SHIVA BABY

„This isn’t a party!“

Shiva Baby ~ USA/CA 2020
Directed By: Emma Seligman

Für die Studentin Danielle (Rachel Sennott) wird es ein vermaledeiter Tag: Nach einem Techtelmechtel mit ihrem deutlich älteren, dafür jedoch spendablem Liebhaber Max (Danny Deferrari) begleitet sie ihre Eltern (Polly Draper, Fred Malamed) zu einer Shiv’a, einer der jüdischen Beerdigung folgenden Trauerfeier im häuslichen Rahmen. Solche familiären Ereignisse kommen für Danielle stets einem Spießrutenlauf gleich; man mästet sich am kalorienreichen Buffet, wird über Beziehungsleben und Karrierepläne ausgefragt und lästert kreuz und quer über sämtliche Anwesende in wechselnden Konstellationen. Mit ihrer ebenfalls vor Ort befindlichen, langjährigen Freundin Maya (Molly Gordon) verbindet Danielle zudem noch eine ihrerseits mühevoll ignorierte, romantische Beziehung. Als dann auch noch Max nebst Gattin (Dianna Agron) und Baby auftaucht, avanciert der Leichenschmaus endgültig zum Albtraum für Danielle…

A damsel in distress: Emma Seligmans liebenswertes Debüt erzählt einen im Prinzip klassischen Coming-of-Age-Stoff in frischer Gewandung und ließe sich in etwa als eine Art feministisches, jiddisches Kammerspiel-Gegenstück zu Judd Apatows „The King Of Staten Island“ bezeichnen. Wie dessen Protagonist mag auch die wohlbehütet aufgewachsene, von ihren Eltern stets klein gehaltene Danielle sich nicht recht dem fügen, was alle Welt und allen voran die eigene Mischpoke von ihr erwartet. Kein Wunder, denn die entsprechenden Bilder sind von geradezu destruktiver Konventionalität, die so ziemlich allem widerspricht, was die kluge, junge Frau in ihrem Innersten wirklich umtreibt. Nicht nur, dass sie keinem erfolgs- oder vielmehr karriereorientierten Studiengang nachgeht, sondern irgendwas mit Genderforschung, derweil die in sämtlichen Belangen deutlich gefestigtere Maya im Rechtswesen Fuß fassen wird, ist sie auch noch auf der Suche nach ihrer sexuellen Identität. Bi, lesbisch gar? Das weiß Danielle selbst nicht so recht, als „Sugar Baby“ (so der Name einer einschlägigen Dating-App) lässt sie sich für entsprechende Dienstleistungen jedenfalls regelmäßig von älteren Herren wie Max entlohnen; zu einer potenziell durchaus stabilen Beziehung mit Maya zu stehen, wäre ferner kaum im Sinne eherner traditioneller Werte.
Den daraus resultierenden Spießrutenlauf erzählt Emma Seligman binnen knapp achtzig Minuten und unter Konzentration auf einen Handlungsschauplatz als eine Art emotionales „High Noon“, als Konflikt zwischen innerer und äußerer Welt – von Scham- und Panikattacken gebeutelt bersucht die arme Danielle, das beste aus ihrer sich zuspitzenden, misslichen Lage zu machen, die sich zusätzlich noch sukzessiv dadurch verschärft, dass manch unangenehme Wahrheit wegen ihrer eigenen Ungeschicklichkeit (sie lässt ihr Handy ungesperrt auf der Toilette liegen) ans Tageslicht kommt. Die daraus resultierende, glänzende Komik ist gleichermaßen Seligmans wunderbar scheinchaotischer (Dialog-)Dramaturgie wie Rachel Sennotts exzellenter Performance zuzuschreiben. In seinen schönsten Momenten erinnerte mich „Shiva Baby“ zudem an Altmans Meisterwerk „A Wedding“ – beileibe nicht die schlechteste Referenz.

8/10

MOBSTERS

„This ain’t money, Tommy. This is friendship.“

Mobsters (Die wahren Bosse) ~ USA 1991
Directed By: Michael Karbelnikoff

New York in den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts: Ihrer unterschiedlichen ethnischen Abstammung zum Trotz werden die vier Nachwuchsgangster Charlie Luciano (Christian Slater), Meyer Lansky (Patrick Dempsey), Benny Siegel (Richard Grieco) und Frank Costello (Costas Mandylor) eingeschworene Freunde und Partner. Protegiert von dem Alkoholschmuggler Arnold Rothstein (F. Murray Abraham) gelingt ihnen der Aufstieg zu ernstzunehmenden Konkurrenten der beiden alteingesessenen Mafiabosse Don Faranzano (Michael Gambon) und Don Masseria (Anthony Quinn), die sich zuvor stets bloß gegenseitig bekriegt haben und nun versuchen, Luciano jeweils für ihre Familie zu instrumentalisieren. Dass sie dabei jedoch alles andere als zimperlich vorgehen, wird den beiden Altpatriarchen bald zum blutigen Verhängnis.

