der Stolz, Würde und Identitätsfestigkeit transportiert, von denen angreifbare Charaktere wie Tony Stark oder Bruce Banner bestenfalls träumen können. T’Challa ist eben Aristokrat, kein Sprücheklopfer oder Possenreißer. Diesen Part übernimmt seine vorlaute kleine Schwester Shuri (zuweilen ein wenig enervierend: Letitia Wright), die dem Panther aufgrund ihrer naseweisen Cleverness dann auch gleich mal das gesamte, ausgeklügelte technische Equipment liefert. Ein wenig James Bond fließt gleich auch noch mit hinein, wenn der T’Challa in der ersten Filmhälfte einen farbenfrohen Ausflug nach Busan unternimmt, um sich dort den schurkischen, einarmigen Waffenhändler Ulysses Klaue (herrlich überdreht und leider allzu früh aus dem MCU getilgt: Andy Serkis, mal ohne Motion-Capture-Anzug) ins Netz zu holen, actionreiche Autoverfolgungsjagd inbegriffen.
An den CGI hätte man hier und da gewiss noch etwas feilen können; Gimmicks wie die hochtechnisierten Gleiter und die gepanzerten Streit-Nashörner meint man an anderer Stelle schon eleganter getrickst gesehen zu haben. Dies bleibt jedoch Makulatur und schadet dem Gesamteindruck wenig bis gar nicht: „Black Panther“ ist – schon wieder – ein bestens aufgelegter, schöner, vitaler Superheldenfilm mit dem Herzen am rechten Fleck.

8/10

SMILLA’S SENSE OF SNOW

„The Devil assumes many forms.“

Smilla’s Sense Of Snow (Fräulein Smillas Gespür für Schnee) ~ D/DK/SW 1997
Directed By: Bille August

Die in Kopenhagen lebende Smilla Jaspersen (Julia Ormond) ist das, was man einen unbequemen Menschen nennen könnte: Als Tochter einer bereits vor längerer Zeit verstorbenen Inuit und eines renommierten dänischen Arztes (Robert Loggia) steckt sie nicht nur zwischen den Kulturen fest – sie schottet sich auch systematisch von ihren Mitmenschen ab, lässt keinerlei Gefühle, Nähe oder Wärme an sich heran und betrachtet die Welt durch beinahe autistisch-angewandte, zutiefst verhärtete Augen. Als ihr einziger Freund, der Nachbarsjunge Isaiah (Clipper Mirano), vom Hausdach in den Tod stürzt, glaubt Smilla nicht an einen Unfall. Sie beginnt, auf eigene Faust zu ermitteln und stößt mithilfe ihres eigenbrötlerischen Nachbarn und den gesellschaftlichen Verbindungen ihres alten Herrn schließlich auf den Multi „Greenland Mining“ und dessen Chef Tork (Richard Harris), der im Begriff ist, eine mysteriöse Expedition in die Arktis durchzuführen…

„Smilla’s Sense Of Snow“, also der dem Film zugrunde liegende, gleichnamige Roman des Dänen Peter Høeg, zählte in den Früh- und Mittneunzigern zu jener Art Buch, die man in mutmaßlich jedem anderthalbsten europäischen Buchregal vorfinden konnte. Es lässt sich weiterhin annehmen, dass dessen Kriminalgeschichte mit leichtem SciFi-Einschlag nicht unwesentlich mitverantworlich zeichnet für den bis heute andauernden, skandinavischen Thriller-Boom sowohl auf dem Belletristik-, als auch dem Film- und TV-Sektor. Die eigenwillige Story um die gleichsam selbstbewusste und doch bindungsunfähige Privatdetektivin wider Willen bewegte und begeisterte jedenfalls ein literarisches Massenpublikum und wurde somit ganz schnell zu einem Fall für den umtriebigen Constantin-Chef Bernd Eichinger, der es wohl als eine seiner karrieristischen Hauptmissionen ansah, sich die Rechte für massive Bucherfolge zu sichern und diese dann mit internationalen Stäben und Besetzungen für das Kino aufbereiten zu lassen. Insofern lag der Fall betreffs „Fräulein Smilla“ relativ schnell klar und der Film, unglaublich toll gecastet und von Bille August zu einer schicken Augenweide mit nur allen denkbaren Weißabstufungen für die zig Sorten Eis und Schnee geformt, entspricht dann auch recht exakt jenem „Qualitätskino“-Schema, das Business und Kunst überdeutlich kombiniert und für etliche Filmliebhaber zum Ssynonym für Filme zum Abgewöhnen avancierte. Tatsächlich entdeckt man hinter Eichinger-Produktionen stets Eichinger, respektive spürt seine Gegenwart oder glaubt zumindest, sie zu spüren, während „seine“ Regisseure von Petersen, Edel und Annaud bis hin zu August eher wirken, als erfüllten sie vornehmlich repräsentatorische Statthalter-Funktionen. Ich muss zugeben, dass ich dennoch die meisten der entsprechenden Filme trotz breiter Vorwurfsbasis aus unterschiedlichen Gründen gern bis sehr gern mag; sie bildeten über zwei Jahrzehnte hinweg den kleinsten Nenner von Glamour und Megalomanie im deutschen Kino, schämten sich nicht für das, was sie repräsentierten und lieferten vor allem regelmäßig augenbezuckerndes Entertainment. Dass sie die literarischen Vorlagen häufig begradigten oder im schlimmsten Falle verwursteten und nicht selten Zeugnisse der multilpen Eitelkeiten ihres Produzenten wurden, gehörte zum Spiel.
Ich mag Smilla, auch und sogar besonders mit dem Gesicht von Julia Ormond, und würde gern mal mit ihr einen trinken. Wahrscheinlich söff sie mich unter’n Tisch.

7/10