Amerika und damit auch Hollywood lieben ihren historischen Gangster und die ihn umspannende Mythologie. Die entsprechende Figur bildet einen Archetypus des Films und avancierte seit dessen Anfängen zugleich zum steten Dauergast und damit elementarem Baustein des Kinos. Insbesondere die Ära der Prohibition und daran anschließend die der Großen Depression haben dabei die größten und dankbarsten Milieugrößen hervorgebracht, darunter die in „Mobsters“ ziemlich semiauthentisch porträtierten New Yorker Tommy-Gun-Legenden. Die erste von nur zwei Regiearbeiten von Michael Karbelnikoff bildet dabei einen eher halbherzigen Versuch der produzierenden Universal, sich ein Stückchen vom Kuchen der großen Doppel-Gangsterfilm-Saison 90/91 zu sichern. Allein 1991 wurden nebenbei gleich drei Filme produziert, in denen Benjamin „Bugsy“ Siegel eine mehr oder weniger elementare Rolle spielte, darunter der vorliegende.
Im Gegensatz zu den meisten überaus gelungenen und teilweise längst zu Klassikern avancierten Unterweltepen seiner Ära muss man „Mobsters“ allerdings bescheinigen, ziemlich krachend gescheitert zu sein, wenn auch in nicht uninteressanter Weise. Das rund vierzehn Jahre (von 1917 bis 1931, dem Gründungsjahr der „Commission“, des Dachverbands der Cosa Nostra) währende, ebenso komplexe wie ereignisreiche golden age des Aufstiegs von Luciano, Costello, Lansky und Siegel quetscht der Film in ein hundertminütiges Erzählkorsett und kann damit freilich nur scheitern. Für die Interpretationen der vier tatsächlichen, mit Ausnahme vielleicht von Siegel physiognomisch tatsächlich allen Klischees entsprechenden Protagonisten, zog man ausgerechnet die bildhübschen Sonnyboys Slater, Dempsey, Grieco und Mandylor heran, damals alle Anfang bis Mitte 20 und gewiss bestens dazu angetan, als Brecher flatternder Mädchenherzen anzutreten, nicht aber unbedingt als verschlagene Könige des organisierten Verbrechens. Damit nicht genug, vergaloppiert sich der Film permanent in seinem unbeholfenen Bemühen, sich strukturell konsumierbar zu machen. Wichtige Momente finden sich als hilfloser Kurzabriss, redundanten Liebessequenzen wird im Gegenzug mindestens soviel Platz eingeräumt wie unabdingbaren Actionszenen. Im Grunde wirkt „Mobsters“ trotz keinesfalls weniger schöner Momente meist rein fragmentarisch, ein wenig, wie ein Trailer für einen wesentlich ausufernderen Film, den es am Ende nie gab, da das vorliegende Material nie zum einem konzisen Ganzen finden mag. Dennoch lässt sich sein so häufig im Verborgenen verharrendes Potenzial immer wieder erahnen, so etwa in Aspekten des sorgfältigen Produktionsdesigns und der fraglos vorhandenen Ambition, Zeitkolorit spürbar werden zu lassen. Selbst die Chemie zwischen den ihre Rollen sichtlich ernst nehmenden Slater und Dempsey stimmt soweit. Die erfahrenen Recken Abraham, Gambon und vor allem Quinn (der mit dem echten Frank Costello gut befreundet war) machen sich im Gegenzug jedoch einen Spaß daraus, ihre teils vor einfältigen Klischees nur so strotzenden Dialogzeilen durch vorsätzliches overacting noch mehr hochzujizzen, was dann wiederum alle Versuche in Richtung Ernsthaftigkeit gehörigst unterminiert.
Trotz alldem nehme ich „Mobsters“ nicht als Ärgernis war, sondern als durchaus spaßigen, wohlmeinenden, obschon rasant vor die Wand gesteuerten Versuch, dem arrivierten Genrefilm durch gezielte Modernisierung in Form und Dramaturgie etwas Juvenilität hinzuzusetzen. Dass die Kids dann allerdings eher zu Flottem wie „New Jack City“ oder „Bound By Honor“ tendierten, überrascht allerdings kaum.

6/10

COCKTAIL

„America, you’ve just been devoted to every flavor I got, but if you want to got loaded – why don’t you just order a shot?“

Cocktail ~ USA 1988
Directed By: Roger Donaldson

Frisch vom Militär entlassen, führt den ebenso selbstbewussten wie lebenshungrigen Brian Flanagan (Tom Cruise) sein erster Weg nach New York, wo er glaubt, dass Dreistigkeit und gutes Aussehen ihn bereits für ein veritables Yuppiedasein qualifizieren. Doch die harsche Realität sieht anders aus – ohne Studium oder Ausbildung gibt es auch keinen Bürojob. Also heuert Brian als Bartender in einer angesaften Bar an und lernt von seinem neuen Mentor Doug (Bryan Brown) in rasanter Geschwindigkeit alle Kniffe und Tricks des Jobs. Weniger erfolgreich ist er als Uni-Freshman; die höhnischen Bemerkungen seiner Professoren kontert er nicht minder schnippisch und kassiert die entsprechenden Noten. Seine wahre Berufung, das erkennt Brian nun, liegt in einer Karriere als Cocktailmixer. Doch aus dem Traum von einem gemeinsamen Laden mit Doug wird nichts, weil dieser es vorzieht, Brian die Untreue seiner versnobten It-Liebschaft Coral (Gina Gershon) zu veranschaulichen, indem er sie kurzerhand selbst flachlegt. Erbost jettet Brian nach Jamaika und jobbt dort in einer Strandbar, wo er die reizende Jordan (Elisabeth Shue) kennenlernt und sich in sie verliebt. Doch Brian muss nach wie vor erst noch lernen, erwachsen zu werden…

Wer nix wird, wird Wirt (alle ebentuell mitlesenden Gastronomen mögen mir dieses spitzfindige Bonmot verzeihen): Sein unauslöschliches Timbre als Zeitdokument atmet Roger Donaldsons „Cocktail“ bereits akut in der Font-Gestaltung seiner Titelsequenz – leuchtende Bar-Neonschrift bereitet das Publikum umfänglich auf die kommenden 100 Minuten Spätachtziger-Coming of Age vor. Der damals bereits zum Superstar und Sexsymbol avancierte Cruise subsummiert in seiner Figur als nicht allzu cleverer, irischstämmiger Dickkopf quasi nochmal sämtliche Erfolgsrollen der unmittelbaren Vorjahre, in denen er stets den schönheitsverwöhnten, inseltalentierten Hallodri gab, der seine wirklich eminenten Lebenslektionen wahlweise erst durch ältere Vaterfiguren oder durch herbe Schicksalsschläge, die sein jeweiliger Charakter indirekt verursachte, zu lernen hatte, um erst hernach auf dem verantwortungsvollen Pfad ehrfüchtiger Tugendhaftigkeit wandelnd sein weiteres Leben begehen zu können. Das kindhaft-arrogante Wesen seiner diversen so selbstgerechten Sonnyboys wich dann am Ende stets einem stabilen, erwachsenen alter ego, das nunmehr bereit war für die wesentlichen, amerikanischen Werte: Karriere, Beziehungsreife, Familiengründung.
„Cocktail“, der den entsprechenden Werdegang auf die üblich naive Erfolgsgeschichtenart konstruiert, wählt als Milieugrundierung das knallharte Business der Barkeeper und Cocktailmixer – für ein vollständiges urbanes Bild bekanntermaßen mindestens so wichtig wie Verkehrspolizisten, U-Bahn-Netze und öffentliche Toiletten. Auch in dieser Berufssparte, das versichert uns der Film gleich zu Beginn durch die putzige Kontrastierung mit Brians Onkel Pat (Ron Dean), der seit Ewigkeiten eine gleichermaßen bescheidene wie rustikale Oppa-Kneipe in Queens bewirtschaftet und jeden Cent zweimal umdrehen muss, ist nicht gleich jedermann zu Höherem geboren. Es sei denn eben, er sieht aus wie Tom Cruise, hat einen exzellenten Zahnarzt und serviert seine bunten Drinks in Verbindung mit improvisierter Barpoesie. Dummerweise kann Brian Flanagan auch jedes (weibliche) Wesen haben, das er will – eine Qualität, die sein Mentor Doug Coughlin, eine Art falsch abgebogene, ältere Version Brians, ihm zuvor noch als beruflich existenziell verordnet hatte. Eine gute Thekenkraft muss eben auch mal Gigolo sein können. Dass dies allerdings auf Sicht nicht glücklich machen kann, lernen sowohl Doug als auch Brian auf die harte Tour – letzterer nimmt sich schließlich gar frustriert das Leben, dessen er nie wirklich Herr zu werden vermochte. Die denkbar nachhaltigste Warnung für Brian, der erst jetzt erkennt, was wirklich entscheidend ist, nämlich die Frau, die man aufrichtig liebt (und die nebenbei bereits schwanger ist sowie noch ihrer eigenen, familiär geprägten Park-Avenue-Bonzensphäre zu entsagen hat) und eine eigene, schicke Kneipe, bezeichnend „Cocktails & Dreams“ getauft. Flankiert wird dieses Sommermärchen von Dean Semlers wohltemperierter, schöner Photographie, ansprechend karibischem Flair im Mittelteil und natürlich einer eigens komponierten Beach-Boys-Comeback-Single. Wohlan!

6/10

I CONTRABBANDIERI DI SANTA LUCIA

Zitat entfällt.

I Contrabbandieri Di Santa Lucia (Der große Kampf des Syndikats) ~ I 1979
Directed By: Alfonso Brescia

Um eine enorme, aus dem Iran kommende Heroinlieferung nach New York auszubremsen, setzt der emsige Zollbeamte Ivano Radovich (Gianni Garko) alles auf eine Karte: Er versucht, die tödliche Fracht in ihrer letzten Zwischenstation Neapel aufzuhalten. Zu diesem Zweck sucht er die Bekanntschaft des hiesigen Tabakschmuggler-Paten Don Francesco Antiero (Mario Merola) und schließt einen Deal mit ihm ab: Wenn Don Francesco Radovich hilft, die Drahtzieher des Drogentransfers zu finden, so dessen Zusicherung, lässt der Zoll die kleinen Zigarettenverkäufer des Hafenviertels Santa Lucia vorübergehend gewähren. Was Don Francesco nicht ahnt – niemand Geringerer als sein Berufsgenosse, der offiziell als Süßwarenfabrikant tätige Don Michele Vizzini (Antonio Sabato), den Francesco blauäugig in Radovichs Pläne einweiht, ist im Auftrag des New Yorker Syndikats unter dessen Boss Don Avallone (Rik Battaglia) für den Weitertransport des Heroins verantwortlich. Vizzini spielt die Polizei und Don Francesco gegeneinander aus, doch als ein kleines Mädchen (Letizia D’Adderio) beinahe an einer Überdosis Rauschgift stirbt, zieht Francesco die richtigen Schlüsse. Er folgt Vizzini bis nach Manhattan, um ihn dort zu stellen…

„I Contrabbandieri Di Santa Lucia“ ist einer von mehreren Gangsterfilmen, die der Schnellschießer Alfonso Brescia gegen Ende der siebziger und zu Beginn der achtziger Jahre mit Mario Merola in der jeweiligen Hauptrolle sowie unter Verwendung anderer StammschauspielerInnen in rascher Folge vom neapolitanischen Stapel ließ und von denen es leider nur wenige bis nach Deutschland geschafft haben. Die den handwerklich eher grobmotorischen, dabei sympathischen kleinen Werken zugrunde liegende moralische Formel kennt man selbst als weitgehend uneingeweihter Mitteleuropäer jedoch aus den „Piedone“-Filmen mit Bud Spencer: die Menschen der rustikalen Vesuv-Metropole sind arm, aber herzlich, oftmals kleinkriminell, aber beseelt von einem umso größeren Ehr- und Zusammengehörigkeitsgefühl. Mit diesen wohlbewussten Karten spielt auch Brescia, respektive das von Ciro Ippolito mitverfasste Script. Merola als sympathischer Ganove steht im stetigen Kontakt zu den kleinen Straßengaunern und hat eher was von einem Sozialarbeiter denn von einem Gangster oder gar Mafioso. Er leistet sich kein dickes Auto und verdingt als einziges persönliches Faktotum den leicht vertrottelten Chauffeur Cassio (Lucio Montanaro als etwas unbeholfenes comic relief). Ganz im antagonistischen Gegensatz dazu sein schmieriger, sich mit Protz und freizügigen Damen umgebender Konkurrent Vizzini, der prototypische Mafia-Emporkömmling, der als gewohnheitsmäßiger Opportunist ebenso wohlfeil den Speichel der in der Hierarchie über ihm stehenden Bosse leckt wie er Mordaufträge verteilt. Inmitten dieser doch recht durchschaubaren Halbweltkonstellation wirkt Gianni Garko als Zollbeamter schließlich nicht von ungefähr wie ein Fremdkörper, dem es tatsächlich geflissentlich an Durchblick mangelt und dem sowohl die Entschlusskraft als auch die kombattante Überlegenheit eines Maurizio Merli oder Luc Merenda abgeht. Gleich mehrere Male wird er verprügelt, angeschossen oder sonstwie situativ übervorteilt – immerhin lässt ihn dies zugleich recht menschlich erscheinen. Dass ein Großteil des im Übrigen saumäßig montierten, in New York spielenden Finales nebenbei kurzerhand etliche Einstellungen aus Ferdinando Baldis mehrere Jahre zurückliegendem „Afyon Oppio“ recycelt, sieht man Brescias insgesamt doch recht liebenswertem schnellen Brüter durchaus nach.

6/10

THE BONE COLLECTOR

„I can’t do this.“

The Bone Collector (Der Knochenjäger) ~ USA 1999
Directed By: Phillip Noyce

Ein Serienkiller mit Vorliebe zu Artefakten aus der letzten Jahrhundertwende macht New York unsicher. Dabei hinterlässt er jeweils sorgfältig verschlüsselte Hinweise auf seine nächsten geplanten Opfer, deren Rettung die Polizei immer wieder vor einen vergeblichen Wettlauf mit der Zeit stellt. Die junge Beamte Amelia Donaghy (Angelina Jolie) gerät per Zufall an einen der Tatorte und engagiert sich in hohem Maße für dessen Spurensicherung. So wird der wegen eines Jahre zurückliegenden Unfalls ans Bett gefesselte und aufgrund seiner fast kompletten Körperlähmung lebensmüde Ex-Cop Lincoln Rhyme (Denzel Washington), eine Koryphäe auf dem Gebiet des profiling, auf sie aufmerksam. Rhyme wittert gewaltiges Potential hinter der Kollegin und bindet Amelia trotz gänzlicher anderer Karrierepläne ihrerseits in die Ermittlungen ein. Diese werden allerdings immer wieder durch den inkompetenten Captain Cheney (Michael Rooker) torpediert.

Als leicht verspäteter Nachklapp zu den beiden großen Serienkillerfilmen der Dekade – Jonathan Demmes „The Silence Of The Lambs“ und David Finchers „Se7en“ – greift „The Bone Collector“ wie diverse zeitgenössisch entstandene, andere Werke des Subgenres auch, etliche Topoi jener überlange Schatten werfenden Vorbilder auf und versucht, sie durch eine nur unwesentlich modifizierte formale Textur vergeblich als originell erscheinen zu lassen. Dass dieses Vorhaben zwangsläufig zum Scheitern verurteilt ist, zeigt Noyces Film indes nicht als einziges Exempel seiner Ära. Trotz des durchaus routinierten Regisseurs und einer außerordentlich prominenten und adäquat aufspielenden Besetzungsliste erreicht „The Bone Collector“ eines alles andere denn überdurchschnittliche Qualität. Die Hauptschuld daran trägt das mit heißer Nadel konstruierte Script, das zum einen besagte Blaupausen in allzu auffälligem Maße revisioniert und zum anderen den eigenen, letzten Endes maßgeblichen Plot sträflich vernachlässigt.
Die Beziehung zwischen den beiden Hauptfiguren Rhyme und Donaghy gestaltet sich zu Beginn als eine Art illuminierter Reprise von der zwischen Lecter und Starling – unmöglich scheinend und durch diverse äußere Umstände voneinander getrennt entwickeln sich doch zarte Bande zwischen dem physisch bewegungsunfähigen Genie und seinem von ihm wohlgeschätzten, ganz nebenbei durch einen Vaterkomplex traumatisierten Schützling, eine kurze, jedoch vielsagende Fingerberührung inbegriffen. Auch andere Charaktere aus Demmes Film erhalten ihre Quasi-Pendants: Michael Rooker substituiert Anthony Heald, Queen Latifah Frankie Faison. Der sich schließlich im Zuge eines arg verpuffenden twist als dem Zuschauer längst vorgestellt entpuppende Täter (ausgerechnet gespielt von Leland Orser, einem vor allem in den Neunzigern vielbeschäftigten Nebendarsteller, der als Semiopfer bereits in „Se7en“ zu sehen war und unmittelbar vor „The Bone Collector“ in Russell Mulcahys wiederum ähnlich angelegtem Gattungsbeitrag „Resurrection“ als hero’s best buddy) erweist sich selbst als verrückt gewordener Ex-Polizist, der die ganze Mordserie lediglich als Rachefeldzug an Lincoln Rhyme, der ihn einst geschasst hatte, inszeniert – der ermittelnde Cop als Schlüsselelement des Tätercoups also. Wie Rhyme und Donaghy, die – das suggeriert das weihnachtlich eingefasste happy end wohlweislich zu allem sonstigen Zuckerguss – am Ende wohl doch mehr als kollegiale Freundschaft füreinander empfinden, ihm nach und nach auf die Schliche kommen, das ist derweil so unglaublich hanebüchen konstruiert, dass jeder auch nur halbwegs logikaffine Kriminalfreund das Grausen bekommen sollte. So sind es die gezielt schrecklich konnotierten Mordvariationen, die die primäre Aufmerksamkeit schüren und so möglicherweise vom dünnen Rest ablenken sollen. Doch gar zu Fürchterliches mutet einem „The Bone Collector“ dann wohlweislich doch nicht zu – das kleine Mädchen (Zena Grey) überlebt.

5/10

C.H.U.D.

„They have the power to shut the sky…“

C.H.U.D. ~ USA 1984
Directed By: Douglas Cheek

Auf den Straßen von Manhattan beginnen Menschen zu verschwinden, vornehmlich aus dem Obdachlosenmilieu. Für drei Männer gestaltet sich die ganz unterschiedlich motivierte Suche nach der Ursache dieser Ereignisse zusehends schwierig: Der gerade umgezogene Fotograf George Cooper (John Heard) plant eine Serie über das urbane Prekariat, AJ Shepherd (Daniel Stern), genannt „The Reverend“, leitet eine Suppenküche für die Ärmsten der Armen und Police Captain Bosch (Christopher Curry) vermisst seine Frau (Laure Mattos), die nach einem späten Hundespaziergang nicht zurückgekehrt ist. Ihre Rechecherchen führen das Trio zu einem hochbrisanten Umweltskandal: Der gewissenlose Unternehmer Wilson (George Martin) entsorgt schon seit Jahren nuklearen Müll unter den Straßen der Stadt, wo die dort hausenden Stadtstreicher zu verstrahlten Monstern mutieren. Jene so genannten C.H.U.Ds (Cannibalistic Humanoid Underground Dwellers) machen Jagd auf Menschen und sind für Wilson und seine Leute offenbar ein hinlänglich bekanntes Problem, dessen man mittlerweile jedoch nicht mehr Herr werden kann…

Douglas Cheeks einzige Filmregiearbeit „C.H.U.D.“ lässt sich als legitimes Bindeglied zwischen dem New Yorker 42nd-Street-/Underground-Kino der späten siebziger und frühen achtziger Jahre, das durch Namen wie Ferrara, Henenlotter, Glickenhaus oder Lustig repräsentiert wird und dessen späteren Nachzüglern wie Jim Muros „Street Trash“ bezeichnen. Dabei ist Cheek ein sehr charmanter, spitzfindiger und durchaus gescheiter Indie-Monsterfilm geglückt, der sich im Laufe der Jahrzehnte ein verdientes Renommee erarbeiten konnte. Dem Werk zur Seite steht eine vor allem rückblickend ansehnliche Besetzung (neben den erwähnten Hauptdarstellern finden sich im Cast Namen wie Kim Greist, J.C. Quinn oder Eddie Jones und in kleineren Auftritten Graham Beckel, Frankie Faison und John Goodman) deren jeweils gut aufgelegtes Spiel die sorgfältigen Charakterzeichnung des Scripts nochmals bonifiziert. Ganz weit im atmosphärischen Vordergrund von „C.H.U.D.“ steht allerdings die von der vermüllten Asphaltrealität ihrer Zeit strotzende Photographie, die nur ausgesucht schäbige Facetten der Großstadt herzeigt; dampfende Gullys, bewölkte Dunkelheit, beengte Appartements, verfallende Innenräume und natürlich die subterranen Heimstätten der angsterfüllten Obdachlosen, die sich mitunter verwandeln und dann selbst zu dezimieren beginnen. Als galliger Kommentar zur New Yorker Prä-Gentrifizierungs-Ära lässt sich das mit ein wenig Phantasie ebenso trefflich lesen wie als Hommage an das wahre humane Fundament der Metropole, das eben nicht aus Yuppies und Brokern besteht, sondern aus Polizisten, Künstlern, Sozialarbeitern, Pennern und, ja – vielleicht auch monströsen Kannibalen.

8/10

CON LA RABBIA AGLI OCCHI

Zitat entfällt.

Con La Rabbia Agli Occhi (Höllenhunde bellen zum Gebet) ~ I 1976
Directed By: Antonio Margheriti

Der in seinen Berufskreisen längst legendäre Profikiller Peter Marciani (Yul Brynner) erhält den Auftrag, den für die New Yorker Mafia zum Problem gewordenen Neapeler Paten Gennaro Gallo (Giancarlo Sbraglia) zu beseitigen. Mit dem Hinweis, Gallo habe vor einiger Zeit seinerseits den Mord an Marciani und dessen erschossenem, jüngeren Bruder befohlen, nimmt der zunächst ablehnende Marciani den Job schließlich doch an. In Neapel angekommen, lernt er den jungen Nachwuchsganoven Angelo (Massimo Ranieri) kennen, der sich dem alten professional andient, verliebt sich in die Striptänzerin Anny (Barbara Bouchet) und gerät mit dem hiesigen Commissario (Martin Balsam) aneinander. Sein eigentliches Ziel jedoch verliert Marciani nie aus den wütenden Augen…

Der Multigenre-Arbeiter Antonio Margheriti hat sein Näschen ähnlich vielen seiner Kollegen irgendwann einmal in nahezu jede von den Italienern vereinnahmte Filmgattung mit Exploitation-Charakter gesteckt. Das von zeitgenössischen Mitstreitern wie Umberto Lenzi, Stelvio Massi oder Sergio Martino (um nur einige wenige wesentliche zu nennen) reichhaltig beackerte Terrain des Poliziottesco bzw. Gangsterfilms jedoch sparte der ja auch gern unter seinem knackigen Pseudonym Anthony M. Dawson firmierende Margheriti auf seiner knapp 60 Werke umfassenden Reise durch die Leinwandgestade weitgehend aus. Eine recht hübsche Ausnahme von jener Regel bildet „Con La Rabbia Agli Occhi“, zugleich der letzte Leinwandauftritt des Hauptdarstellers Yul Brynner, bevor er sich mit vergleichsweise jungen 56 Jahren vom Kino verabschiedete. Die Rolle des abgeklärten, stets schwarz gekleideten Hitman, der unter der Brooklyn Bridge zum Angeln geht, eigentlich doch ein verschmitztes Wesen sein Eigen nennt und nur allzu gern häufiger von den angenehmeren Dingen des Lebens gekostet hätte, bildete aber auch ein schönes Geschenk für Brynner, der den Part dann auch mit sehr viel guter Laune absolvierte.
Mit der wie immer überaus freizügigen, als sehr liebe Tänzerin Anny zu sehenden Barbara Bouchet verbindet ihn bald eine zarte Romanze, die das nur selten ins Deftigere abgleitende Timbre des Films immer wieder hebt. Überhaupt überlässt Margheriti düsteren Zynismus und schwarzen Fatalismus lieber anderen; wie die meisten seiner Werke findet auch „Con La Rabbia Agli Occhi“ von einer – gerade in Anbetracht des gezeichneten Milieus – sehr unbeschwerten Müßigkeit getragen, die allzu trübsinnige Emotionen lieber ausspart. Zu genießen sind derweil die Impressionen Napolis, die hier, anders als aus den Mafia- und Gangsterprügeln jener Tage gewohnt, sogar ausnahmsweise mal betont tourismusaffin daherkommen.

7/10

COMING 2 AMERICA

„If something is good, don’t try to ruin it.“

Coming 2 America (Der Prinz aus Zamunda 2) ~ USA 2021
Directed By: Craig Brewer

Das Königreich Zamunda – und damit auch Kronprinz Akeem (Eddie Murphy) – zeigt sich für seine utopischen Idealverhältnisse geradezu krisengeschüttelt, als der König Jaffe Joffer (James Earl Jones) das Zeitliche segnet und sich herausstellt, dass Akeem einen unehelichen Sohn in Queens hat. Immerhin lässt sich mit der semierfreulichen Neuigkeit ein Übel beseitigen: Dem Drohgehabe von General Izzi (Wesley Snipes), Diktator des kriegerischen Nachbarstaats Nexdoria, könnte mit einer arrangierten Hochzeit zwischen dem Kuckucksfilius und Izzis Tochter Bopoto (Teyana Taylor) ein entspannender Riegel vorgeschoben werden. Akeem reist, unterstützt von Adlatus Semmi (Arsenio Hall), also flugs nach Queens, um dort Sohnemann Lavelle Junson (Jermaine Fowler) zu finden und „heimzubringen“, nicht ohne Lavelles vorlaute Mutter (Leslie Jones) im Schlepptau. Für Akeems Königin Lisa (Shari Headley) und ihre drei regulären Töchter (KiKi Layne, Bella Murphy, Akiley Love) erweisen sich die familiären Neuzugänge mit ihrem ungeschliffenen Benehmen als recht anstrengend, doch Akeem und Lavelle raufen sich bald zusammen. Als jedoch Lavelle die geplante Hochzeit mit Bopoto zugunsten der zamundischen Friseurin Mirembe (Nomzamo Mbatha) cancelt und mit ihr zurück nach New York fliegt, steht Akeem vor einer ähnlichen Entscheidung wie sein eigener Vater rund dreißig Jahre zuvor.

Gewiss sind ideologiekritische Betrachtungen von Film richtig und wichtig, wenn sie jedoch den Blick auf das Wesentliche verstellen, nämlich das eigentliche Objekt des Diskurses, dann wird’s zangsläufig brackig. In jüngerer Zeit kommt derlei häufiger vor; die neoliberale Front hetzt gegen Genderwahn und übertriebene wokeness, derweil die Gegenseite wahlweise wider mangelnde Diversität oder politisch unkorrekte Spöttereien ins Feld zieht. Völlig albern gestaltet sich solch am Ende doch lediglich das Ego des bzw. der jeweiligen SprecherIn balsamierende Gewetter nun, wenn der ihm zugrundeliegende Film bestenfalls medioker daherkommt – medioker in allem, was wirklich wichtig gewesen wäre.
„Coming To America“ beendete 1988 die Kernschaffensphase seines Regisseurs John Landis. Als sein letztes wirklich großes Werk beinhaltete der Film noch einmal alles, was die zehn vorhergehenden Jahres in Landis‘ Schaffen so auszeichneten – ein kultureller Röntgenblick, eine sehr spezielle Art von Humor, die in Windeseile zwischen Lakonie und screwballhaftem Tempo umherswitchen konnte, ein erlesenes Gespür für passgenaues casting nebst einer jeweiligen Kohorte von Cameos befreundeter Filmschaffender und der ganz persönlichen auteuristischen Trademarks. Der zugleich produzierende Hauptdarsteller Murphy befand sich auf seinem Karrierezenit und setzte sich als märchenhafter und vor allem romantischer Held erstmals ein Eigendenkmal, das mit seiner zuvor stets präservierten streetwise attitude, die ja seinen Werdegang als comedian erst möglich gemacht hatte, gezielt brach und somit seiner hausgemachten Typologie eine gänzlich ungewohnte Nuance hinzusetzte. Der Erfolg gestaltete sich dermaßen nachhaltig, dass das 33 Jahre später entstandene Sequel für das koproduzierende Studio amazon eine unerhörte Prestige- und PR-Bombe darstellt, erwähntes Brimborium inbegriffen. Dabei ist „Coming 2 America“ ähnlich gentrifiziert wie Queens, das damals noch „größte Dreckloch“, in das Akeem und Semmi einkehrten, um eine wahre Königin zu suchen. Brewers Fortsetzung nimmt sich sehr viel sauberer, familientauglicher und kantenloser aus. Momente wahrer Subtilität und Klugheit bleiben Nadelstiche im CGI-verpampten Pastiche; statt wie das Original schneidige Sozialkritik zu liefern oder gar afroamerikanische Identitätssuche versus bourgeoisen Scheinaufstieg zu verballhornen, verlässt man sich hier auf lauten bis vulgären Sitcom-Humor. Auch die Tatsache, dass „Coming 2 America“ inhaltlich unwesentlich mehr als ein Remake von Landis‘ Meisterwerk darstellt, das anstelle der wirklich brillanten, eher zwischen den Zeilen herauslesbaren Scriptideen eher die oberflächlichen Camouflagekalauer aufgreift und repetiert, zeigt, dass „Coming To America“ entweder nicht verstanden, oder, was wesentlich naheliegender ist, gezielt seiner Bissigkeiten entledigt wurde.
Immerhin stellt sich mit Akeems zweiter Reise innerhalb des zweiten Films nach Queens, die dazu dient, sein damaliges Ich mit dem gegenwärtigen seines Sohnes abzugleichen und somit auch den ersten Schritt zur Unterminierung des heimlichen Konservativismus seines eigentlich doch ganz schön rückschrittigen Königreichs zu gehen, doch noch eine Art von Déjà-vu-Gefühl ein, ohne auf bloße Selbstzitate zu setzen. Da wirkt der Film dann erstmals nicht wie aus dem Baukasten offensichtlicher Versatzstücke entstanden und zeigt gar ein wenig Herz. Für die letzten fünfzehn Minuten nach mehr oder weniger durchlittenen anderthalb Stunden teils grausamsten Vorgeplänkels war mir dies allerdings deutlich zu wenig.
Als romantische Komödie enttäuschend, als Fortsetzung eines Meilensteins des amerikanischen Kinos eine Katastrophe.

4/10

THE KING OF STATEN ISLAND

„I’m on drugs.“

The King Of Staten Island ~ USA 2020
Directed By: Judd Apatow

Erwachsenwerden mit 24 – geht das überhaupt? Schwerlich, wie sich anhand des bei seiner verwitweten Mutter Margie (Marisa Tomei) eingenisteten Spätadoleszenten Scott Carlin (Pete Davidson) erweist. Als Existenzversager – zumindest im neoliberalen Sinne – kann Scott wenig und hat gar nichts. Auch wenn er davon träumt, auf Staten Island als renommierter Tattoo-Künstler zu reüssieren, halten ihn allerlei psychosomatische Wehwehchen, darunter ADHS, Morbus Crohn und konstanter Marihuana-Konsum, davon ab, sich auf eigene Füße zu stellen. Stattdessen gammelt er mit seinen nicht minder verpeilten Kumpels (Ricky Velez, Lou Wilson, Moises Arias) herum und fällt Margie und seiner jüngeren Schwester Claire (Maude Apatow) auf den Wecker. Als sich Margie infolge eines ausgerechnet durch Scott selbst herbeigeführten Zufalls in den geschiedenen Feuerwehrmann Ray (Bill Burr) verliebt und zum ersten Mal überhaupt seit dem Tod von Scotts Dad (der ebenfalls Feuerwehrmann war und im Einsatz gestorben ist) wieder ein wenig persönliches Glück findet, investiert der eifersüchtige Filius fortan sämtliche Energie darin, Ray zu torpedieren, mit dem Erfolg, dass nicht nur dieser, sondern auch Scott selbst bei seiner Mom rausfliegt. Der vorübergehend Obdachlose findet ein Heimdach bei der Feuerwehr, die ihn als Faktotum akzeptiert und Scott zumindest die Gelegenheit bietet, ein wenig Selbstreflexion zu üben.

Judd Apatow hatte ich lange nicht mehr auf dem Schirm – der letzte Film vor „The King Of Staten Island“, den ich von ihm gesehen hatte, war der nunmehr rund elf Jahre alte „Funny People“. Seine aktuelle Regiearbeit zeigt, dass ihn noch dieselben Topoi umtreiben wie eh und je – spätes Erwachsenwerden es sich in ihren gepflegten Neurosen bequem machender Kindmänner und natürlich der Mut zur aufrichtigen Liebe als Lebensretter in allen Lagen sind davon die vordringlichsten. Auch in der Tradition des Frühwerks von Kevin Smith, der eben Brooklyn statt Staten Island zum Mikorokosmos seiner damaligen Generation Slack kürte, kann man „The King Of Staten Island“ zumindest in Teilen verhaftet sehen; kiffende Hänger, deren mittelfristige Lebensziele sich im Stopfen des nächsten Pfeifchens erschöpfen, kennt man daher noch recht gut. Der mit einem feisten Überbiss gesegnete SNL-Komiker Pete Davidson re-erfindet seine Figur in ebenjust dieser Tradition, wobei zumindest die psychologische Skizzierung, Apatows eigenem Alter geschuldet, doch ein wenig nuancierter ausfällt. Ein Held, geschweige denn ein König, ist Scott Carlin weder innerhalb der Realität des Films, noch wird das Publikum genötigt, ihn als solchen in Empfang zu nehmen. Gleich seine Einführung macht deutlich, dass man es in den kommenden zwei Stunden mit einem jungen Mann zu tun bekommen wird, der es weder sich selbst noch seinem Interaktionsradius leicht macht. Und tatsächlich entwickelt sich die Beziehung zwischen Scott und uns zu einer veritablen Hassliebe. Einerseits hat der Typ ja durchaus witzige bis geisteshelle Momente und Qualitäten [die nebenbei immer dann hervortreten, wenn man es am wenigsten erwartet – etwa im ihm aufgenötigten Umgang mit Rays kleinen Kindern (Luke David Blumm, Alexis Rae Forlenza)], andererseits fühlt man sich allenthalben genötigt, ihm eine autoritäre Tracht Prügel zu verabreichen. Und natürlich ist Apatow gut genug zu uns und vor allem zu Scott, ihn am Ende existenzielle Teilsiege erringen zu lassen. Ein durchaus liebenswertes Feel-Good-Movie ist das erfreuliche Resultat, eine Hommage an die Freundschaft wider alle Barrieren sowie die überschaubare Heimeligkeit von Suburbia im Schatten des Molochs Großstadt zudem und – natürlich – an die Romantik.

8/10

THE CURRENT WAR

„Your garden would be twice as big – wouldn’t it, Tom?“

The Current War (Edison – Ein Leben voller Licht) ~ USA/UK/RUS 2017
Directed By: Alfonso Gomez-Rejon

Der Osten der USA in den 1880ern. Zwischen den beiden ehrgeizigen Erfindern Thomas Edison (Benedict Cumberbatch) und George Westinghouse (Michael Shannon) entbrennt ein Konflikt um die Vormachtsstellung bei der landesweiten Stromversorgung. Während der Visionär Edison dafür die risiko- weil spannungsärmere Variante des Gleichstroms favorisiert, verlagert sich der geschäftstüchtigere Westinghouse auf das Angebot mit Wechselstrom, ebeso wie der genialische Eigenbrötler Nikola Tesla (Nicholas Hoult), der zunächst für Edison und später für Westinghouse arbeitet. Unter persönlichen und beruflichen Verlusten, allerlei Ränkespielen und Tiefschüssen hält ihr persönlicher und beruflicher Konflikt an bis zur 93er-Weltausstellung in Chicago, deren Präsentationsangebot schlussendlich den jeweiligen Sieg für einen der beiden Kontrahenten bedeuten wird.

„The Current War“ [Das Teilnomen „current“ bezieht sich auf die anglophonen Bezeichnungen für Gleich- (Direct Current) bzw. Wechselstrom (Alternating Current)] schützt eine wilde Produktionsgeschichte vor: Nach einer sich schier endlos ziehenden Scriptentwicklungsphase nebst zwischenzeitlichem blacklisting und diversen Verschiebungen der Produktionshoheit landete das Projekt schließlich bei Miramax. Die Premiere wurde für das im September 2017 stattfindende Toronto-Filmfestival avisiert, sah dann jedoch einen noch nicht zur Gänze fertiggestellten, mäßig aufgenommenen Precut. Regisseur Gomez-Rejon plante, seinen Film bis zum eigentlichen Kinostart zwei Monate später in die endgültige Form zu bringen, was jedoch durch den sich unterdessen Bahn brechenden Weinstein-Skandal zunächst unmöglich wurde. Die nunmehr weltweit zu sehende, verfügbare Fassung mit erweiterten wie auch getrimmten Sequenzen sowie einem neuen Score firmiert als Gomez-Rejons „Director’s Cut“ und konnte die von der Toronto-Version zunächst teilentsetzten Kritiker wohl zumindest halbwegs wieder beschwichtigen. Ich selbst habe, zumindest glaube ich das, wohl irgendwann einmal etwas von der turbulenten Entstehung von „The Current War“ gelesen bzw. mitbekommen, bis zur üblichen, just erfolgten Nachbeschäftigung mit dem Film spielte diese Tatsache jedoch (glücklicherweise) keine Rolle. Das Ganze vermochte ich also unbelastet zu genießen und fand – ohnehin als erklärter Freund von historisch angelegten Biopics – ein ebenso gelungenes wie atmosphärisches Werk vor, dessen deutsche/r Titel und Vermarktung (von deren Faktizität ich irrigerweise ausging) allerdings wie so oft völlig danebenliegen. Tatsächlich geht es nämlich nicht respektive beiläufig um die erwartete Verklärung eines von Amerikas liebsten Geschichtskindern, sondern tatsächlich um die von Edison und dem annähernd gleichrangig behandelten Westinghouse umkämpfte Vormachtsstellung als führender Energielieferant, in deren Verlauf zudem der faszinierend-enigmatische Tesla eine gewichtige Rolle einnimmt. Gomez-Rejons dritte Kino-Regie wartet mit einer unbändigen Faszination für ihre tragenden Figuren [wozu gewiss auch die sehr schön aufgefächerten Nebencharaktere wie Edisons früh verstorbene Frau Mary (Tuppence Middleton), sein Adlatus Samuel Insull (Tom Holland), Wesinghouses Kreativkopf Franklin Pope (Stanley Townsend) oder der Bankier J. P. Morgan (Matthew Macfadyen) zählen] und ihr Zeitkolorit auf und bewahrt sich dabei höchstselbst eine Art von Exzentrik, die sich beidem wunderbar angleicht. Als ausgesprochener Laie – stets ein wesentlicher Vorzug wirklich empathisch involvierender period pieces – erhält man treffliche Einblicke in Zeit, Denken, Wirken und Personal, sieht sich teils mit aufrichtiger Tragik, teils mit grimmigem Humor konfrontiert und, was natürlich am schönsten ist, findet sich von der konstant hohen Qualität von Inszenierung, Form und Spiel stets bei der Stange gehalten.

8/10